EL PELAMBRE ES LO QUE ESTÁ DE MODA:
VISTIENDO Y ARREGLANDO A LOS PERSONAJES

En Who-ville, el pelambre es mas que un fino abrigo de pelo que cubre la piel… es una expresión de la moda. Toda la ropa en esa pequeña ciudad está hecha de pelambre. La geometría subyacente de un Who es lo que el equipo de Blue Sky ha llamado un “cacahuate” – un Who desnudo bajo un traje, chamarra, camisa o vestido de pelambre. El resultado es una imagen muy estilizada a base de piel.

La noción del pelambre como moda vino directamente del Dr. Seuss. “Él tenía unos grandiosos dibujos de pelambre en sus libros,” dice Hayward, quien señala hacia un dibujo que es su favorito y que data de la infancia del director. “Recuerdo a este dibujo del libro (Horton Hears a Who!) en donde hay un Who luciendo una camisa de pelambre. “Me obsesioné con ese personaje, quizá porque me nombre es Hayward y la playera del tipo tiene una “H” sobre ella, añade con una risa.
“
Los Who van al peluquero y le piden que les pele un nuevo traje,” explica Martino. ¿Y qué hay de nuevo en la escena de las modas de Who-ville? “Mechones en el cuello son muy populares," añade. “Se van a ver muchos cuellos altos de tortuga y grandes collares.”

Cualquier cosa desde haute couture hasta vestimenta funcional es producida por el peluquero de Who-ville y los Estudios Blue Sky; los equipos innovadores en lo que tiene que ver con el pelambre y su arreglo. El pelambre y otros efectos visuales únicos son producto de la tecnología propia de Blue Skys cuya clave se encuentra en su procesador de imágenes de trazo de rayo, CGI Studio. El software procesador, el más rápido y avanzado de su tipo, le permitió a los cineastas manipular el pelambre y los ambientes como si trabajaran con luces verdaderas y sobre un auténtico set de filmación; trabajando con materiales que se comportaban tal y como lo harían en el mundo “verdadero”. Produce superficies tan reales que casi se pueden tocar.

El software hizo posible las enormes escenas de muchedumbres y masas resaltando a miles de personajes peludos. Pero fue mucho mas que pelambre y modas para el innovador equipo R&D de la película; el cual también creo un campo con medio billón de tréboles para una escena crucial. Vlad, después de arrebatar el trébol en el que descansa la mota/Who-ville, de la trompa de Horton… lanza la preciada flor a un campo con casi quinientos millones -- medio billón -- de tréboles que se extiende hasta donde alcanza la vista. Una por una, Horton examina a los tréboles, abriéndose paso a través del inmenso campo. Es el máximo escenario de “la aguja en un pajar”.

Es también un momento clave en el libro de Seuss así como también lo es para Jimmy Hayward. “Yo pienso que fue increíble cuando Horton (en el libro) llega corriendo y grita “¡¡¡NO!!!”, mientras el trébol con la mota flota hacia abajo hasta llegar al mar de tréboles," nos relata. Hayward, al igual que millones de lectores, no podía esperar a darle la vuelta a la página para descubrir que era lo que seguía -- una memoria que tuvo en cuenta cuando se armó la escena para la película. Al tiempo en que Horton se da cuenta de lo que ha sucedido, “giramos la cámara completamente para revelar el masivo campo de tréboles -- de izquierda a derecha -- tal y como si se estuviera dando vuelta a la página. “Me parece que era la manera correcta para revelar esta imagen."

El equipo Blue Sky R&D también instaló -- dentro del software de creación de imágenes -- un algoritmo de su propiedad que le permitió a los cineastas interpretar al viento soplando sobre el campo de tréboles; tal y como el viento causaría ondas al pasar por un campo de trigo en Kansas. (Martino, un oriundo del Medio-oeste, tiene una predilección particular por este efecto).
El trébol “héroe” – aquel que lleva a Who-ville – está hecho de un millón de cabellos. Para la escena del campo de tréboles, los tréboles cercanos a la cámara tenían cabellos de “cuenta completa” o cercana a ella; mientras que los tréboles extras o “de reparto” tenían cerca de 50,000 cabellos.
 

APLASTAR Y ESTIRAR… CAUSA Y EFECTO:
HORTON CRUZA UN PUENTE – MIENTRAS EL ALCALDE VISITA AL DENTISTA

Buscando capturar de manera total el maravilloso y alocadamente imaginativo mundo del Dr. Seuss, los cineastas llevaron a la imaginación y al equipo mas allá de las fronteras de la física de la animación y la interpretación de los personajes y su credibilidad.

