SOBRE LA PRODUCCION

La formación de La Isla

Cuando los realizadores se embarcaron en el proyecto de La Isla, tal vez su idea era filmar una película en la época del futuro, de acción ciencia- ficción sobre clones humanos, una historia bordeando lo imposible. Sin embargo, recientemente, el productor Walter F. Parkes, medio en broma, medio en serio, admite que: –“el resultado fue una película de suspenso en la era actual.”

De hecho, la realidad se vuelve “el futuro” tan rápidamente que lo que era inimaginable en el tiempo en que el guionista Caspian Tredwell-Owen escribió su historia, debió cambiarse. El director/productor Michael Bay comenta:-“Tuvimos que llevar la historia- que sucedía en el original a fines del siglo XXI - hacia el pasado unos 20 años (aún dentro del futuro) para crear una situación más cercana a nuestros días, más accesible.”

Parkes agrega:-“Vivimos en una época en la cual los avances científicos suceden a súper velocidad. Es una progresión geométrica. Por eso nuestra historia se vuelve menos impresionante a medida que evoluciona dentro del futuro. Dados los avances de los que oímos y leemos en estos días, es factible que esta historia pudiera suceder en los futuros 15 ó 20 años. No decimos que vaya a suceder en el grado en que lo mostramos aquí…sino que es técnicamente posible.”

Caspian Tredwell-Owen está de acuerdo y dice:-“La clonación humana va a suceder, es inevitable. Alguien va a hacerlo- legal o ilegalmente- es simplemente una cuestión de quién lo hará primero. La ciencia se nutre de la curiosidad, pero en cierta medida también se nutre de la demanda. Ahora mismo podemos hacer crecer órganos humanos en pedazos, como piezas fuera del cuerpo. ¿Qué pasaría si pudiéramos duplicarnos exactamente? ¿Si hubiera alguien que pudiera darnos un órgano o cualquier parte de su cuerpo sin consecuencias aparentes?”

Cuando el guión original de La Isla llegó a manos del productor Walter F. Parkes, y de la productora ejecutiva Laurie MacDonald, ellos ya habían estado tratando de desarrollar una historia- bastante diferente- sobre clonación humana. Parkes dice:-“Lo que nos pareció muy atractivo desde el vamos en el guión de Tredwell-Owen, es que no está escrito desde la perspectiva de un investigador o de alguien que observa lo que pasa desde afuera. La Isla está escrito desde el punto de vista de los clones mismos. Eso nos pareció una manera sensacional de contar la historia, con mucha emoción y de manera muy personal. Por un lado, esta es una historia en la cual la ciencia se pasa de línea y se vuelve aberrante, y por el otro, uno puede ver la misma historia desde ojos inocentes.”

“Nos pareció que la verdad debería descubrirse a través de los ojos del personaje principal, Lincoln, porque los espectadores se sentirían identificados con él”- dice el guionista Alex Kurtzman -“A través de Lincoln la audiencia se dará cuenta de que algo no está bien, desde el principio. El público de hoy es muy inteligente. Seguramente saltarán a la peor conclusión rápidamente. Dicho eso, la revelación que se abre a los ojos de Lincoln es impresionante.

Su socio, el guionista Roberto Orci, está de acuerdo: -“Ver la verdad a través de sus ojos es lo más impresionante de todo, inclusive si uno piensa que ya sabe cuál va a ser. La primera media hora de la película se dedica a mostrar esta otra realidad, y uno piensa que va a continuar de la misma forma y que ya se sabe qué va a suceder. Pero no. Eso fue todo Caspian, y es brillante porque los espectadores van a compartir el descubrimiento.”

El guión original llegó al director Michael Bay en forma directa, desde DreamWorks, a través de su cabeza principal, Steven Speilberg. Bay recuerda:- “Una noche Steven me llamó y me dijo: ‘Te estoy enviando un guión, tienes que leerlo esta noche’. El guión no llegó como hasta las 23 horas, y tenía 140 páginas. Pero lo leí de una vez, y terminé como a las 3 de la mañana. Me gustó mucho, y más tarde esa misma mañana llamé y dije:’ bueno, lo haré.’”

Parkes cuenta que Michael Bay era el único director a considerar para filmar La Isla, por varias razones. –“El tiene el enfoque, el empuje, la creatividad, la confianza y la experiencia técnica como para timonear una producción de este tamaño. Michael era la elección acertada. Esta película presentaba varios desafíos: muchos exteriores, cientos de extras, escenarios gigantes, efectos digitales, efectos físicos…creo que tenía de todo. Hay una lista muy corta de directores capaces de lidiar con todo eso sin sentir que todo lo supera. Digo, mucha gente puede saber de efectos digitales, o cómo filmar una escena de persecución, pero los desafíos pueden llegar a ser tales que se vuelven un impedimento para filmar la secuencia. Michael puede hacerlo todo – literalmente conoce cada trabajo- y exuda cierto tipo de energía desde la silla de director…si bien nunca se sienta en ella”- se ríe Parkes –“De muchas maneras Michael es un chico grande, con un sentido muy juguetón. Eso le dio mucha energía y emoción a las escenas, y a la película en general. Es algo muy contagioso.”

-“Creo que Michael es muy buen director”- dice el productor Ian Bryce- “Es un artista muy dotado y con muy buen ojo. Verdaderamente sabe filmar, y lo hace rápido. De muchas formas él es el sueño de cualquier productor, porque viene preparado y listo para salir. Michael puede hacer una gran cantidad de trabajo por día. Para mí fue una gran experiencia trabajar junto a él.”

