LA CAPTURA DE LAS GRANDES ACTUACIONES

En esencia, con la técnica de captura de movimientos o de la actuación, no hay apariencia, edad, color ni sexo de la persona que actúa. El que Zemeckis haya elegido a Ray Winstone para interpretar el papel principal, es el ejemplo perfecto para mostrar la libertad que la técnica ofrece para elegir actores. Al principio Zemeckis no había pensado en Winstone, pero al escuchar la voz tan especial que tiene el actor, se convenció de que él era su “Beowulf”. -“Mi esposa estaba mirando a Ray en una adaptación de ‘Henry VIII’ en la tele, y yo escuché su voz y dije ‘¡¿Quién está hablando?! ¡Eso suena como la voz de “Beowulf”!’ entonces fui a mirarlo, y él tenía tanta fuerza, que parecía venir de la parte animal de su persona. Eso era muy importante para “Beowulf”, ya que él tiene una personalidad salvaje. A él lo único que le interesa es lo que puede matar, lo que puede comer, y con quién puede tener sexo. Ray, es un actor impresionante, enérgico, que tiene la habilidad de mostrar la naturaleza salvaje del ser humano”- dice Zemeckis.
Winstone fue el primero en sorprenderse cuando Zemeckis le habló para ofrecerle el papel. -“Yo estaba filmando ‘The Departed’ para Martin Scorsese en Nueva York, y recibí esta llamada en la que me decían que estaban interesados en que actuase en ‘“Beowulf”‘. Tenía que venir a Los Ángeles para encontrarme con Bob, y pensé: ¡Qué viaje tan largo para una entrevista de trabajo! Pero lo hice porque él es un genio. Me preguntó qué pensaba sobre el guión, y le dije que me parecía que era la historia de un hombre cuya ambición de oro, poder y fama termina destruyéndolo. De alguna forma, “Beowulf” es mucho más monstruoso que cualquiera de los demonios con que se enfrenta. A lo largo de la conversación comencé a darme cuenta que esto no era una prueba de actores. Bob me quería a mí para la película. Eso realmente me sorprendió”- dice recordando Winstone.
Los elementos de aventura del guión, y la oportunidad de hacer algo en un medio distinto, totalmente nuevo para él, atrajeron a Winstone. El actor es el primero en decir sinceramente: ”Yo no sabía nada del poema original. Mis hijos me dicen que ellos tampoco sabían nada. Pero el guión es una historia fantástica, y yo siempre quise hacer de vikingo. Lo bueno de la técnica de captura de movimientos, es que permite que gente como yo, que mide 1.70 m y es regordete, pueda hacer de un vikingo que mide 2.15 m y tiene pelo rubio. El proceso al principio sonaba complicado y un tanto incómodo. Pero cuanto más pienso que no puedo hacer las cosas, más me atraen, y en realidad, tenía curiosidad por ver si la cosa funcionaba” – confiesa Winstone.
Además, las grandes estrellas que había elegido Zemeckis para el reparto, eran otro de los atractivos para el actor. –“Es increíble la gente que trabaja en esta película: entre ellos Anthony Hopkins, uno de mis actores favoritos desde que era niño, y con el cual fue un placer trabajar. Por otro lado, yo había trabajado con Robin Wright Penn en Londres, y es una actriz estupenda, como lo es Angelina Jolie, a quien conozco desde hace 5 años y es fantástica. También Brendan Gleeson, mi viejo compañero, con quien trabajé con “Cold Mountain”, lo mismo que Crispin Glover y John Malkovich, quienes son muy inteligentes e inventivos. Todo ellos son excelentes actores. Yo estaba seguro que iba a aprender mucho en una película como esta, por el simple hecho de trabajar con ellos” – dice Winstone.
Zemeckis cuenta que, la técnica de captura de la actuación, además de otorgarle a Winstone el deseo de actuar como vikingo, les permitió al resto de los artistas actuar sin tener las limitaciones que ponen las filmaciones comunes. -“Lo que me encanta de la captura de movimientos es que permite al actor darle al director momentos mágicos, cosas inesperadas que los actores hacen”- explica Zemeckis. -“Filmar con esta técnica es como tener una tela en blanco, donde los actores pueden hacer exactamente lo que quieran, porque no tienen las limitaciones de una película de acción en vivo. Es como librarse de la tiranía que imponen las películas normales: no hay que preocuparse por las luces, ni por el lugar en donde se ponen las cámaras, ni por el maquillaje o si los peinados están bien. Sólo se necesita la buena actuación de grandes actores – como los de esta película- y deleitarse con ello. Uno no debe dividir la escena para tener todo cubierto, realizamos tomas con gran angulares y primeros planos, todo al mismo tiempo. De esa manera, fueron los actores los que dictaron el ritmo de las escenas, que es exactamente lo que hicimos desde el principio hasta el final. O al menos todo lo que pudimos. Era como estar en un teatro, con la adición que había captura de movimiento tridimensional”.
Anthony Hopkins, que actúa el papel del Rey Hrothgar, dice que haber trabajado con la técnica de captura de movimientos bajo la dirección de Zemeckis, resultó en una atmósfera relajada para trabajar, que ayudaba mucho a la parte creativa de los actores. -“Lo interesante al actuar con esta técnica de filmación, es que no hay escenarios, no hay disfraces ni vestuario especial, sino extraños trajes con circulitos –que también le ponen a uno en la cara. Uno puede filmar toda una escena sin tener que realizar los cortes que comúnmente se hacen en el rodaje tradicional. Entonces todo se hace muy rápido. Robert Zemeckis es un director fácil que da muchas libertades a los actores, si bien tiene una visión muy definida de lo que quiere. Actuamos una escena de cinco ó seis páginas del guión- hasta completarla - y tras cinco ó seis tomas, cuando Bob está seguro que tiene lo necesario, seguimos con la próxima escena. Mi personaje aparece al principio de la película – tal vez en la página tres ó cuatro del guión, y mi actuación termina en la página 76. Pero yo sólo trabajé en el rodaje ocho días, lo cual en una película tradicional, sería un tiempo imposible de lograr. El primer día de filmación yo no estaba muy confiado, sin embargo el proceso le da a uno la sensación de libertad, y entonces uno comienza a sentirse a gusto para hacer cualquier cosa” – detalla Hopkins.