Emplearon técnicas de “aplastar y estirar” para llevar a Horton y al Alcalde a asumir gestos y movimientos extremos. En la animación 2D tradicional, aplastar-y-estirar le da a los personajes elasticidad y movimiento. Pero Hayward, Martino, y los artistas, animadores y técnicos de Blue Sky llevaron la técnica a nuevos niveles.

Quizá no hay escena que ilustre de mejor manera la efectividad de su técnica de aplastar-y-estirar que la que tiene a Horton – llevando al trébol – intentando cruzar un largo y frágil puente de bambú que pasa por encima de una profunda garganta. Al mismo tiempo, el Alcalde está de visita con el dentista quien está a punto de utilizar una enorme aguja hipodérmica con el Alcalde. Hayward y Martino entrecruzan las dos situaciones hiper-azarosas, creando una escena de intricada construcción causa y efecto. Cada acción de Horton (aun cuando tropieza) tiene un equivalente (é igualmente deschavetada) reacción sobre el Alcalde.

En la secuencia, los cineastas emplean el efecto aplastar-y-estirar para inflar la trompa del Horton -- pues el elefante de diez mil libras de peso (y un eterno optimista) le da por pensar que el aire es mas "ligero" que cualquier otra cosa y cree que puede flotar a través del puente como su fuera un dirigible. Sobra decir que las expectativas de Horton no se cumplen del todo. Mientras que Horton, con todo y la trompa inflada, continua dando traspiés, dejando a su paso pedazos de puente roto, la hipodérmica del dentista termina en el brazo del Alcalde en vez de en su boca. Los cineastas de nuevo se apoderaron de la situación para llevar a la animación a sus límites; estirando el brazo inyectado del Alcalde hasta que tiene 30 pies de longitud. Mientras que el Alcalde huye de la oficina, su recién alargado y flácido brazo golpea por accidente a algunas personas en la cara.

Hayward acredita a Jim Carrey con haber dado la idea para esta situación: “Jim preguntó, “Si un elefante estuviese transportando a tu mundo en una mota de polvo, ¿cual sería el peor lugar en el que pudiera estar el Alcalde?”” recuerda Hayward. “Después de sugerir algo que tenía que ver con herramientas a motor, Jim preguntó, “Y que tal si el Alcalde se encuentra con el dentista quien esgrime una hipodérmica?

Los animadores también utilizaron la herramienta “aplastar-y-estirar” para crear un efecto de “esfumado.” Por ejemplo, cuando las piernas de un personaje se mueven tan rápido, parecen esfumarse y dan la apariencia que se doblan o triplican en número.
 

EL ELEFANTE ESTÁ ESCUCHANDO”:
EL SONIDO Y LA MÚSICA SE CONJUGAN EN LA OBRE DEL DR. SEUSS, HORTON HEARS A WHO!

Con la palabra “Escucha” figurando tan destacadamente tanto en el título como en la narrativa, no fue sorpresa cuando el diseño del sonido y el guión musical se convirtieron en dos de los elementos mas críticos de la película. “La premisa central de la película es que los dos personajes principales jamás se conocen -- tan solo pueden escucharse el uno al otro," se explaya Hayward. “Cada uno de ellos tiene que creer lo que están escuchando. Y si eso no da las bases para un maravilloso diseño de sonido, no sé entonces que lo hará.”

El intricado y a veces maravilloso matrimonio del diseño del sonido con la música, parte de los talentos del diseñador de sonido dos veces ganador del Oscar®, Randy Thom ("The Incrédibles," “The Right Stuff"), quien también ha trabajado en películas que van de “Raiders of the Lost Ark” a Ratatouille” y el compositor John Powell, cuyos créditos incluyen “Shrek,” “Happy Feet”, "Ice Age: The Meltdown -- y las tres películas “Bourne”.

Thom y Powell empezaron a colaborar de manera poco usual muy temprano en el proyecto. “John y yo nos pusimos a cavilar con los directores mas de un año antes del lanzamiento de la película,” dice Thom. “Todos entendíamos que la película iba a ser un verdadero patio de recreo para el sonido. Fue un agasajo poco común el poder compartir sonidos con un compositor y trabajamos para integrar las dos áreas tanto como pudimos.