Desde el momento en que Bay entró en la producción de La Isla, él sabía que debería encontrar un equilibrio entre dos diferentes focos importantes de la película. –“Yo quería hacer una película graciosa, liviana para el verano, y a la vez dar el tema muy humano para pensar: si pudiéramos clonarnos, ¿lo haríamos? Definitivamente no queríamos crear un tema pesado y agobiante, sino sugerir al público una cuestión moral…y con ella brindarles entretenimiento.”

Los habitantes de La Isla

La mezcla de película de suspenso futurista, y de drama actual que plantea toda una cuestión moral, fueron los aspectos que decidieron al actor Ewan McGregor a aceptar el papel de Lincoln Seis-Eco en la película La Isla.

–“Siempre busco hacer algo distinto, y esta es una gran película de acción americana. Pero tiene algo en su fondo que no es lo común en todas”- dice McGregor- “Creo que la exploración del tema de los clones humanos llevado a su extremo es interesante en una película de acción. Es un personaje que nunca antes hice.”

El actor continúa: - “Mi papel es el de Lincoln, un tipo que vive en una sociedad de extremo orden, en el cual todas las decisiones ya fueron tomadas para él: qué ropa ponerse, qué comer, en qué trabajar… Alguien controla todo. Les fue dicho que el mundo exterior está contaminado, a excepción de un paraíso maravilloso: La Isla. Cada tanto hay una lotería, y el que gana puede ir a La Isla, en donde su trabajo será volver a poblar el mundo. Ese es un muy buen trabajo si lo puedes conseguir”- sonríe McGregor – “Ellos viven con la esperanza de ir a La Isla, en donde todos los que fueron parecen ser muy felices. Mi personaje es el que enciende la mecha explosiva cuando comienza a hacerse preguntas: ¿por qué son así las cosas? ¿quién toma las decisiones?”

Parkes revela que, aunque Lincoln no lo sabe, su propio nombre Lincoln Seis-Eco, indica que él es la quinta generación – o nivel eco, clon- en una industria que busca el progreso sin fin, y con esa meta dieron a la generación de Lincoln un don que al final termina siendo fatal. – “Lincoln y los otros fueron bendecidos – o tal vez malditos- con un atributo muy peligroso en este mundo tan peculiar en el que viven: la curiosidad. Y Lincoln se ha convertido en un sujeto peligroso.”

-“Se han producido diferentes generaciones de clones, pero la Eco es demasiado buena”- explica Bay- “Lincoln tiene ADN genético incrustado en su memoria, y ha comenzado a tener sueños que lo ponen nervioso. A Lincoln le gustaría que hubiese algo más, si bien no sabe qué cosa. Ewan es un actor muy talentoso, y tiene cierta inocencia, un aspecto de niño que lo hace perfecto para este rol.”

La curiosidad de Lincoln se convierte en sospecha cuando él encuentra una clave viviente que le muestra que las cosas no son lo que parecen ser. Entonces comienza una búsqueda de hechos que lo conducen a una verdad más horrorosa de lo que él nunca pudiera imaginar. McGregor dice: -“Lincoln descubre que todo es una gran mentira. La gente que gana la lotería no va a La Isla. La Isla no existe. Cuando su amiga Jordan es elegida para ir, Lincoln sabe que tiene que sacarla de allí inmediatamente.”

Jodan es Jordan Dos-Delta, una compañera residente del instituto, que tiene una gran amistad con Lincoln, aunque no está en su naturaleza poder sospechar. Scarlett Johansson encarna a Jordan, y al respecto dice:-“ Jordan es dulce e inocente. No conoce nada más que el lugar restricto en el que vivió siempre – aparte del mundo de afuera que le dijeron que está completamente contaminado.”

Bay comenta sobre ella: -“Jordan es completamente pasiva sobre las restricciones que le impusieron en su vida. Ella cree que existe una isla. Pero su unión con Lincoln hace que se vaya con él cuando él le dice ‘No existe una isla. Debes creerme.’”

Johansson dice: -“Jordan se queda consternada, pero sus instintos le dicen que ella debe irse con Lincoln, y así lo hace. Ella confía en él más que como amigo. Ellos se atraen mutualmente – no realmente físicamente, sino más a nivel del alma- Ellos no saben nada sobre intimidad sexual. Son totalmente näive, porque vivieron en una burbuja toda su vida, y no saben nada del mundo que los rodea. De alguna manera es una hermosa historia de amor, porque muestra que contra viento y marea, la gente que debe estar junta, lo hará.”

Johansson dice que el desarrollo de la relación entre su personaje y Lincoln es una de las cosas que la llevó a hacer la película La Isla. -“Me encantan las películas como esta. Cuando leí el guión, todo el tiempo quería saber qué iba a pasar después. Me moría por trabajar con Ewan y con Michael también. Es por todas estas cosas me puso súper contenta poder trabajar en esta película.”

Bay aclara que el haber elegido a Scarlett y a Ewan como pareja protagonista se basó sobre todo en intuición. –“Una vez que ya teníamos a Ewan, debíamos encontrar no sólo a una buena actriz, sino a alguien que estuviera a su altura profesionalmente. Yo no conocía a Scarlett personalmente, pero sabía que era buena actriz. A veces uno debe apostar a lo desconocido para encontrar un buen par para la pantalla. Ewan y Scarlett terminaron combinándose muy bien.”

En la película, uno puede ver a Lincoln, a Jordan y a otros compañeros residentes escuchando un mensaje grabado, que un antiguo residente – Starkweather- había dejado. El estaba fascinado porque había sido elegido para ir a La Isla. Más tarde, se puede ver cuál había sido el verdadero destino de a Starkweather, él le abre los ojos a Lincoln, quien se da cuenta de todo el gigantesco engaño.