El pasado del Rey Hrothgar vuelve para atormentarlo, a él y a su reino, en la forma del monstruo Grendel. Antes de la horrorosa aparición de Grendel, Hrothgar tenía una relativamente fácil: él y su gente son bastante libertinos, van de festejo en festejo, y buscan placeres sensuales, siempre que pueden.
-“Yo pensé que Hrothgar era un hombre dedicado a su gente, así que al principio de la película lo actué como si fuera una especie de verdadero bufón borracho, lo cual fue muy divertido. Pero yo pienso que el personaje tenía un costado oscuro, y esa faceta también la incluí en mi actuación”– explica Hopkins.
Hopkins, uno de los primeros actores del film, decidió usar su acento nativo galés en la voz de su personaje -“porque el galés es una lengua antigua, que tiene varios miles de años antigüedad”. Zemeckis explica que: -“Hubo grandes debates sobre cómo el galés debe haber derivado del inglés antiguo. Pero sea como sea, cuando Anthony pronunció las frases que Roger y Neil escribieron, con su acento galés, sonaron perfectas”.
La cadencia melodiosa de la voz de Hopkins, fue el patrón a copiar para los otros actores. –“Decidimos que todos debíamos tener acento galés”- dice Robin Wright Penn, quien hace el papel de la amante y desdichada esposa de Hrothgar, la reina Wealthow. -“Aunque la historia sucede en Dinamarca, está escrita en inglés antiguo. Tony tiene ese acento naturalmente, y parecía muy adecuado para las circunstancias, en lugar del inglés tradicional. No tenía sentido hablar en inglés antiguo, pues nadie entendería nada. El diálogo nos pedía que acentuáramos las eres, y el galés era la lengua justa para ello”.
Wright Penn y Zemeckis ya habían trabajado juntos en “Forrest Gump”, película ganadora del Oscar®. Al igual que esa película, “Beowulf: La Leyenda” muestra la vida de su personaje a través de varias décadas.
-“Robin es sutil y maravillosa, verdadera y real en todo lo que hace como actriz. Le dio madurez a su personaje, inclusive en la parte en la que hace de Wealthow, siendo una muchacha de 16 años. Esa es otra de las grandes ventajas de trabajar con captura de movimientos. Robin pudo poner toda su experiencia en su papel, y la tecnología utilizada permite que tenga el aspecto de una adolescente, y luego más tarde, el de una mujer adulta. Estuvo estupenda. Captó perfectamente el tormento y el dolor que vive por “Beowulf”, y lo interpretó con tanto realismo que lo deja a uno sin aliento” – comenta Zemeckis.
“Beowulf” se enamora de Wealthow, al llegar para salvar al reino del marido de ésta. Pero tal como sucede con el Rey Hrothgar, los defectos fatales de “Beowulf”, su desesperado deseo de poder y gloria, su debilidad por otras mujeres, y el arreglo tipo Fausto que hace con una seductivo pero atractivo demonio mujer, al cabo enfrían su relación con ella.
-“Wealthow se casa con el Rey Hrothgar a temprana edad, en un matrimonio arreglado. El no le es fiel” – detalla Wright Penn -“Luego, Wealthow se enamora de “Beowulf”, cuando él viene a salvarlos. Lamentablemente la historia se repite. De alguna forma, ella se enamora del héroe, pero no puede ver lo que es verdadero heroísmo. “Beowulf” es un héroe, pero es también un ser humano. Cuando él la traiciona, como lo hizo el Rey Hrothgar, ella pierde toda la admiración y el amor que sentía por él”.
El guión requería que Wealthow pasara por varios momentos emocionalmente estresantes. Wright Penn comenta que la técnica de captura de la actuación la ayudó mucho en esas escenas. -“Todo se hacía a un paso increíblemente rápido. Saber que las escenas estaban hechas igual, era maravilloso. Uno no debía pasarse mil horas repitiendo la escena desde 4.000 ángulos diferentes. A veces podíamos completar una escena en 15 minutos, cinco hojas de guión en dos tomas. Es casi lo que uno desea al estar en un set, poder trabajar siempre de esa manera. Es como estar en una máquina trotadora de ejercicios cardiovasculares: uno no corre en ella 5 minutos y después se sienta por 20, para después volver a tratar de levantar el ritmo del corazón al mismo nivel. Dada la manera en que Bob trabajó, nosotros podíamos ir allí, filmar las escenas enfocados en terminar el día a las 5 de la tarde. Eso es muy civilizado. Especialmente en las partes de mucha emoción, cortar y volver a empezar y ponerse emocionalmente en ello, es muy pesado”- explica la actriz
Crispin Glover, otro actor con el que ya había trabajado Zemeckis, hace el papel del torturado monstruo Grendel. -“Con Crispin habíamos filmado ‘Back to the Future’ hace tiempo atrás, y por alguna razón, para mí Crispin era justo para el personaje” –comenta Zemeckis -“A él le gusta interpretar criaturas y personajes que son deformes, tanto física como mentalmente. Por eso sabía que Crispin iba a entender a Grendel. Al actuarlo, no lo hizo tan sólo como si fuera un monstruo. El creó un personaje desvalido y atormentado, un ser físicamente deformado, un monstruo. Alguien perseguido como un demonio, simplemente por el aspecto que tenía. Crispin dio calidez y un toque humano a esta criatura increíble y horrenda. La única directiva que le di fue: - ‘Todo lo que hace Grendel le causa dolor físico. Crispin escuchó las directivas y utilizó todo su cuerpo, cada pelo, como instrumento para su actuación”.
