“Encontramos nuestro propio sentido del mundo y lo creamos desde cero”
Ralph Eggleston, Diseñador de Producción

De acuerdo con el productor Morris, “el mayor desafío general de este film, desde mi punto de vista, fue el diseño de producción y el aspecto de nuestros sets y entornos. Sabíamos cuando comenzamos que íbamos a necesitar una futura encarnación de la Tierra en estado de abandono, pero era enormemente complicado conseguir los detallados rincones e imaginar las fisuras. El diseño de la nave Axioma y los entornos del espacio también fueron difíciles, pero contábamos con un cuerpo mayor de material para investigar y aprender de esos elementos. Ralph y su equipo hicieron un trabajo sorprendente al crear mundos entretenidos y misteriosos que se convirtieron en personajes por derecho propio y ayudaron a Andrew a contar la historia que deseaba contar”.

“Una de las grandes cosas que hace Pixar”, explica Eggleston, “es que creamos filmes animados que también poseen elementos de filmes con efectos especiales y de acción en vivo. Encontramos nuestro propio sentido del mundo y lo creamos desde cero. En WALL•E, lo esencial era que el público creyera en este mundo; de lo contrario les resultaría difícil creer que nuestro protagonista es verdaderamente el último robot en la Tierra. Entonces comenzamos a hacer nuestro entorno en la Tierra muy realista, con un gran nivel de detalle. Creamos cerca de seis millas de paisaje urbano de forma tal que, dondequiera que WALL•E vaya, sabemos exactamente dónde es y que ese mundo realmente existe. Terminamos estilizándolo un poco para la animación, pero son los sets más realistas que se han creado en Pixar. Y desde el punto de vista artístico, esa fue la tarea más difícil”.

Agrega el diseñador de producción: “Otro de nuestros objetivos en este film fue utilizar el color y la iluminación para enfatizar las emociones de WALL•E y ayudar al público a conectarse con ellas. El Primer Acto se trata de romanticismo y emotiva iluminación, el segundo versa más sobre la esterilidad, el orden y la limpieza, la antítesis del primero. A medida que transcurre el film, lenta pero inexorablemente se introduce el romanticismo. Gran parte de mi trabajo ha sido llevar todas esas disparatadas ideas desde el departamento de arte y a través de la producción”.

Para crear la visión del espacio exterior de WALL•E, Eggleston y su equipo se inspiraron en las vistas idealizadas del futuro de los científicos de la NASA de los años 50 y 60, así como en las ilustraciones de Tomorrowland en Disneyland.

“Una de las mayores influencias en mí y en todos, al crear nuestra visión del futuro, fueron las ilustraciones creadas para Tomorrowland”, explica Eggleston. “No era lo específico, sino más bien la noción de ‘¿Dónde está mi propulsor?’ Cuando miras muchas de las pinturas de programas espaciales de los años 40, 50 y 60, se ven imágenes fantásticas de edificios en Marte. Alrededor de 1978 dejaron de hacerlo porque no iban a financiar algo que sabían que no podrían hacer. Nos interesaba mostrar cómo podría ser el futuro: nada grandioso. Eso era lo que deseábamos transmitir a través de mucho del diseño de este film”.

La inspiración para el diseño de la nave Axioma provino de investigar lujosos barcos cruceros, incluidos los operados por Disney. Los viajes a Las Vegas también ayudaron a sugerir iluminación práctica para lujosos entornos artificiales.

“El concepto original de la nave Axioma deriva de una línea de cruceros”, cuenta Eggleston. “Diseñamos una nave espacial masiva tan grande como una ciudad, de varias millas de largo, y capaz de albergar a cientos y cientos de residentes. Sabíamos que el público necesitaría algún tipo de anclaje visual, así que lo ubicamos al lado de una nebulosa. Cuando se ve por primera vez la nebulosa, recuerda a una montaña con algo en la cima, y luego se revela la nave Axioma”.









AVANZANDO EN EL ARTE DE LA ANIMACIÓN COMPUTADA:
EL ACLAMADO FOTÓGRAFO ROGER DEAKINS Y EL PIONERO DE LOS EFECTOS ESPECIALES DENNIS MUREN, ASESORES DE WALL•E

“Una de las cosas que Andrew deseaba hacer con WALL•E era crear una apariencia diferente de la que estamos acostumbrados a ver en filmes animados”, recuerda el productor Morris. “Con mucha frecuencia, los filmes animados dan la sensación de que son grabados en algún tipo de espacio de computadora. Nosotros deseábamos que este film brindara la sensación de que los realizadores, habían ido con cámaras verdaderas a aquellos lugares para filmar lo que estamos viendo. Queríamos artefactos de fotografía y que parecieran reales, más granulados que lo que tienden a ser los filmes animados. A lo largo de los muchos años que trabajé en ILM, conocí a varias personas que me ayudaron mucho en eso”.