Michael Clarke Duncan, es el actor que hace de Starkweather, y al respecto él comenta: -“Mi personaje es el elemento catalizador. Con él comienza todo. En un momento él dice: ‘Nos encontramos en La Isla’; más tarde él se despierta en una mesa de operaciones. Se sienta y comienza a correr para salvar su vida. Tiene un miedo aterrador y comienza a pensar -‘¿quién soy? Me dijeron que me iba a ir a La Isla. Esto no puede ser.’”

Duncan trabajó en La Isla sólo por dos días. Pero Michael Bay, que ya había trabajado con él en Armageddon, se aseguró de que esos días fueran inolvidables. –“Mike va a decir que yo lo torturé durante dos días”- dice riendo el director- “lo hice correr, lo hice llorar, lo até a una mesa como por ocho horas hasta que me dijo ‘si haces una sola toma más…’, a lo que yo le contestaba ‘Vamos Mike, ¡cinco más! Me encanta hacerle bromas a Mike.”

-“Michael Bay es todo un personaje”- cuenta Duncan-“los pocos días que yo estuve allí, se los pasó pensando qué otra broma hacerme. Pero yo no me quedé allí sentado simplemente”- sonríe Duncan- “En verdad pienso que es uno de los mejores directores de nuestro tiempo.”

Los habitantes encerrados en el esterilizado instituto no tienen la menor idea de que están viviendo bajo un mundo exterior que no está contaminado…tampoco saben que sobre ellos hay un complejo que el resto del mundo conoce como Merrick Biotech. Los residentes sólo conocen el nombre Merrick, el de un hombre que es muy bondadoso con ellos, si bien es algo invasivo con respecto a sus vidas, y también saben que Merrick se interesa  mucho en su salud y bienestar.

De hecho, el único interés que Merrick tiene en los residentes - o “agnates” tal como los llaman- es proteger su valiosísima inversión hasta que les llegue el turno. El se ha encargado de que el mundo exterior no conozca los agnates – al menos mientras que están despiertos y concientes- tanto como hizo para que los agnates no sepan nada del mundo exterior tampoco.

En el papel de Merrick está Sean Bean, quien explica: -“Merrick engaña a los clientes que le pagan, diciéndoles que Merrick Biotech clona órganos, que se desarrollan en estado vegetativo, de acuerdo con las leyes vigentes de eugenesia (n.de t.- eugenesia=aplicación de las leyes biológicas de la herencia al perfeccionamiento de la especie humana), dispuestas en el año 2015, y que rigen sobre los clones humanos. Pero Merrick sabe que los órganos desarrollados de esa manera, fallan. Por ello los agnates son conscientes, lo cual es altamente ilegal.”

Pese a ello, dice Parkes- “Merrick es un hombre brillante que en verdad piensa que está haciendo lo que corresponde. Tal como la mayor parte de los villanos, él no es malo, simplemente está equivocado. En el fondo de su alma, él piensa que está ayudando a mejorar la humanidad, llevando a la ciencia hasta su extremo límite.”

Bean piensa que aunque los motivos de Merrick son altamente cuestionables, no son completamente amorales. –“El es un pionero en su campo, y cree que le está haciendo el bien a la gente. Creo que Merrick es un tipo muy agradable, si bien tiene un aspecto clínico…un tanto frío y muy empresario. A mí me parece un personaje muy interesante.”

-“Sean Bean es muy simpático, si bien tiene un aire muy sofisticado”-dice Bay-“Bean actuó a Merrick muy cuidadosamente, sin volverlo malvado. Al ver su actuación uno termina convencido de que Merrick es un tipo que cree en lo que hace, y lo que hace está bien.”

La única persona del instituto en la que Lincoln puede confiar, es un trabajador llamado McCord, que se hizo amigo de Lincoln y a veces le pasa cosas de contrabando, como por ejemplo licor. –“McCord es una de las pocas personas en los alrededores que comete el error de fraternizar con uno de los “productos”. El se siente culpable por lo que pasa allí. McCord sabe que no está bien lo que allí sucede, pero trabaja allí igual, porque no hay muchos más trabajos en los alrededores”- hace notar Bay.

Desde el principio, Michael Bay tenía a alguien en mente para el papel de McCord: Steve Buscemi. Ellos ya habían trabajado juntos en Armageddon. -“Steve era la persona indicada”-dice Bay- Literalmente él era el personaje, como si lo hubieran hecho para él. Le puso humor a McCord, lo cual fue genial ya que tuvo bastante exposición para mostrarlo. Steve es el tipo de persona que puede humanizar cualquier cosa. Es uno de los mejores actores que hay.”

Buscemi comenta: -Trabajar con Michael es divertido, porque él idea cosas a último momento, o me pide que haga cosas sobre la marcha. Siempre conseguimos hacer lo que está en el guión, pero como a él no le da miedo probar cosas nuevas y /o diferentes, una nunca sabe qué esperar.”

Cuando Lincoln y Jordan realizan su audaz escape, Lincoln sabe que sólo tiene una persona en quien confiar y pedir ayuda: McCord. Buscemi cuenta:-“Lincoln está desesperado por conseguir respuestas, por lo que lo busca a McCord. Pero McCord sabe que si ellos se van al mundo de afuera, eso traerá grandes problemas, porque nadie allí sabe de su existencia. También significa su muerte si lo encuentran junto a Lincoln y a Jordan. Es un gran dilema. Pero él no puede dejar de ayudarlos. Para él, ellos son humanos también. Así que, aunque sabe que no debería hacerlo, los ayuda, poniendo en peligro su propia vida.”