-“Yo no había trabajado con Bob por 21 años, desde que habíamos hecho la película ‘Back to the Future’. Así que estaba un poco sorprendido”- dice Glover - “Yo conocía la historia de “Beowulf” y Grendel, y pensé que sería un muy buen papel. En ese momento, yo estaba trabajando en otra película, así que no pude venir a encontrarme con todos. Me pidieron que les filmase un video. Hice eso con mi computadora en mi casa, y lo envié. Eventualmente pude leer para Bob. A él le gusto mi actuación y me dio el papel. Estoy muy feliz de haberlo hecho, porque es un gran papel”.
Grendel, es el dolor y la furia hecho persona, y no es la más elocuente. Para encontrar cómo actuar el papel primitivo de Grendel, Glover realizó su propia terapia de gritos. -“Para Grendel, hay una gran variedad de emociones en un especio de diálogo relativamente compacto. Yo no había planeado demasiados gritos y vocalizaciones, si bien inicialmente había algunos. Sin embargo, por medio de esos gritos él expresa su gran dolor. Bob me dijo: -‘Simplemente sigue gritando’. Me alegro que él me haya alentado a ello, porque los gritos tienen muchos elementos emotivos, uno puede sentirlos a través de ellos. Nunca había pensado que podían ser tan expresivos” – dice Glover.
-“Al principio, varias semanas antes de comenzar la filmación, Zemeckis también dijo que el dolor era definitivamente un problema para Grendel, y la causa de todas sus respuestas”- continúa diciendo el actor – “así, que especialmente en las escenas de lucha, a cada movimiento, él reacciona. Combinado con las vocalizaciones y los gritos, espero haber logrado una imagen muy poderosa”.
La habilidad de Glover para expresar el profundo dolor de Grendel y su veneno, en la conmovedora y única manera en que lo hizo, fascinaba a los actores y al equipo de filmación, quienes varias veces explotaban en un espontáneo aplauso. -“Crispin era increíble. Cuando ví lo que hacía, pensé: ‘ok, es un tipo inteligente que ha levantado el nivel de actuación” – recuerda Winstone -“El pudo dejarse ir y expresarse en una habitación llena de gente. Pero no exageró su papel, sabía exactamente lo que estaba haciendo. Definitivamente pudo darle su toque de horror a Grendel, inclusive usando el extraño y ajustado traje de Lycra con redondeles. Uno podía ver que estaba creando. Era impresionante de ver”.
Glover interpretó su propia versión del Grendel del poema en inglés antiguo. –“Para mí, Grendel aborrece todas las cosas humanas”- dice Glover -“era un ‘nene de mamá’, y todos sus vecinos humanos eran para él simplemente pestes molestas. Sus voces y los ruidos de sus celebraciones, herían sus oídos. Tenía sentido pensar que él hablaba una vieja lengua que sólo él y su madre entendían”.
-“El guión no pedía en especial ningún acento de inglés antiguo, pero a mí me pareció que era el acento justo para Grendel. Yo tenía grabado ese sonido en la cabeza. No fue nada fácil leer toda la vieja versión en inglés antiguo de “Beowulf”, para encontrar palabras que fueran verdaderas pero también entendibles. Porque si uno va directamente a las traducciones, el lenguaje es totalmente diferente. Es imposible de entender, y pese a todo, hay palabras muy similares a las que usamos para hablar hoy. Para la película, tratamos de lograr un lenguaje equilibrado”- explica Glover.
El único confidente, guardián y vengador que tiene Grendel, por supuesto es su madre: una criatura seductiva y peligrosa, que se aprovecha de los defectos y debilidades de los hombres para sacar provecho de ellos. Angelina Jolie fue la actriz elegida para interpretar a este magnífico enemigo. -“La madre de Grendel es un demonio mujer y una gran seductora. Nadie podía haber hecho ese papel mejor que Angelina Jolie”- dice Zemeckis -“Cuando ella entró en el set y se transformó en ese personaje, fue algo muy poderoso para ver. Era magnética e hipnotizaba a todos en el set”.
Para Jolie, la técnica de captura del movimiento era atractiva y poderosa. -“Me encantó. Al principio pensé ‘ay, estoy va a ser tan raro. ¡Todos los actores con estos puntos en la cara, con estos trajes raros tipo trajes de hombres-rana, sin escenarios ni utilería!… Pero lo que en realidad eso hace, es reducir todo a lo esencial de la actuación, especialmente en las escenas entre Crispin y yo – eran pura emoción. Hay tanta libertad para actuar de esta manera, que en el momento, uno da todo de sí. Porque uno no debe preocuparse por nada, pues todo está cubierto, y uno puede repetir, jugar e improvisar. Además entre los actores, inmediatamente trabamos amistad. Al estar todos cubiertos con estos redondeles, nos identificábamos y era fácil acercarse uno al otro y comunicarnos. Lo bueno de esta técnica, es que sentí que cada miembro del equipo era esencial para lograr el todo, tan importante como eran los actores. Es muy distinto estar en un trailer e ir a hacer una escena cada tanto. Todo el mundo está ahí todo el tiempo”- explica Jolie.
Sonriendo, Jolie explica que: -“al mencionar a la madre de Grendel, todo el mundo tiene una opinión sobre ella. A mi ella me parece amorosa, aunque todo piensen un poco lo contrario”.