Morris invitó a dos de los mejores realizadores en sus respectivos campos a que hicieran una visita a Pixar para asesorar en el film. El fotógrafo Roger Deakins (No Country for Old Men, The Assassination of Jesse James by the Outlaw Robert Ford, Fargo, O Brother Where Art Thou?), siete veces nominado al Oscar® y conocido por sus frecuentes trabajos junto a los Hermanos Coen, brindó su experiencia en la iluminación y cámaras. El reconocido mago de los efectos visuales y seis veces ganador del Oscar® Dennis Muren (Star Wars, Indiana Jones, Terminator 2, Jurassic Park, The Abyss, Twister) ofreció asesoramiento en efectos visuales y en la creación de una adecuada imagen de atmósfera.


“En el aspecto final del film hay pequeñas imperfecciones que apuntan a su credibilidad”
Jim Morris, Productor

“Tanto Roger como Dennis estuvieron brindando sus perspectivas e ideas sobre cómo debían verse y sentirse las cosas”, recuerda Morris. “En realidad trajimos algunas cámaras Panavision de los años 70, similares a las utilizadas para filmar la Star Wars original, y filmamos algunas imágenes para lograr la sensación de la clase de fotografía que creaban esas lentes. Observamos algunos aspectos técnicos como la desviación cromática, la distorsión y demás imperfecciones, y tomamos lo que habíamos aprendido para aplicarlo a nuestra fotografía de gráficos por computadora. Dennis y Roger resultaron fundamentales al ayudarnos a obtener ese aspecto. Por ejemplo, sus consejos sobre fotografía, iluminación y composición nos ayudaron a crear el austero, áspero y reluciente paisaje de la Tierra en el primer acto”.

La experiencia de Morris en la acción en vivo y en la realización de efectos visuales también ayudó a los realizadores a lograr su deseo de que la película diera la sensación de que había sido filmada y no grabada. “Le expliqué al equipo técnico que cuando uno filma en el mundo real, la lente suele estar cerca de tres pies delante del plano del film y el cambio de perspectiva se consigue al seguir a un objeto o al inclinar el enfoque. Ellos tomaron esta información y volvieron con imágenes que se veían en un cincuenta por ciento más parecidas a una imagen fotografiada. El resultado da la sensación de que hubo un cameraman, lo opuesto a estar en un espacio virtual donde todo es prístino. En el aspecto final del film hay pequeñas imperfecciones que apuntan a su credibilidad”.

Como director de fotografía para cámara, Jeremy Lasky contribuyó a elevar el film a un nivel aun más alto. “Avanzamos con nuestra cámara y tecnología de iluminación para darle al film la sensación de que había una cámara y lentes que filmaban la acción. Utilizamos una proporción de aspecto de pantalla ancha y poca profundidad de campo para darle una verdadera riqueza a la fotografía. Van a notar fondos fuera de foco y capas de focos más texturadas en algunas de las tomas, para crear composiciones casi como acuarelas. También utilizamos muchas tomas de cámara en mano o de steady-cam, en especial en el espacio, para hacer que el público sintiera que eso puede pasar realmente, y que este es un verdadero robot que se mueve en un mundo real. La sensación es la de ser testigos de cómo se desarrolla esta escena. Para nosotros, una de las grandes innovaciones de este film, por primera vez en Pixar, fue que logramos previsualizar la iluminación clave antes de filmar, de modo de tener una idea mucho mejor de cómo se vería el cuadro final del film. En el pasado, carecíamos de información sobre iluminación en esta etapa de la producción”.

Danielle Feinberg fue la directora de fotografía para la iluminación. El aclamado cineasta Roger Deakins (No Country for Old Men, The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford) y el legendario especialista en efectos visuales ganador del Oscar® Dennis Muren se desempeñaron como asesores.

Concluye Morris: “Cuando vi el film terminado, viví uno de esos momentos en los que pensé: ‘¡Nunca he visto una película como esta!’ Sentí como si lo estuviara viendo con nuevos ojos”.



MÚSICA PRÁCTICA:
THOMAS NEWMAN Y PETER GABRIEL CREAN COMPOSICIONES CÓSMICAS

Andrew Stanton y el compositor se llevaron muy bien en su primera colaboración, Buscando a Nemo, así que parecía natural que los dos se reunieran para un bis en WALL•E. Con énfasis en la narrativa visual y en menos diálogo, la música desempeña un rol más importante que lo usual ayudando a los realizadores a crear estados de ánimo y a comunicar su historia. Newman colaboró con la leyenda del rock’n’roll Peter Gabriel en una canción llamada “Down to Earth”, la cual brinda al film un entretenido epílogo musical.