McCord tiene razón cuando piensa que los agnates están siendo perseguidos, y que cualquiera que esté de por medio, está en peligro mortal. Merrick por otro lado, no puede avisar a las autoridades sobre el escape, ya que de hacerlo, expondría sus propias actividades ilegales. Pero Merrick cuenta con su propio servicio: un grupo elite de seguridad, encabezado por Albert Laurent, actuado por Djimon Hounsou.

–“Yo quería verdaderos tipos malos para perseguirlos”- dice Bay –“En mis películas he trabajado con muchos miembros de seguridad de la armada y de otros cuerpos de seguridad. Algunos de ellos luego pasan a ser contratistas independientes, lo que significa que les pagan más y que pueden jugar bajo las reglas “de los chicos grandes”. Eso es exactamente lo que yo buscaba en Laurent y su equipo.”

Hounsou aclara:-“Alguna vez Laurent había estado en las Fuerzas Especiales Francesas, pero ahora es un mercenario. Para él es simplemente trabajo, y haciéndolo está completamente en sus aguas. Su misión consiste en atrapar a los agnates o eliminarlos a toda costa, porque de no hacerlo, si se descubre su existencia, las consecuencias serán inimaginables. Desgraciadamente Merrick olvidó aclararle a Laurent algunos detalles sobre los dos escapados, y de las cosas que son capaces de hacer. Cuando Laurent descubre la verdad, comienza su conflicto, ya que ahora sabe que se trata de seres humanos.

Los productores Walter Parkes y Laurie Mac Donald, ya tienen una larga historia trabajando con Hounsou. El actor tuvo su primer papel principal en Amistad, y luego en Gladiator. Parkes comenta:-“Ver a este actor desarrollarse ante mis ojos fue interesante. El tiene una presencia física imponente y, en esta película hace el papel de malo, totalmente opuesto a lo que él es en realidad. Djimon es una de las personas más dulces del planeta. El hecho de que en la película su personaje se debate entre la dureza de su carácter y su sensibilidad humana, logra un Laurent muy interesante.”

Para ayudar en su actuación a Hounsou y a los actores que harían de los miembros del equipo de seguridad, se contó con la ayuda técnica del veterano de Operaciones Especiales, Harry Humphries, ex integrante del cuerpo de seguridad de la armada, especialista en guerra. Humphries ya había prestado su experiencia para filmar varias películas, entre ellas las tres del director Michael Bay: Pearl Harbor, Armaggedon, y The Rock. Entremezclados con los actores había verdaderos miembros activos y retirados de las fuerzas militares y de la policía, que dieron más autenticidad a las escenas de los grupos de seguridad.

Alrededor de La Isla

Lo que sucede en La Isla, pasa en dos mundos distintos: el mundo regimentado, fabricado y monocromático de la residencia del instituto – llamado Centerville por los realizadores - y el colorido e impredecible mundo de arriba. Cada aspecto de la producción fue fabricado deliberadamente para reflejar las naturalezas completamente distintas de los dos mundos.

El director de fotografía Mauro Fiore, cuenta cómo él y Michael Bay modificaron la iluminación y el funcionamiento de la cámara para poder reflejar la división entre los mundos. -“El mundo subterráneo está iluminado artificialmente. Queríamos que se sintiese muy clínico…con luz blanca, que no tuviera color. Pero cuando los agnates descubren el mundo exterior, hay una sobre saturación de color, dado que ven el sol y la naturaleza por primera vez. Queríamos mantener ese contraste con la cámara también. Al principio de la película, estábamos en este mundo controlado. Por eso no movimos la cámara de manera caótica. Todo lo contrario, la mantuvimos formal y objetiva.”

-“Más tarde, al salir al mundo exterior, todo tuvo más movimiento y era más subjetivo. Utilizamos más cámaras en mano.”

La filmación de La Isla, comenzó en otoño del 2004, en los desiertos de California y Nevada. Allí es donde Lincoln y Jordan salen por primera vez de su encierro en el instituto, y ven el mundo exterior. Walter Parkes dice:-“A Michael le gustaba la idea de que, cuando los personajes salen de su confinamiento, se encuentren en un mundo inhóspito. No uno destruído por la polución, sino uno que no les da la bienvenida. Eso nos daba dos pasos de revelación. Lo primero que los agnates notan es que sí pueden respirar el aire. Sin embargo se encuentran en el peligroso paisaje del desierto suroeste. Luego, cuando llegan a Los Angeles, se comportan como chicos en una juguetería. ¡Es un mundo como nunca hubieran imaginado!”

El supervisor de efectos visuales Eric Brevig, y el equipo de efectos de Industrial Light & Magic, durante la etapa de post-producción mejoraron aún más el desnudo desierto. Agregaron ventiladores de 100 pies -que mantenían el secreto sub-mundo ventilado- y también hicieron un tren futurista, que es el que transporta a Lincoln y a Jordan a Los Angeles.

Los exteriores del desierto sirvieron de fondo para varias escenas en las que fue necesario el talento de Alan Purwin. El es el coordinador de escenas aéreas, y junto a su equipo de pilotos, son colaboradores de Michael Bay. Los helicópteros de Purwin aparecieron en la película cuando el equipo de seguridad de Laurent persigue a los agnates que escaparon. También se utilizaron detrás de las cámaras, para dramáticas tomas aéreas, ya sea aterrizando o en pleno aire. Los helicópteros negros de la unidad de seguridad de Laurent llamados Whispers (susurros), marcaron el debut de los súper avanzados Eurocopter EC120, unos de los helicópteros más silenciosos jamás fabricados, equipados con todo tipo de instrumentos de alta tecnología y que pueden volar a 150 millas por hora.