Las acciones del personaje están más allá del bien y del mal, dice Jolie, y salen de un profundo instinto maternal. -“Si, ella es un monstruo, pero también es una mamá, y esa es la esencia de todas sus acciones. Aunque Grendel es un hombre ya crecido, tiene un costado vulnerable, como un niño. Yo pensé en él como lo haría una madre. Si alguien lastima a tu hijo, una hace lo que fuera para vengarlo. Y yo interpreté mi personaje de esa manera”.
Jolie había visto esquemas de cómo iba a ser su personaje. Ella lo describe como “una lagartija sexy”- que toma forma casi- humana. Interpretar a la atractiva mujer reptil, sin poder utilizar disfraces, máscaras, utilería o maquillaje, fue una experiencia única. Jolie tuvo que llevar a cabo su actuación basándose en parte en las direcciones de Zemeckis.
-“En un momento, Bob me dijo que estaba bien si yo siseaba. Entonces yo pensé que seguramente yo tenía una lengua de lagartija. En otro momento, yo estaba actuando una escena de la mujer, y Bob me dijo ‘Recoge eso’ y yo le dije, ‘Pero yo tengo las manos en la espada’. Entonces Bob dijo, ‘Bueno, recógelo con tu cola’. Entonces me dí cuenta de que yo tenía cola. En un momento, me pidió que pusiera mis pies como si tuviera tacos altos, y yo pensé, ‘qué bueno, él quiere que sea más sexy’. Pero entonces, Bob dijo: ‘No, no, tu mano es como tu pie, tu pie es como tu mano’…ahí me perdí completamente. No entendía nada. Entonces él me mostró una foto de una mujer realmente sexy hecha de oro, y al mirar a sus pies, eran un poco raros. Así que yo tenía cola y manos por pies, ¡Y estaban como en tacones! Ahora estoy muy curiosa y quiero ver la película, ¡para ver cómo terminé siendo!”.
Ella terminó siendo fantásticamente atractiva, astuta y peligrosa. Una criatura hembra color dorado iridiscente, con pies como en tacones y un apéndice a manera de trenza de pelo.
Zemeckis detalla: -“Se nos ocurrió la idea de que ella tuviera una trenza larga, que fuera una especie de cola. Para que ella tuviera sentido del movimiento de su trenza/ cola, le hice hacer una toma en la que tenía que mover su mano de la misma forma que lo haría su cola. Así tendría el sentido perfecto. El ritmo fue perfecto. Eso es lo que me encanta de esta forma de arte – uno tiene la interpretación de los actores de todo, hasta de cómo se movería una cola mágica” – dice el director.
La técnica de captura de la actuación también permite que los actores interpreten varios personajes. Su actuación presta toda la información necesaria para plasmar en animación a sus personajes. El director Zemeckis aprovechó las artes de John Malkovich para interpretar a Unferth. El personaje, al principio es muy escéptico con respecto a “Beowulf” y sus verdaderas intenciones. Más tarde, Malkovich hace el papel del hijo de Unferth, o sea su propio hijo.
-“John es uno de mis actores favoritos. El puede hacer cualquier cosa, y uno no sabe hasta el final con qué va a salir”- dice Zemeckis -“Le dio un giro muy interesante a Unferth. Comprendió completamente qué queríamos del enemigo de “Beowulf”, el negador que baja del pedestal a nuestro héroe, y lo acusa de exagerar. No puedo siquiera describir la interpretación y el acento que John realizó. Fue una magnífica representación del personaje. Y lo mejor que tiene la captura de la actuación, es que John pudo también hacer el papel de su propio hijo, y de él mismo más viejo. Al viejo, lo actuó como si hubiera tenido un ataque al corazón y habiendo sobrevivido, hubiera quedado físicamente debilitado. Basándonos en su actuación, pudimos darle un aspecto marchito”.
Malkovich recuerda haber leído “Beowulf” siendo adolescente. -“No volví a leerlo desde que me obligaron a hacerlo en la escuela superior, para la clase de literatura. Yo iba a una escuela al estilo antiguo, en donde realmente teníamos que leerlo. Así que yo conocía la leyenda” – dice el actor, y continua –“En general, creo que es peligroso comparar el guión de una película con el material que fue fuente para el mismo, ya se trate de una novela, algo que no sea ficción, o, como en este caso, un poema épico”. Para Malkovich, los elementos ominosos del guión eran muy atractivos. -“Me parecía un buen guión, oscuro y excitante, al estilo de los relatos mitológicos” – dice Malkovich.
Al igual que Zemeckis, a Malkovich también le encantaron las oportunidades creativas que ofrecía la técnica de captura del movimiento. -“El proceso es fantástico. Me permitió actuar a mi personaje cuando era mucho más joven de lo que realmente soy, y luego, también me permitió actuarlo cuando era más viejo, y ¡hasta pude hacer de su hijo! Hubiera sido muy difícil hacer eso en una película común”- comenta Malkovich.
Malkovich es un veterano actor de teatro. A él le gusta actuar sobre los escenarios, pero no exactamente en los que hace tanto frío como en el Ártico -“Filmar así es un poco el producto de la imaginación de uno. Es como actuar en una obra de teatro, pero la imagen de uno, la actuación, se graba desde cuatro ángulos, así que uno siempre está tomado desde un gran angular, en primeros planos, en el detalle de los dedos, y desde atrás, en la espalda. Lo bueno de todo esto, es que uno simplemente actúa, y no se tiene que preocupar por ninguna otra cosa. Hasta el set se parece mucho a un lugar donde se ensaya para una obra de teatro – había líneas en el piso, que indicaban en dónde estaban las puertas, una mínima cantidad de utilería, tanto como para saber dónde están las cosas en el espacio. Todo el tiempo el lugar estaba congelado, pienso que tiene que ver con las máquinas y con el hecho de que uno tiene estos redondeles con sensores grabando las expresiones y el movimiento. Los técnicos no quieren que uno transpire. En una película común, en el set hace una temperatura de 65 mil grados, por todas las luces que ponen. Así que esto, es bien distinto”-dice riendo Malkovich.