Thom se esforzó para abrir los oídos de las audiencias hacia nuevas percepciones de sonidos – al suspender la incredibilidad de que un hombre microscópico y un elefante de cinco toneladas pueden de hecho comunicarse el uno con el otro. El primer contacto entre Horton y el Alcalde involucra transiciones de sonido complejas: Mientras la mota de polvo vuela por los aires, vemos a los Whos a la deriva gritando (o, de manera mas correcta, “aullando”) para pedir ayuda. Los cineastas hacen cortes entre el enfoque de Horton – cuyas orejas sobredimensionadas pueden escuchar los sonidos de las pequeñas voces que vienen de la mota de polvo – y aquellas del pueblo de Who-ville a los que escuchamos gritar de sorpresa -- y a todo pulmón -- al tiempo en que vuelan por los aires.

Buscando hacer contacto con quienquiera que esté detrás de aquellos pequeños sonidos, Horton le grita “HOLA” a la pequeña mota de polvo. Seguimos la onda de sonido mientras viaja hacia la mota, como una nave espacial rumbo a la tierra. Golpea al trébol, pasa a través de una capa de nubes y luego desaparece en un gigantesco túnel, viajando a través de un laberinto de ductos hasta que sale de un desagüe afuera de la oficina del Alcalde.

Mientras la voz hace su viaje a través de la atmósfera, Thom la modula de varias maneras, como el alternar su tono, para crear lo que él llama "el sonido vibrador"; todo para complementar el efecto visual de la onda de sonido. Para su paso por el desagüe, Thom añade una serie de sonidos metálicos y otros sonidos que dan la impresión de metal bajo estiramiento que acompañan el sonido de "Hola".

Es un momento divertido para la audiencia – y uno asombroso para Horton. “¡Estamos en medio de una especie de extraordinaria convergencia cósmica!” exclama Horton al Alcalde. “¡Dos mundos completamente distintos cruzando caminos de manera milagrosa! El mío, colosal y el tuyo minúsculo. ¡Y sin embargo, hemos logrado hacer contacto!

El sonido se convierte en actor principal en el clímax épico de la película en la cual todos los Who se unen -- utilizando todo lo que encuentren para hacerse escuchar -- y así salvarse de la eminente catástrofe. Al unísono gritan, “¡AQUÍ ESTAMOS! AQUÍ ESTAMOS!” Y la ayuda llega de un lugar inesperado: El hijo del Alcalde, Jo-Jo, quien contribuye con su Symphoniphone -- un maravilloso instrumento musical que ha elaborado de objetos no musicales para interpretar la sinfonía de múltiples capas destinada a resonar por toda la ciudad.

Mientras los cineastas adelantaban estos toques finales en la película, Audrey Geisel, la esposa del finado creador de estos mundos mágicos, ponderaba lo que pensaría su esposo con relación a que Horton Hears a Who! se convirtiera en una película animada por computadora de largo metraje. “El probablemente estaría diciendo,” nos comenta, “que Horton era tan grande y tenía un corazón tan enorme, que la película tenía que darse de esa manera.”
 

ACERCA DEL REPARTO

JIM CARREY (Horton) recientemente concluyó de trabajar en la comedia “Yes Man,” dirigida por Peyton Reed. En la película, basada en las memorias del autor Danny Wallace, Carrey estelariza como un hombre quien decide cambiar su vida al decirle “si” a todo lo que le proponen. Carrey seguirá a su actuación en “Yes Man” con “A Christmas Carol,” una adaptación del cuento de Charles Dickens que escribió Robert Zemeckis y que dirigirá para Walt Disney Pictures. En la película Carrey interpreta a Ebenezer Scrooge y los tres fantasmas que lo atormentan. Zemeckis filmará la película utilizando “captura de interpretación” la técnica de animación en 3-D de Disney.

Carrey enseguida empezará a trabajar en el largo metraje de la Paramount Pictures, “Ripley’s Believe it or Not!” para el director Tim Burton. La película vuelve a reunir a Carrey con el escritor Steve Oedekerk (“Ace Ventura: When Nature Calls”). El filme está programado para ser lanzado en el 2009. Carrey también ha firmado para estilizar en “I Love You Phillip Morris,” una comedia oscura que fue escrita y marca el debut como director de Glenn Ficarra y John Requa; el equipo de escritores tras "Bad Santa." Basada en un libro del reportero del crimen del Houston Chronicle, Steve McVicker, la película, fundada en hechos reales, tiene en el reparto a Carrey como Steven Russell, un papá casado cuyas peripecias lo llevan al sistema de justicia criminal de Texas. En la prisión, él se enamora de su compañero de celda, quien eventualmente es liberado, lo cual conduce a Russell a escaparse de las prisiones de Texas hasta en cuatro ocasiones.