Luego de filmar durante una semana en el desierto, el equipo de producción pasó a Detroit, Michigan, ciudad que hizo las veces de Los Angeles del futuro. El productor Ian Bryce comenta al respecto:-“Buscamos por todo el país una ciudad que pudiera pasar por Los Angeles, y encontramos que Detroit se parecía bastante al centro de Los Angeles, arquitectónicamente. La ciudad fue muy flexible y nos brindó mucha ayuda y control.”

Bay agrega:-“Detroit tiene un dejo de Los Angeles, y las autoridades de la ciudad fueron increíbles dejándome cerrar ocho cuadras de la ciudad por vez, y controlar las calles por cuanto tiempo yo lo necesitara. Me agradó mucho filmar en Detroit…a excepción del frío”- concluye el director, quien nació y se crió en Los Angeles.

El equipo de diseño comenzó a trabajar varias semanas antes de que llegara el resto del equipo de producción a Detroit. Ellos decoraron distintas áreas de la ciudad, poniéndole señalización adecuada y otros detalles que la convertían en una ciudad del futuro.

El diseñador de producción Nigel Phelps comenta: -“Detroit tiene un aspecto clásico, intemporal, lo cual lo convierte en una “tela” perfecta para “pintar” cualquier escena. Nosotros trajimos todos los elementos del futuro, como los semáforos, las señales de autobuses, etc. Con ellas la ciudad se vio unos años más avanzada que la época contemporánea. La idea era luego yuxtaponer arquitectura futurista sobre los edificios existentes ya construídos.”

Brevig agrega:-“Obviamente nuestro mundo real no está en el futuro, por eso necesité aumentar la realidad con edificios y transportes que todavía no existen. En vez de crearlos todos por ordenador, comenzamos con fotografía de verdaderos edificios, lo que ayuda a que el resultado sea mucho más real.”

Una de las escenas claves de la película fue filmada en la antigua Estación Central de Michigan. Es una estación de trenes del año 1913, diseñada por la legendaria firma de arquitectos Warren & Wetmore. El lugar fue abandonado en 1988, y el histórico edificio sirvió como fondo para el enfrentamiento entre Lincoln Seis-Eco y su “patrocinador”, Tom Lincoln, ambos actuados por Ewan McGregor. A Ewan le encantó poder actuar dos papeles distintos. Pese a que los personajes son idénticamente iguales, el actor supo marcar las diferencias entre ellos. –“Una de las ideas que se me ocurrió fue hacer que Tom fuera escocés, y Lincoln – como había sido criado en una sociedad americana- tendría acento americano. También quise marcar una actitud distinta entre Tom y Lincoln. Tom es rico, arrogante y egoísta. Todas las fotos en su apartamento son de él. Es todo lo opuesto a Lincoln, que en cambio es muy sensible.”

-“Hicimos de Tom Lincoln un real zalamero”- dice Bay – “Me gustó mucho cómo Ewan continuó trabajando en sus personajes para poder darles dos personalidades distintas.”

Una vez más los efectos visuales jugaron un papel importante al hacer las escenas cruciales entre Lincoln Seis-Eco y Tom Lincoln, para que se vieran lo más naturales y reales posible. Brevig explica:-“cuando un actor hace de dos personajes, en general uno trata de que no se toquen mutuamente, ya que eso es muy difícil de lograr. Por eso Michael compuso la escena de manera que un Lincoln le agarrara la muñeca al otro Lincoln – y ya eso es difícil de hacer – mientras la cámara iba sobre rieles dando vueltas alrededor de ellos,” Sin embargo Brevig reconoce que:-“Yo sabía que para el público todo sería más creíble si lográbamos filmar esta escena. Por eso se me ocurrió utilizar cámaras de captura de movimientos, con una coreografía muy precisa que permitiese que un Lincoln actuado por Ewan pudiera agarrar al otro Lincoln, también actuado por Ewan, y que todo sucediera allí, delante de los ojos de los espectadores.”

Michael Bay explica:-“Control de los movimientos es cuando uno tiene la cámara sobre un carril, y se mueve cronometradamente, para que cada toma sea idéntica. Lo hicimos una vez con Ewan haciendo un personaje, y lo volvimos a repetir todo con Ewan haciendo del otro personaje. Uno puede ver las sombras cruzándose, y las líneas de los ojos idénticas. Todo eso fue logrado sin necesidad de efectos tridimensionales. Es una simple cuestión de tiempos.”

Al ser un rico playboy del mundo occidental del futuro, a Tom Lincoln le gusta tener lo mejor de todas las cosas –por supuesto- incluyendo su medio de transporte. Sin embargo, crear un auto que reflejara su riqueza y su personalidad, fue uno de los desafíos más grandes para los realizadores. –“Diseñamos autos una y otra vez, y cada vez terminaban en el tacho de basura”- recuerda Bay-“simplemente no podíamos conseguir la calidad que estábamos buscando.”