Usar trajes con redondeles con sensores para actuar, al rato no es tan distinto que cualquier otra actuación para cine. Aunque al principio puede parecer muy raro, continúa diciendo el actor: -“Al llegar cada mañana, nos ponían máscaras transparentes en la cara. Entonces nos dibujaban una especie de cuadriculado y nos ponían los sensores, prestando mucha atención al área de los ojos y la boca. Luego nos ponían una especie de casco de bicicleta, que tenía todo tipo de electrodos y aparatos adosados. El “vestuario” se completaba con estos trajes de hombre rana y guantes, todo cubierto con sensores. Vestirse así, no lleva más tiempo que lo que dura ponerse el maquillaje comúnmente. Uno se acostumbra a ello muy rápido. A decir verdad, luego del primer día, ya nunca más pensé en ello”- dice Malkovich.
El actor agrega, que ayuda mucho tener un director relajado y directo como Zemeckis. -“Trabajar con Bob es un placer. El es un tipo del medio-oeste, directo y claro. Si no vé lo que él quiere, lo dice. Si no lo sabe, dice que no está seguro, pero que quiere ver por ésta o aquella área. Es entusiasta y enfocado y su equipo es increíblemente organizado”- detalla Malkovich.
Completando el reparto está el veterano actor británico Brendan Gleeson, como el compañero de confianza de “Beowulf”, el gran guerrero, Wiglaf. Wiglaf pelea hasta el fin por su rey. Aunque él sospecha cuáles son las verdaderas intenciones de “Beowulf”, al final Wiglaf hereda el legado de gloria y tentaciones de él. Pero es el público quien debe decidir qué hace él con todo ello.
-“Estaba en Londres en un tour de casting cuando Brendan vino, e inmediatamente lo ví como a Wiglaf” - cuenta Zemeckis -“El personaje es la antítesis clásica de “Beowulf”, pero es el hombre número uno de “Beowulf”, y lo ama a “Beowulf” como héroe. Brendan era justo para interpretarlo. Wiglaf es como uno de esos hombres que siguen a un tipo carismático con completa lealtad. El daría su vida por “Beowulf”, por lo que piensa que “Beowulf” es y hace. Brendan comprendió eso completamente. En mi opinión, el suyo termina siendo el personaje más interesante de la historia, o al menos, uno de ellos. Brendan fue el que trajo la idea de que pese al amor que Wiglaf siente por “Beowulf”, igual tiene dudas y se pregunta cosas sobre él. Es un personaje conflictuado, por lo que él quiere que la verdad sea, y lo que la verdad realmente es – y el lo sabe”.
Al principio, Gleeson estaba muy nervioso de unirse al reparto de “Beowulf”, pero Zemeckis pronto lo calmó. -“Reconozco que yo tenía mis dudas de hacer la película, porque ya hice una gran cantidad de otros filmes épicos: Estuve en “Troy” y en “Kingdom of Heaven”, y tenía un poco de nervios de ser ‘Ese tipo’. Pero cuando me encontré con Bob, cambié de opinión. Su entusiasmo era fenomenal y la técnica que iba a utilizar, fascinante” - cuenta Gleeson.
Gleeson, también es actor veterano de las películas de “Harry Potter”. Está acostumbrado a actuar en películas que tienen muchos efectos visuales especiales. Aún así, este proceso fue algo completamente diferente. -“El término clave fue teatro en caja negra, y eso me atrapó. Toda la actuación sucede en este gran cuadrado, y el mundo alrededor se crea dentro de él. No es una pantalla verde ni una azul, sino un concepto totalmente diferente. La mayor parte del teatro que yo hice en los años ’80, por ejemplo, fue en la caja negra. No podíamos pagar por la utilería, entonces hacíamos mímica, o creábamos los objetos en la mente del público. Pienso que este proceso se parece a eso un poco. Ahora, todos esos redondeles, y el vergonzoso traje de hombre rana, es el mismo tipo de cosa. Uno debe transportarse a la escena, pero sin nada verdadero” – comenta Gleeson.
Al actuar como la mano derecha de “Beowulf”, la película brindó la oportunidad de que Gleeson y Winstone volvieran a actuar juntos.
-“Nos conocimos por primera vez en ‘Cold Mountain,’ en Rumania, y Ray siempre es divertido. En verdad, de él se puede esperar cualquier cosa”- asegura Gleeson.
-“Cualquier cosa” en este caso significa matar varios demonios, y culminar la feroz batalla con un dragón que vuela, tira fuego por la boca, tiene mal genio y quiere vengarse. “Hay algo muy primitivo en las cosas que los dos tienen que pasar– yo sabía que “Beowulf” y Wiglaf siempre estaban peleando, asolando y viviendo aventuras. Pero aún así, sus personalidades eran diferentes. La firmeza como guerrero de Wiglaf no es nada comparada con la locura y el carisma de “Beowulf”– cuando pelean contra el dragón, Wiglaf se lanza contra lo que él considera que es el punto vulnerable más obvio. Pero no funciona. “Beowulf” en cambio, se pone a trabajar en lo que en verdad va a destruir al dragón. “Beowulf” tiene un impresionante magnetismo, y mucha es la gente que lo sigue, entre ellos Wiglaf, pero eso puede derivar en distintas cosas, como todos sabemos”- dice Gleeson.