El año pasado, Carrey estelarizó en la cinta de suspenso “The Number 23,” para el director Joel Schumacher. En el 2005 Carrey estelarizó a lado de Tea Leoni en la muy exitosa comedia “Fun with Dick and Jane.” La película fue dirigida por Dean Parisot (“Galaxy Quest”) y producida por Brian Grazer. En el 2004 estelarizó en la película de la Paramount Pictures “Lemony Snicket’s a Series of Unfortunate Events,” basada en una serie de libros infantiles por Daniel Handler, así como el drama aclamado por la crítica de la Focus Features’ “Eternal Sunshine of the Spotless Mind.”

En el 2003, estelarizó en la enormemente exitosa comedia de la Universal Pictures “Bruce Almighty.” La película tuvo ingresos por mas de 470 millones de dólares en todo el mundo y fue una de las películas de mayores ganancias en todo el año. “Bruce Almighty” también volvió a re-unir a Carrey con el director Tom Shadyac (“Ace Ventura: Pet Detective” & “Liar, Liar”) y el escritor Steve Oedekerk (“Ace Ventura: When Nature Calls”).

En el 2001, Carrey estelarizó en el largometraje de la Castle Rock “The Majestic,” dirigida por Frank Darabont y en el 2000, tuvo la distinción de aparecer en la película de mayores ingresos del año, el lanzamiento de Universal Pictures, “How the Grinch Stole Christmas.” Fué nominado para un Golden Globe en la categoria de Mejor Actor en un Largo Metraje -- Comedia Musical por su interpretación al Grinch, así como un premio People’s Choice Award en la categoría de "Estrella de Cine Favorito en una Comedia.”

En el verano del 2000, Carrey se re-unió con los directores Peter y Bobby Farrelly para la comedia de la 20th Century Fox, “Me, Myself and Irene,” película por la cual recibió una nominación al premio de la MTV Movie Award™ en la categoría de “Mejor Interpretación Cómica” por su interpretación de un tipo de personalidad múltiple en la película. También ganó un Golden Globe en el 2000 por “Mejor Actor en un Largo Metraje – Musical o Cómico” por su interpretación al personaje de Andy Kaufman en la película de 1999 “Man on the Moon.” Él había ganado un premio Golden Globe Award el año previo por Mejor Actor en un Largo Metraje-Drama por su papel en la críticamente aclamada cinta “The Truman Show.” El haber ganado el Golden Globe en 1999 marcó el primer triunfo de Carrey en un rol dramático. También recibió una nominación al premio Golden Globe en 1997 por “Mejor Actor en un Largo Metraje Musical o Comedia ” por “Liar, Liar,” la misma categoría en la que fue nominado en 1995 por “The Mask.” En el 2000 fue nombrado “La Estrella Masculina del Año” en ShoWest.

Nacido el 17 de Enero de 1962 en Newmarket, Ontario, Jim Carrey ya sabía a los tres años de edad que la farándula la tenía en las venas. A los 15 años de edad, Carrey se fue a Toronto para actuar en el Yuk Yuks, el famoso club de comedia. Enseguida de esta presentación, la carrera de Carrey despegó y en los siguientes años trabajó en clubes de comedia en todo Canadá. En 1981, a los 19 años de edad, empacó sus pertenencias y se mudó a Los Ángeles. Carrey de inmediato se convirtió en un actor de planta en el centro nocturno Mitzi Shore’s Comedy Store, lugar en donde atrajo la atención de la leyenda cómica Rodney Dangerfield. Dangerfield estuvo tan impresionado con el joven cómico que se fueron de gira juntos. Fue en ese momento en que se empezaron a mover las cosas a favor de Carrey.

1982 demostró ser un año mágico para Carrey cuando MTM lo colocó como la estrella de su serie en la NBC “Duck Factory.” Aunque la serie duró solo 13 semanas, el trabajo de Carrey dejó una perdurable impresión en Hollywood. El siguiente año consiguió el rol estelar en el largo metraje “Once Bitten,” estelarizada por Lauren Hutton. Siguió a esta película con papeles en el filme de Francis Ford Coppola “Peggy Sue Got Married,” y la comedia de Geena Davis “Earth Girls Are Easy.” En 1988, Carrey hizo una breve pero memorable aparición como “Johnny Squares”, la estrella de rock auto destructiva en la película de Clint Eastwood “The Dead Pool.”