Como estaban trabajando en Detroit, la ciudad de los autos, el director aprovechó sus conexiones con algunos de los mejores diseñadores de autos del mundo. – “Tengo muy buena relación con GM (General Motors), ya que habíamos trabajado juntos en otras películas. Además yo filmé comerciales para ellos. Por eso les pregunté qué ideas de autos tenían. Ellos me mostraron algunos prototipos, y por supuesto elegí el auto más caro que tenían: El Cadillac CIEN. Es un ala de gaviota…único en su estilo. Yo no tengo la menor idea de cuál fue el costo total. Dejaron de sumar cuando llegar a los siete millones. Les dí mi palabra de honor que lo cuidaría como a mi vida. Por eso me la pasaba en la filmación diciendo: ‘¡saquen esos soportes de al lado del auto!¡Corran ese foco!’. Uno de los utileros comenzó a ponerse de mal humor por tan esmerado cuidado, y yo le dije: ‘¡querido!, ¿no me escuchaste cuando dije que este auto costaba siete millones de dólares?’”

El supervisor de efectos especiales John Frazier, vino a la ayuda a Bay para proteger el auto. Especialmente cuando un actor o un doble debían manejarlo. Frazier y su equipo, crearon “un clon” del auto multimillonario, que podía ser manejado y ser arruinado sin tener que preocuparse por tan desmesurado precio. Frazier recuerda:- “Vinieron y me dijeron ‘OK, ya elegimos el auto. Es un prototipo de Cadillac 2002, pero no es manejable. Tendrás que construír un auto.’ Así que construímos una réplica del Cadillac en 17 días. Lo pusimos en un avión y filmamos con él al día siguiente.”

El costo del prototipo de Cadillac no fue nada comparado con el del barco que se ve en los sueños de Lincoln Seis-Eco, y luego en el mundo real en el que vive Tom Lincoln. Bay quería que el barco se viera tan real como el auto, pero no sabía que la búsqueda del auto perfecto le llevaría más tiempo que la filmación de la película, y lo llevaría a Europa. Bay recuerda: -Yo quería el barco más vistoso del mundo. Encontramos el WallyPower 118 que pertenece a un tipo llamado Luca en Italia. Es un tipo fantástico. Nos llevó tiempo conseguir los permisos para usarlo, porque es un yate que cuesta 25 milliones de dólares. Es hermoso, simplemente hermoso. Tiene aparatos de alta tecnología, una línea muy cuidada, y funciona con tres motores Harrier. Creo que puede ir a una velocidad de 80 millas por hora. Ya habíamos terminado de filmar, y Ewan y Scarlett estaban trabajando en otras producciones. Por eso sólo tuve un día para poder filmar, y fue un sábado. Llegamos a Italia, y el tiempo estaba horrible, llovía tan fuerte que el techo de mi hotel tenía goteras. Al día siguiente, cuando me desperté, abrí las ventanas y fue terrible: seguía siendo un diluvio. Así que cerré las ventanas y volví a dormir. Poco tiempo después, mi director de fotografía me llama y me dice: ‘Mike, levántate y ven aquí. Salió el sol en el horizonte.’ El cielo se despejó justo lo suficiente para que pudiéramos filmar. El mar estaba picado, y allí estaba parada Scarlett sin que hubiera una baranda para agarrarse…todo muy peligroso. Además hacía un frío de helarse, y ellos dos debían verse como si estuvieran en el calor tropical de La Isla…pero pudimos filmar la escena.”

Los transportes más futuristas de la película son los Wasps (Las Avispas). Estas motocicletas que vuelan, fueron utilizadas por la unidad de Laurent para perseguir a los agnates Lincoln y Jordan cuando se escapan. Bay recuerda:- “En realidad, yo quería un motor volador, muy pequeño, pero muy poderoso y rápido. Quería que se viera como un tiburón – un pequeño cohete que pudiera volar. Eso hubiese quedado muy bien en la película.”

Los Wasps son el centro de atención en la escena con dobles - quizás la más emocionante de la película - que se filmó al volver desde Detroit a California. Allí se terminó de filmar la parte principal de la película.

Durante tres fines de semana, la producción hizo cerrar un tramo de cuatro millas de la súper carretera Terminal Island en San Pedro, California. Eso era necesario para filmar la angustiosa escena en la que el equipo de Laurent persigue a Lincoln y a Jordan. Ellos dos estaban yendo en la plataforma trasera de un tren de carga que tenía ruedas grandes en forma de carreteles. Utilizando las ruedas del tren como armas, ellos tratan de librarse de sus perseguidores, hasta que Lincoln logra subirse en uno de los Wasps.

Para filmar la escena, Bay tenía al menos 15 cámaras puestas en distintos lugares, inclusive una cámara en mano, que en muchas ocasiones eran sus propias manos, ya que él era el director. El Wasp se montaba sobre el brazo de la plataforma de control, que era todo un aparato construído en la parte de atrás de un trailer, que permitía que pareciera que el Wasp “volaba” sobre la carretera. John Frazier explica: -“El brazo podía moverse hacia arriba y hacia abajo, al costado, para todos lados. Mi coordinador, Jim Schwalm, manejaba la aparatosa plataforma, e iba corriendo por la carretera, con los dobles de acción casi colgando del costado de su camión, tal como si estuvieran montando una motocicleta del futuro. Hicimos eso durante algunos días, y fue muy intenso, pero te aseguro que no quisiera volver a hacerlo.”

Más tarde, en la etapa de post-producción, las escenas en las que están los Wasps sobe la súper carretera y en las calles de Los Angeles, serían aumentadas por medio de efectos visuales. Utilizando fotografía verdadera, el equipo de Brevig filmó a los actores en un Wasp tamaño real, que estaba puesto delante de una pantalla azul. Para algunas escenas, crearon Wasps generados por ordenador, con gente que los manejaba que también eran creaciones de animación.