Observa Stanton: “Trabajar con Tom siempre ha sido uno de mis sueños. Hace mucho que soy fanático de su música por su originalidad. Recuerdo que la primera vez que le hablé sobre este nuevo proyecto fue la noche de los Premios Oscar® 2004, cuando él estaba por Nemo. Le dije que tenía esta idea para un film, que comprendía tanto Hello Dolly como ciencia-ficción. Me preguntaba si después de eso él me hablaría. Resultó que la música de Hello Dolly fue compuesta por el legendario tío de Tom, Lionel Newman, así que, en un sentido, todo quedaba en familia”.

“Lo que está garantizado cuando trabajas con Tom es que vas a lograr algo que no es convencional”, asegura Stanton. “Cuando solicitas algo que proviene de un lugar convencional, como el género de ciencia-ficción, sabes que vas recibir algo con una ligera variación. Su música siempre les brinda a los filmes un especial sello de identidad y la sensación es la de escuchar algo que nunca antes hemos escuchado. Para WALL•E, encontró un nivel completamente nuevo de belleza, majestuosidad y escala, más allá de lo que yo hubiera podido imaginar”.


“En la animación, el estado de ánimo se hace presente en pequeños incrementos del tiempo, a veces segundos”.
Thomas Newman, Compositor

Una de las cosas que Stanton más admiró del trabajo de Newman en WALL•E fue su habilidad para captar los temas tanto del inabarcable espacio exterior como de la intimidad de la relación entre los dos robots protagonistas.

“Con su música, Tom logró comunicar la sensación del mundo que estábamos creando”, señala Stanton. “En el primer acto hay una escena donde lo vemos a WALL•E cumplir con su rutina diaria; allí el aspecto es de un mecanismo de reloj. La música tiene un ritmo como de fábrica, casi con un débil silbido, como si alguien silbara mientras hace su trabajo. Tom siempre es capaz de encontrar la verdad en esos momentos. Y con su estilo único de agregados y mezclas luego de grabar con la orquesta, surge una fresca paleta de sonidos. Él posee una verdadera habilidad natural para hallar la emoción íntima de una escena. Creo que es por eso que congeniamos tanto, debido a mi inclinación natural para enfatizar el aspecto emocional de la narrativa”.

Agrega Newman: “Escribir música para un film animado es muy diferente del trabajo para la acción en vivo. En la animación, los estados de ánimo surgen en pequeños incrementos del tiempo, a veces segundos. Un estado de ánimo y... ‘boom’, ocurre una acción. En Nemo aprendí que no podíamos crear un estado de ánimo predominante y sostenerlo durante mucho tiempo. Trabajar en animación requiere hacer transiciones, y se trata de cómo la música pasa de un sentimiento a otro”.

“Mi música tiende a seguir modelos, a repetirse, de modo que me gusta juntarme con un percusionista o un guitarrista que puedan tomar esos modelos, hacerles agregados y que resulten sónicamente interesantes”, explica Newman. “A menudo, si tienes frases repetidas, estas permiten que el oído perciba colores que ensanchan nuestra percepción del sonido y de la música. Lo que a mí me interesa de la música es su profundidad”.


“Tom fue a Londres a ‘improvisar’ con Peter y fue como un tumultuoso romance”
Andrew Stanton, Director/Coautor

Para la canción “Down to Earth”, la que se escucha al final del film, Stanton tuvo la oportunidad de colaborar con otro de sus héroes musicales: Peter Gabriel. Profundamente fanático de esta leyenda del rock desde que tenía 12 años, Stanton se contactó con Gabriel para que escribiera una canción que fuera esencial en la conclusión de la historia.

Recuerda Stanton: “Trabajar con Peter ha sido uno de los mayores hitos de mi carrera profesional. Cuando se aproximaba el final, de film, yo sabía que necesitaríamos agregar algunos puntos adicionales a la historia, así como crear algo que transmitiera un sentimiento global, abarcador. De pronto, se me ocurrió que Peter es el padre de la música mundial en gran parte de Occidente. La idea de juntarlos a él y a Tom en una habitación para ver qué se les podría ocurrir, me sedujo completamente. Tom fue a Londres a “improvisar” con Peter y fue como un tumultuoso romance. De pronto surgió una canción de Thomas Newman/Peter Gabriel llamada ‘Down to Earth’, que superó ampliamente mis sueños más alocados. Las letras de Peter son engañosamente simples, pero muy exactas. Me emocioné al escuchar la letra de esta canción porque era muy inteligente y encajaba muy bien. Era característica de Peter Gabriel y, sabiendo que estaba basada en la historia que yo había escrito, con mis propias asociaciones… realmente me partió la cabeza”.