Gleeson cuenta que el destino de Wiglaf, en relación con “Beowulf”, también lo atraía. -“Ellos trabajan en equipo, aunque Wiglaf es quien pone freno a “Beowulf” frecuentemente. Para mí, también es importante que al final, Wiglaf suceda a “Beowulf” y se convierte en rey. En cierto punto, uno puede ver las cualidades de líder de Wiglaf, y ciertos defectos de “Beowulf”, y predecir este futuro. Pienso que él no era tan sólo un lugarteniente, de alguna manera era el rey por venir. Eso era muy interesante”- explica Gleeson.
Para filmar grandes cruzadas, fogosas batallas de vida o muerte, luchas contra demonios de casi cuatro metros de altura, y lívidos dragones, se necesitan dobles. Inclusive si no hay escenarios, ni disfraces o vestuario, sino telas arañas y puntitos. Eso no fue una sorpresa para Winstone, quien, al igual que su personaje, se volcó a esa aventura de pleno.
-“Yo no sabía que debía hacer tantas pruebas peligrosas. Digo, no sabía que yo era capaz de hacerlas” – dice Winstone -“Pero me divertí tanto, que una de las pruebas pasó a otra, y así. Al principio pensé, ‘para eso hay dobles. Ese es su trabajo y son buenos para hacerlo’. Pero luego dije, ‘bueno, voy a hacer lo tú pienses que yo puedo hacer. ¡Y pude hacerlo todo! ¡Y cómo me dejó! Pero fue como volver a tener siete años, volar por la habitación con un alambre, y arrojarme de pared a pared. En verdad, estoy contento de haberlo hecho”.
Ese es el tipo de pruebas peligrosas con las que el guionista y productor Avary, esperan atraer al público, especialmente a la gente más joven.
-“Pienso que los adolescentes van a disfrutar mucho esta película” – dice Avary –“Para la joven generación, hay momentos excitantes que Bob aumentó aún más de lo que nosotros habíamos escrito originalmente. Definitivamente, él sabe cómo crear acción y emoción en los filmes. Sabe como enganchar a la gente en el drama y con los personajes. Y también hay material para la gente que busca una historia de moderada profundidad”.

PASANDO DE IMAGEN DE DOS DIMENSIONES
A LA TRIDIMENSIONAL

Si bien el proceso digital fue muy importante para generar esta película, Zemeckis aclara que la filmación tradicional todavía informa al arte y provee la estructura. -“La película da la sensación cinemática, porque yo muevo las cámaras de la manera que lo haría en una filmación de dos dimensiones. Operamos cada cámara con manos humanas, las del director de fotografía Robert Presley. Cuando tenemos la toma que queríamos, conectamos a las computadoras un sistema con cabezal de cámaras a control remoto, así él puede mover las cámaras digitales con sus manos”- detalla Zemeckis.
Esa sensibilidad cinemática es la que da la visión realista a la película, explica Zemeckis:
-“Si uno mira los dibujos animados que se hacen hoy, en muchos de ellos, las cámaras están “enganchada” al personaje: cuando el personaje se mueve, la cámara se mueve con él. No hay ningún tipo de elegancia. Es un simple click. Yo lo llamo ‘click y arrastre de cámara’. Pero cuando uno mira una película, aunque la gente no se dé cuenta, la cámara siempre está un poquito detrás de las personas, siempre se mueve un poquito, y un poco más tarde. La cámara sigue al actor, lo que hace que uno se sienta cómodo, porque no se anticipa a la acción. Eso podría poner al espectador un tanto nervioso. Lo ideal es que el público se sienta como un viajero disfrutando del paisaje, mientras la película rueda, y esos pocos cuadros de retraso, ponen al espectador en la zona de confort. Esa es otra de las razones por las que se necesita que una persona opere las cámaras. Si todo estuviera computarizado, no habría razón para ese retraso, ya que este programa de computadora se puede coordinar a fracciones de segundos. Pero en la coordinación del ojo humano, uno tiene ese retraso, esa imperfección que hace que a uno le parezca real”.
Claro que el efímero je ne sais quoi que es la realización de una película, es otro idioma para los que hacen captura del movimiento, como lo es para los diagramadores, poner juntas todas las tomas. Ellos tienen su propio y arcano vocabulario, llamado cariñosamente The Mocabulary (el vocabulario burlesco).
-“Al realizar “Beowulf” aprendí que, como ellos ejercen una profesión completamente distinta, tienen también distinta terminología. Tuvimos que ponernos todos de acuerdo. Yo uso mucha jerga de cine al trabajar, luego de estar 25 años en la profesión. Digo cosas como ‘Bueno, desliza la cámara para este lado’, o ‘déjalo caer’ o ‘la enganchamos por la derecha’, y cosas por el estilo. Al hacerlo, me miraban atontados. Así que los llevamos a todos a una playa de estacionamiento un día, durante el almuerzo, y básicamente les dimos una lección sobre la operación de las cámaras de dos dimensiones. Les enseñamos cómo llamar las distintas tomas y toda la jerga. Les mostramos técnicas que uno daría por sabidas, como por ejemplo, al filmar sobre una plataforma rodante moviéndose hacia la derecha, uno tiene que volver la cámara hacia la izquierda para mantener al objeto dentro del cuadro. Pero al final terminamos hablando la misma lengua”- explica Zemeckis.