Michael Bay trabajó conjuntamente con los guionistas Alex Kurtzman y Roberto Orci para escribir las escenas de acción de La Isla. Bay aclara:-“Es muy bueno trabajar con Bay y Alex, porque yo podía escribir lo que me imaginaba, paso a paso, y luego entre todos lo refinábamos”- pero el sonríe y confiesa –“pero hay ocasiones en que simplemente se improvisa.”

Para hacer sentir la acción a los espectadores, Bay y el equipo de efectos especiales utilizaron un camión especial para cámaras, que ya había sido utilizado en “Bad Boys II”.

El camión lleva el mote de “Bay Búster”, y en el exterior tiene una jaula anti-vuelco que puede proteger múltiples cámaras, inclusive si se trata de escenas llenas de explosiva acción. Frazier explica:-“En vez de poner las barras anti-vuelco dentro del camión, pusimos jaulas anti-vuelco afuera, para proteger tanto al camión como a las cámaras. Hubo momentos en que teníamos tres cámaras montadas en el camión, dentro de la jaula anti-vuelco, entonces, cuando poníamos a correr el camión junto a los autos, y los autos volcaban, etc., las cámaras estaban justo ahí. Eso es el Bay Buster.”

El coordinador de dobles Kenny Bates, quien estaba detrás del volante del Bay Búster en varias escenas, afirma:-“La audiencia puede ver el choque y siente los rebotes mucho más de lo que lo harían normalmente, porque están dentro de las escena.”

Bates también diseñó un vehículo para cámaras que se llama como él: el Bates Cart, que es un karting de alta tecnología que va a súper velocidad, y al cual se le pueden montar una cámara al frente y otra atrás, las cuales pueden ser manejadas por control remoto. El karting acelera sin sobresaltos, y puede pasar de 0 a 130 millas de velocidad, sin tener que hacer cambios. Con él, el director pudo filmar la persecución de manera segura, y pasar de la persecución en auto a la de a pié, con el simple manejo del control remoto. El Bates Cart debutó en La Isla, y trabajó exactamente como se esperaba.

En la segunda parte de la película, la escena con el truco más grande, comienza cuando Lincoln y Jordan vuelan en un Wasp hasta el centro de Los Angeles, y chocan contra el piso 70 de un rascacielos. Ellos terminan colgados del edificio, desde una letra R gigante de una publicidad, y hay un helicóptero amenazante sobre ellos.

Tanto los actores como la gente del equipo de filmación sabían que no podían haber segundas tomas en esta parte compleja de la filmación. Por eso se utilizaron 13 cámaras, para poder capturar la escena desde todos los puntos ventajosos concebibles.

Frazier comenta:- Naturalmente, algo de la acción iba a tener que ser lograda por medio de efectos digitales, pero mucho de ello, se filmó verdaderamente. Por ejemplo Ewan y Scarlett dentro de la letra R, mirando 70 pisos hacia abajo. Por supuesto que era imposible filmar muchos de esos trucos dos veces, así que Michael dijo ‘Vamos a hacer esto una vez, y esa vez tiene que ser perfecta.’ Ese es el estilo de Michael: uno debe estar preparado para dar el 110% en todo momento. Justamente eso es lo interesante de trabajar en sus películas. Uno nunca se aburre.”

Para filmar escenas de este tipo, se necesita mucha planificación, porque la seguridad es prioridad uno. –“Siempre queremos llegar al límite, pero de manera segura”- afirma Frazier – “Kenny Bates rigurosamente tiene en cuenta la seguridad, porque a final de cuentas, sólo se trata de una película.”

Bay agrega:-“Kenny y yo trabajamos juntos desde hace 15 años, para mí él es como un hermano. Nos desafiamos constantemente para hacer cosas más grandes y mejores. Lo que me encanta de él es que tiene muy buena mente para la física. Siempre está pensando, tres, cuatro, cinco pasos por adelantado, para ver qué puede salir mal. Ponemos a la gente en situaciones peligrosas, pero queremos que sea de la manera más salva posible.”

La seguridad fue muy importante cuando los actores hacían ellos mismos las escenas riesgosas.- “Ewan y Scarlett debían estar en posiciones muy desafiantes, pero los dos pudieron hacerlo muy bien”- asegura Bates- “tuvieron que evitar ser golpeados, bucear, arrastrarse, correr, saltar, caerse, trepar…tenían que estar mojados, después secos, sucios...pero pasaron por todo ello muy bien sin quejarse.”

-“Nunca hice algo como esto antes. Uno tiene que estar en perfecto estado para hacerlo”- admite Johansson, y confiesa que esas escenas fueron mucho más difíciles para ella, ya que recientemente se había operado de las amígdalas, por lo que no tuvo demasiado tiempo para entrenarse. –“Sin embargo es interesante esforzarse hasta llegar al límite. Nunca tuve que correr para salvar mi vida, pero tuve que hacerlo todos los días en la filmación. En verdad lo pone a uno en distinta forma, mental y físicamente.”

El Principio al Final

En las últimas semanas de filmación se filmaron las escenas de interiores, las cuales en su mayoría, suceden al principio de la película. Son las tomas dentro de la residencia del instituto, llamada por los realizadores Centerville. La ciudad subterránea, consiste en tres torres de muchos pisos, que son la residencia, que enmarcan un área común de trabajo y juego llamada Atrium Central. Está ubicado todo en una mezcla de escenarios que se funden el uno el en otro y los paisajes de los alrededores están generados por ordenador.

El diseñador de producción Nigel Phelps dice:- “Queríamos que Centerville se viera como algo que los militares habían construído alguna vez, como para albergar 100,000 personas, en caso de alguna catástrofe. Luego, justo antes del comienzo de nuestra historia, el lugar había sido convertido en ambiente futurista, en el que los pobladores creen que viven sobre la tierra, y no tiene idea de que en realidad es una construcción ex militar subterránea.”