“Suena mucho como una canción de Peter Gabriel, pero está conectada con la sensibilidad de Tom”, describe Stanton. “Tom se sintió tan inspirado por la canción que volvió al film y re-grabó ciertos momentos clave para incluir algunos de los mismos temas. Realmente brinda la sensación de ser completamente orgánica y esencial al film”.

LOS REALIZADORES

ANDREW STANTON (Director/Guionista/ Vicepresidente Creativo, Pixar Animation Studios) es una importante fuerza creativa en Pixar Animation Studios desde 1990, cuando se convirtió en el segundo animador y noveno empleado en unirse al grupo de elite de pioneros de la animación computada de la compañía. Como Vicepresidente Creativo, actualmente dirige y supervisa las iniciativas de desarrollo de todas las películas y cortos del Estudio.

Stanton debutó como director con la realización que batió records, Buscando a Nemo, una historia original de él, la cual también escribió. El film le valió dos nominaciones al Premio Oscar® (Mejor Guión Original y Mejor Film Animado) y fue premiado con un Oscar a la Mejor Realización Animada de 2003, el primer premio de esta categoría que Pixar Animation Studios recibió por un largometraje.

Stanton fue uno de los cuatro guionistas que recibió una nominación al Oscar® 1996 por su contribución a Toy Story, y luego recibió créditos como guionista en cada uno de los filmes de Pixar: Bichos, Toy Story 2, Monsters, Inc. y Buscando a Nemo. Además, fue co-director de Bichos y productor ejecutivo de Monsters, Inc. y de Ratatouille, ganador del Premio Oscar 2008.

Nacido en Rockport, Mass., Stanton obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en Animación de Personajes del California Institute of the Arts (Cal Arts), donde completó dos filmes como estudiante. En los años 80, lanzó su carrera profesional en Los Angeles como animador del estudio Kroyer Films de Bill Kroyer y como escritor de la producción de Ralph Bakshi, Mighty Mouse, The New Adventures.


JIM MORRIS (Productor/ Vicepresidente Ejecutivo de Producción, Pixar Animation Studios) llegó a Pixar Animation Studios en 2005 y es el responsable de manejar la producción de las realizaciones cinematográficas, cortometrajes, contenidos de DVD y actividades de los parques temáticos del Estudio. También supervisa varios departamentos de producción en Pixar, como Historia, Arte, Edición, Animación, Sombreado, Iluminación y Dirección Técnica.

Antes de unirse a Pixar, Morris ocupó una gama de puestos clave en varias divisiones de Lucasfilm Ltd. Fue Presidente de Lucas Digital Ltd., donde manejó sus dos divisiones: Industrial Light & Magic (ILM) y Skywalker Sound. Como Gerente General de ILM durante más de diez años, supervisó el personal compuesto por más de 1.400 artistas y técnicos y guió la instalación de efectos visuales más grande de la industria del entretenimiento.

Durante su gestión, ILM creó los renovadores filmes Jurassic Park (ganador del Premio Oscar® a los efectos visuales), Death Becomes Her y Forrest Gump. Entre otros de sus proyectos notables bajo su gerencia se cuentan: Mission: Impossible, Twister, Saving Private Ryan, Star Wars: Episode I and II, The Perfect Storm, Pearl Harbor, Minority Report, Pirates of the Caribbean, Master and Commander y los primeros tres filmes de Harry Potter.

Morris se unió a ILM en 1987 como productor de efectos visuales para filmes y comerciales. Luego fue ascendido al puesto de ejecutivo a cargo de la producción, también en ILM, donde supervisó toda la producción de la compañía. Entre sus créditos en la producción se cuentan The Abyss (Oscar® al Mejor Logro en Efectos Visuales) y Always.

Antes de entrar en ILM, fue productor ejecutivo de Arnold & Associates, donde supervisó las tres oficinas de la compañía y produjo comerciales nacionales para clientes como Atari y Chevron. Anteriormente había sido ejecutivo de One Pass, donde dirigió el departamento de producción comercial. También se desempeñó en los departamentos de producción de J. Walter Thompson y de Foote, Cone & Belding en San Francisco. Trabajó como productor y director de la subsidiaria de PBS,WCNY-TV, y comenzó su carrera como cameraman y editor en la subsidiaria de NBC, WSYR-TV.