En 1990, Carrey se unió al elenco del éxito cómico de reparto de Fox Television “In Living Color.” En Noviembre del año siguiente, su primer Especial para Showtime intitulado “Jim Carrey’s Unnatural Act,” se estrenó con una reacción apabullante de la crítica a favor del actor. Siguió al éxito del programa especial con un papel estelar como un alcohólico que trata de hacerle frente a la vida en la película de la semana de Fox nominada para un Emmy® “Doing Time on Maple Drive”.

En 1994, después de varias temporadas exitosas en “In Living Color,” Carrey de nuevo se extendió hacia los largo metrajes al aceptar el papel estelar en la comedia de la Warner Bros. “Ace Ventura: Pet Detective,” haciendo de la película un éxito. Carrey siguió a ese éxito en el verano de 1994 al estelarizar en la película de acción y fantasía “The Mask,” basada en la serie de comics “best seller” de la empresa Dark Horse del mismo nombre. “The Mask” pasó a ganar mas de $100 millones de dólares en el mercado de los Estados Unidos, y le mereció a Carrey espectaculares reseñas. Ese mismo año estelarizó a lado de Jeff Daniels en la película de los hermanos Farrelly “Dumb and Dumber.” Carrey estelarizó como the “Riddler/ Edward Nygma” en la segunda parte del éxito de taquilla de 1995 “Batman Forever.” El siguiente año pasó a estelarizar en “Ace Ventura: When Nature Calls,” la continuación de las peripecias del detective de mascotas favorito del mundo. Enseguida actuó en la película de la Columbia Pictures “The Cable Guy.” Siguió el éxito de la Universal Pictures “Liar, Liar,” la cual se estrenó con ingresos rompe récords en 1997 teniendo entradas por mas de $100 millones de dólares en venta de boletos . Su triple triunfo le mereció el honor de ser nombrado “NATO/ShoWest Estrella Cómica del Año.”

STEVE CARELL (Alcalde) ha surgido como uno de los mas solicitados actores cómicos en Hollywood. Habiendo ganado por primera vez el reconocimiento por su contribución como corresponsal en el programa ganador de un Emmy de la Comedy Central “The Daily Show with Jon Stewart,” Carell se ha metido de manera exitosa en la televisión de horario estelar al tiempo en que ha ganado un estatus por encima de los estelares en el mundo del cine… todo con el mismo aplomo.

Carell se inició con su primer papel estelar en “The 40-Year-Old Virgin,” la cual co-escribió con el director Judd Apatow, obteniendo el sitio #1, y permaneciendo en dicho lugar durante dos fines de semanas completos. El sorpresivo éxito del 2005 pasó a ganar mas de $175 millones de dólares en todo el mundo y se estrenó en las posiciones superiores de ingresos de taquilla en mas de 12 países. La película generó mas de 100 millones en ventas de DVD tan solo en Norte América. La película fue honrada con un premio AFI Award (nombrada una de las 10 Películas Sobresalientes del Año) y fue nombrada como la Mejor Película Cómica en los 11avos premios anuales del Critics’ Choice Awards. La película también ganó nominaciones para los premios Carell y Apatow por Mejor Guión Original por el Writers Guild Association.

Carell estelariza en la adaptación americana de la aclamada serie de la televisión británica “The Office.” En su cuarta temporada, el programa continúa floreciendo en las mediciones de popularidad. En el 2006 y el 2007 Carell ganó un premio Golden Globe Award por Mejor Interpretación en una Serie de Televisión – Musical o Comedia, por su interpretación como Michael Scott, el presumido y diluido patrón de una fábrica de papel en Pennsylvania.

En el 2006, como miembro de una compañía de reparto, Carell estelarizó en “Little Miss Sunshine,” la cual ganó una nominación a un Academy Award® como Mejor Película y ganó un premio SAG Award™ por Sobresaliente Actuación por el Reparto en un Largo Metraje. La comedia también estelarizó a Greg Kinnear y Toni Collette. Créditos fílmicos previos del actor también incluyen “Anchorman: The Legend of Ron Burgundy,” “Bruce Almighty” y “Bewitched.”

El año pasado, Carell estelarizó a lado de Juliette Binoche en la comedia romántica “Dan in Real Life,” y en la comedia “Evan Almighty.” Por estrenarse está la muy anticipada comedia de acción “Get Smart” a lado de Anne Hathaway.

Nacido en Massachusetts, Carell ahora reside en Los Ángeles con su esposa, la actriz Nancy Walls (“Saturday Night Live”), a quien conoció en la compañía teatral Second City Theater Group en Chicago, en donde ambos eran miembros . Él es el orgulloso padre de una hija y un hijo.

IR A LA CONTINUACIÓN