Otros profesionales que se usan en una filmación tradicional, son los vestuaristas o diseñadores de vestuario y los diseñadores de producción. Con el método de captura de la actuación, si bien sus servicios no se utilizan de la misma manera, son necesarios de manera diferente. El productor Starkey explica: -“Al principio, cuando empecé a realizar este tipo de película, tuve que reconocer muy rápido que mi base era la filmación tradicional. Al tratarse del vestuario o del diseño de producción, para mí era mucho más cómodo hacerlo en el mundo real, y no inventarlo en una computadora. Entonces, diseñamos la película al igual que lo hacemos para una común, y luego vuelve a ser construida en las computadoras de Imageworks. La cosa complicada en el film ‘Polar Express’ fue cómo sacar esa información de la computadora más tarde, y llevarla al escenario para nuestros actores. Investigamos el tema, y desarrollamos y armamos un elaborado sistema que hoy es de uso diario. Lo mismo sucede con el diseño de la ropa de los personajes. Contratamos a la vestuarista Gabriella Pescucci, para que crease el vestuario, y terminó diseñado la ropa para toda la película. Les pusimos la ropa a los actores, a uno por vez, les sacamos fotos que luego escaneamos y pusimos en la computadora. Esos fueron los patrones para la animación. Lo mismo sucedió con el pelo, y hasta los cuerpos. Todo se escaneó y se entró en la computadora como referencia, para poder crear los personajes finales. Todo tenía una base verdadera, en oposición a los conceptos abstractos en una computadora”.
Las únicas cosas que no fueron reales, fueron las criaturas míticas y demoníacas que aterrorizaban y seducían a los humanos. -“Para crear una criatura que no existe en este mundo, por ejemplo Grendel, debimos empezar desde cero. Primero hicimos una pequeña escultura. Luego fotografiamos y escaneamos esa escultura y la metimos en la computadora, para que fuera el patrón base de nuestro monstruo. Lo mismo hicimos con el dragón: comenzamos a trabajar con lo que es más parecido físicamente en la vida real” – explica Starkey.
Zemeckis dice que las imágenes de la película van a ser una mezcla entre la realidad y la fantasía, muy apropiada para una historia como “Beowulf”. –“Es una especie de híbrido interesante. Es casi una foto, pero no completamente real. Pienso que eso nos permite contar historias que son un poco reales pero no completamente reales, con la ventaja que nos ofrece una paleta correcta para contar historias maravillosas, fantásticas y míticas. Es interesante, cuando uno va al cine a ver una película convencional, como “Beowulf”, real en cuanto a fotografía. En algún momento uno dice: ‘mmmm, no sé, no estoy muy seguro. Los actores corriendo por todos lados con espadas de plástico, que deberían ser de metal, no sé, no sé’. Los modernos espectadores están rodeados de imágenes digitales, ya sea por la televisión o por los juegos de computadora, y las integraron a la variedad su gusto. Los cineastas tenemos una nueva paleta con qué relatar estas historias. Creo que con “Beowulf” demostramos eso”.
La paleta hasta cierto grado se refleja en la luz.
-“Hicimos tres esquemas de iluminación para la película, basándonos en cómo se vería la luz en el siglo IV dC”- dice Zemeckis - “Hay sol, pero es el sol danés de invierno, el cual tiene una luz fría y difusa. Luego hay fuego. Luego está el oro, y la reflexión de la luz en él. Esa es nuestra paleta de colores, y todo está iluminado así. Lo bueno de trabajar con computadoras, es que uno puede utilizar el fuego como la fuente de luz, o como luz de relleno. Pudimos lograr imágenes en la computadora que jamás hubiéramos podido repetir con luz eléctrica”.
Los mundos de la realización de películas por computadora, y el de la filmación tradicional, se juntan con la tecnología llamada EOG (electro-oculografía), desarrollada especialmente para “Beowulf”, por Jerome Chen y su equipo de efectos visuales en Imageworks. El ojo humano, con su forma y movimiento únicos, y su especial capacidad de trasmitir emociones, siempre fue una imagen favorita de los cineastas, y un desafío para los animadores y técnicos de captura de movimientos. Pero ese no fue el caso en “Beowulf”. Una de las grandes limitaciones que tuvieron los técnicos en el film ‘Polar Express,’ es que no podían capturar el movimiento de los ojos junto con los movimientos de la cara. La razón obvia es que no se puede poner sensores en los ojos, para captar su movimiento. Para realizar “Beowulf”, Jerome y su equipo utilizaron un electro- oculógrafo (n.de t: especie de aparato que sirve para medir la respuesta del ojo a la luz en el frente y el fondo del ojo) que les permitió captar los pulsos musculares del ojo y de los párpados, y al mismo tiempo capturar los movimientos de la cara y la actuación del cuerpo” – explica Starkey.
Al final, los redondeles, los trajes de hombre rana, el electro-oculógrafo, y toda la tecnología utilizada, desaparece. “Beowulf” tiene imágenes perfectas, y a través de ellas el público puede seguir las aventuras aleccionadoras del héroe.
La abrumadoramente popular respuesta al lanzamiento de la película tridimensional “The Polar Express”, el primer film en el que se usó la captura de movimientos, convenció a los cineastas de realizar otras películas con el mismo proceso. -“Tras lanzar ‘Polar Express’ en tridimensional, y ver el recibimiento positivo que tuvo, nos comprometimos a realizar todas nuestras películas en tridimensional”- dice el productor Starkey -“Nuestros filmes, utilizando la captura de la actuación, son enteramente tridimensionales. Pueden ser presentados en formato tridimensional sin demasiada dificultad”.
Lo más impresionante de ver una película tridimensional, continúa diciendo Starkey, es que: -“Dada la naturaleza de la experiencia tridimensional, el público se siente sumergido en la escena que están viendo, y estimulado por la escala y la profundidad de las imágenes. La película parece ser el espacio que rodea al espectador”. En Imageworks, el equipo dedicado a las películas tridimensionales estereoscópicas, liderado por el supervisor de efectos estereoscópicos y digitales, Rob Engle, y el productor senior de efectos visuales Buzz Hays, mejoró cada cuadro de la película, para crear la mejor presentación tridimensional.