Phelps miró mucho libros y examinó una variedad de edificios, para poder construír la ciudad bajo tierra de manera creíble. –“Michael tenía un libro sobre masivas construcciones bajo tierra, el cual me influenció mucho. También miré los diseños de las plataformas de las perforadoras de petróleo del Mar del Norte, que son estas impresionantes estructuras, que tienen torres de concreto de cientos de pies de altura antes de ser sumergidas. Básicamente estaba buscando cualquier edificio que fuera gigante.”

Phelps diseñó Centerville en concreto, vidrio y acero, con líneas limpias y afilados bordes, con muy poco color, marcando el contraste claramente entre la atmósfera controlada del instituto, y el caótico mundo que Lincoln y Jordan tienen que enfrentar en el mundo exterior. Los agnates ven el cielo azul a través de ventanas, sin darse cuenta que lo que ven son proyecciones holográficas, que dan la ilusión de estar viviendo en la superficie.

El dieseñador de producción trabajó conjuntamente con la diseñadora de vestuario Deborah L. Scott, para diseñar el uniforme usado por los residentes y el personal del instituto. Scott dice:-“no podía poner demasiado color en ellos, porque no hubiera estado de acuerdo con el fondo arquitectónico de Nigel. Mi trabajo era crear uniformes que se mezclaran con los fondos. Si hubiésemos puesto a alguien allí vestido de amarillo o rojo, hubiéramos arruinado toda la paleta que habíamos tratado de crear tan cuidadosamente. Por lo que en vez de ser totalmente blancos, los uniformes tiene pequeños detalles de tela de color, y líneas, lo que les dio el elemento gráfico.”

Como varios actores debían usar el mismo uniforme, y también cientos de extras, Scott cuenta lo que hizo:-“El disfraz de los agnates no es de lo más cómodo para usar. Allí había cientos de personas mirándonos diciendo ‘¿vamos a usar stretch blanco? ¡Debe ser un chiste!’ Fue un gran desafío diseñar algo que se viera bien en tipos de cuerpo distintos. Por eso terminamos haciendo un diseño unisex simple, que no definiera demasiado el cuerpo, sino que fuera más funcional.”

Los escenarios  de Centerville se construyeron en los estudios Downey, que son antiguos galpones aeroespaciales de NASA/Boeing en un área de 80 acres. Es uno de los espacios más grandes que hay para filmar en Los Angeles.

Tomo cinco meses construír los escenarios, que ocupaban ambos edificios del estudio. El escenario más grande, el Atrio central, se erigió sobre los 627,000 pies cuadrados del edificio uno.

Bay comenta:- Le dije a Nigel, que en vez de tener todo desparramado en diferentes escenarios, quería que todo se conectasen entre sí, para que así pareciera más grande y largo. Terminó siendo el escenario más grande en el que trabajé jamás. Era intimidante, grande como seis canchas de fútbol. No tenía la menor idea de cómo iba a hacer para iluminarlo.”

El Atrium Nutrition Plaza, en el cual los agnates se juntan para comer, se construyó sobre un tanque de agua de 65,000 pies cuadrados. El más grande de Norteamérica, y que está ubicado en el edificio. Obviamente uno de los tanques fue vaciado durante la duración de la película.

La oficina de Merrick estaba diseñada especialmente para hacer notar su posición, justo debajo de un Picasso en la pared. –“El es un empresario brillante”- dice Bay- “por eso yo quería que tuviera un gusto impecable. Sus clientes son gente muy rica, y su imagen debe ser muy cuidada.”

El edificio Dos, algo más chico que el Uno, de los estudios Downey, es donde se construyeron los escenarios algo más elaborados y futuristas: el Silo de incubación, en donde se incuban los agnates, la Sala de Fundación, en la cual se implanta memorias de cosas que nunca sucedieron a los agnates recién “nacidos”. Además de algunos extras que están en la Sala de Fundación, los cuerpos de los agnates- en distintas etapas de desarrollo- fueron construídos por el famoso artista de criaturas para efectos, Greg Picotero y su equipo de KNB EFX Group. Para hacer los cuerpos, Picotero se inspiró en la reciente exhibición del mueso de Ciencia de California, “Body Works”: Exhibición de verdaderos cuerpos humanos.”

En la película se puede ver el “nacimiento” de un agnate, que sucede en la Sala de Extracción de Producto. Bay fue muy específico sobre la actitud que quería plasmar en este momento revelador: -“Quería que el momento de nacimiento se viera como si el nacimiento estuviera hecho por camioneros. Quería que se viera mundano. Como una rutina que alguien realiza todos los días. Una vez le pregunté a Caspian (Tredwell Owen) –‘¿Cuál es tu teoría de lo que sucede en esta película?’. Me encantó su respuesta: -‘Todos comemos carne, pero nadie quiere saber lo que pasa en el matadero’. Y eso es lo que yo quería reflejar en esta escena.”

Walter Parkes hace notar: - “Esta película no intenta ser una seria exploración moral sobre los clones, pero aunque uno quiera evitarlo, no puede. Es algo que transpira en cada escena, y al final, está bien.”

Michel Bay reflexiona: - “Cuando nos juntamos para hacer esta película, lo primero que dije fue ‘quiero que la gente salga del cine pensando Si yo pudiera hacerme un clon de mí...¿lo haría? Es una de las preguntas que uno se hace al ver el film. Todos queremos vivir más tiempo, es la naturaleza humana…pero ¿a qué precio?”

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