“Beowulf” es la más grande presentación tridimensional jamás realizada en película, inclusive en los formatos IMAX 3D, Real D y Dolby 3D Digital Cinema, que se podrán ver en más de 700 salas especiales a través del país. Al igual que sucedió con el film “Polar Express”, la gente que vea “Beowulf” en las salas de proyección tradicional de 2 dimensiones, no saldrá decepcionada. -“Yo ví ‘Polar Express’ en ambos formatos, y pienso que verla en dos dimensiones fue tan excitante como ver cualquier otra película en años recientes. Creo que “Beowulf” va a ser igualmente espectacular”.
No importa en qué formato la gente vea la película, -“espero que sea una película para todos. Trata de una historia humana sofisticada, de gran acción y con muchos temas de resuenan. Pienso que tiene todo lo que sucede en el mundo a nuestro alrededor”- continua diciendo Zemeckis -“gloria, poder y oro, la batalla eterna entre el bien y el mal: todo lo cual nos rodea y nunca se acaba”.


LA HISTORIA DE “Beowulf” EN RESUMEN

“Beowulf: La Leyenda” es un poema de 3.000 versos. La historia que cuenta sucede en el siglo VI después de Cristo. Se basa en una batalla sobre la que existen evidencias. Aunque toda la historia sucede en Dinamarca, era contada por los anglosajones del norte de Inglaterra, doscientos años después de los hechos. Los anglosajones no se consideraban británicos, sino vikingos, y todos sus héroes eran escandinavos.
No se conoce al verdadero autor de “Beowulf”. El poema original está escrito en finas hojas de cuero. Durante los siguientes doscientos años, fue copiado y vuelto a copiar cantidad de veces. Al llegar los años 900, el poema formaba parte de un volumen que también contenía la historia de San Cristóbal, una colección de extravagantes relatos del Lejano Oriente, más una supuesta carta de Alejandro Magno y un poema sobre la heroína bíblica Judit.
El libro fue parcialmente quemado, el 23 de Octubre de 1731, durante un incendio de la Biblioteca Cotton, que tenía la colección más grande de literatura en la Edad Media. El documento mismo quedó bastante chamuscado, pero la reputación del poema sufrió en los siguientes años. Estaba escrito en ingles antiguo, y se consideraba que la mezcla que hacía entre los temas paganos y cristianos, era demasiado confuso. Como estructura, se consideraba imperfecto, ya que tenía tres antagonistas en vez de uno. El último de ellos, separado de los otros dos por más de medio siglo.
Además, “Beowulf” no rima. En vez, tiene sonidos consonánticos. No tiene métrica de versos yambos, porque para los narradores anglosajones, no importaba cuántas sílabas tenía un verso, siempre y cuando fuera corto y tuviera al menos tres sonidos repetitivos en él (n.de t: P. Ej.: el ruido rutilante de la rocas rotas). Comparado con otros grandes poemas antiguos, como la “Odisea” de Homero, o la “Eneida” de Virgilio, “Beowulf” simplemente parece ser una muy mala poesía. Aún peor, el heroísmo y la moralidad de la historia se centran en un hombre que lucha contra monstruos. Los estudiosos, simplemente no podían tomar seriamente a un poema que hablaba de troles (n.de t: criaturas escandinavas que viven en cuevas) y de dragones.
Llegado el siglo XX, “Beowulf” fue vuelto a considerar nada menos que por el escritor J.R.R. Tolkien, autor de “The Hobbit” y del “Señor de los Anillos”. En su ensayo de “Beowulf” de 1936, titulado “Beowulf: El Monstruo y los Críticos”, Tolkien escribió que el problema que todos tenían con “Beowulf” no tenía nada que ver con su calidad, sino con la injusta comparación que hacían del poema con los de Homero y Virgilio. “Beowulf”” no seguía las reglas de la poesía épica creada por los antiguos griegos y romanos. Pero eso se debía a que era un cuento escandinavo que tenía su propia métrica: No era mejor ni peor, simplemente distinto. Contrariamente a todos los estudiosos de su época, Tolkien afirmó que los 50 años de diferencia entre la pelea con la madre de Grendel y la batalla con el dragón era lo que daba al poema su grandeza. “Beowulf”, escribió, “no es la historia de un joven héroe que triunfa y bate a los monstruos, tampoco se trata de un rey que muere tratando de matar un dragón. Es más bien, la historia de un hombre, que alguna vez había sido joven e invencible, y luego a sabiendas enfrenta su trágica muerte. Justamente esas dos partes de la historia son lo que hacen que la historia funcione”.
Sin la re-evaluación de Tolkien, “Beowulf” hubiera sido un texto oscuro, leído sólo por candidatos al doctorado especializado en literatura medieval inglesa. Hoy el poema se leen en las escuelas superiores de todo el país. Tolkien no sólo revivió la reputación del poema, sino que lo imitó en sus propias obras. El capítulo de título Two Towers, en "The King of the Golden Hall”, sale del principio del poema “Beowulf”. El dragón que exhala fuego por la boca en “Beowulf”, y que se enfurece cuando un ladrón le roba su tesoro, es luego copiado en el clímax de The Hobbit.
Otros escritores utilizaron al poema en su propia literatura. John Gardner, en 1971 escribió la novela Grendel, que era el pensamiento filosófico del monstruo sobre el carácter aleatorio de la vida. Michael Crichton, en Jurassic Park, tomó todos los monstruos de la historia, y con ellos tejió una fantasía histórica, llamada Eaters of the Dead.
Extractado del ensayo de Jason Tondro, Ph.D., Número#3 de “Beowulf”
serie de libros de Cómic de IDW Publishing”.

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