Morris fue honrado con el premio Digital 50 del Producers Guild of America y con el premio otorgado por el Directorio de la Visual Effects Society. Actualmente es presidente de la San Francisco Film Commission. Tiene una licenciatura en Cine y un master en Televisión y Radio, otorgados por la Newhouse School de la Syracuse University.


LINDSEY COLLINS (Co-Productora) se incorporó a Pixar Animation Studios en 1997 y ha trabajado en una variedad de puestos en la producción de filmes como Bichos, Toy Story 2, Buscando a Nemo y Ratatouille. También brindó la voz del personaje de Mia en el estreno de Pixar de 2006, Cars.

Antes de Pixar, Collins trabajó en Disney Feature Animation durante tres años, manejando equipos creativos de los filmes Pocahontas, El Jorobado de Notre Dame y Hércules.

Collins obtuvo una Licenciatura en Diplomacia y Asuntos Mundiales en el Occidental College de Los Angeles. Actualmente vive en Oakland, California, junto a su esposo y sus dos niños.


Transitando sin esfuerzo desde el drama o la sátira mordaz hasta los clásicos de época o la animación, THOMAS NEWMAN (Compositor) está cimentando una sorprendente tradición familiar en Hollywood. Con un variado conjunto de trabajos que le han granjeado el elogio de realizadores como Robert Altman o Gillian Armstrong, hasta ahora Newman ha obtenido ocho nominaciones al Premio Oscar ® por su trabajo en el cine. Fue el único doblemente nominado en la carrera de los Oscars 1994: por Little Women y por The Shawshank Redemption; y desde entonces ha recibido nominaciones por sus composiciones para Unstrung Heroes, American Beauty, Road to Perdition, Buscando a Nemo, Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events y, más recientemente, The Good German. También obtuvo un premio Emmy® al Tema Musical Principal Sobresaliente, por su trabajo para el premiado drama de HBO, “Six Feet Under”.

Desde los comienzos del cine sonoro, el apellido Newman se convirtió en parte esencial de la evolución de la música para el cine. Thomas es el hijo más joven del legendario Alfred Newman, cuarenta y cinco veces nominado y nueve veces ganador del Premio Oscar. Como director musical de 20th Century Fox desde mediados de los años 30 hasta principios de los 60, fue responsable de la supervisión y composición de toda la música creada para más de 200 filmes. Su tío Lionel fue compositir y director musical de estudio, con más de cincuenta músicas de filmes en su haber. Su hermana Maria es una aclamada concertista de violín; su hermano David musicalizó más de sesenta filmes; y su primo Randy es un admirado compositor de música pop y de música cinematográfica, quien tuvo a cargo la musicalización de las primeras cuatro realizaciones de Pixar.

Newman estudió composición y orquestación en USC y completó su formación académica en Yale. Su mayor mentor, Stephen Sondheim, de Broadway, se sintió profundamente impresionado por la originalidad de Newman y lo incentivó en uno de sus primeros trabajos, la pieza teatral musical Three Mean Fairy Tales, la cual gozó de una producción de taller cortesía de la Fundación Stuart Ostrow.

Newman también se ganó el apoyo de un joven agente de reparto de Nueva York, Scott Rudin, quien en 1984 lo incluyó en el film Reckless, del director James Foley, como asistente musical. Muy pronto, sus iniciativas en cuento al proyecto elevaron al joven Newman a la posición de compositor: a los 29 años ya había musicalizado con éxito su primer film.

La reputación de Newman a causa de su originalidad y su manera de intensificar el estado de ánimo y los personajes creció rápidamente a través de su trabajo en los filmes Desperately Seeking Susan, The Lost Boys, Scent of a Woman, Citizen Cohn, y en más de 40 realizaciones, como Meet Joe Black, The Horse Whisperer, Up Close and Personal, Phenomenon, The People vs. Larry Flynt, In the Bedroom, Pay It Forward, Erin Brockovich, Red Corner, How to Make an American Quilt, The Green Mile, Jarhead, Cinderella Man, Fried Green Tomatoes y, más recientemente, Little Children y Towelhead. Newman también compuso la música de la elogiada miniserie de HBO de seis horas de duración “Angels in America”, dirigida por Mike Nichols. También se le encargó la creación de una pieza sinfónica única de siete minutos de duración: el resultado fue “Reach Forth Our Hands”, dedicada a la ciudad de Cleveland en conmemoración de su bicentenario, en 1996.


PETER GABRIEL (Compositor), ganador de múltiples premios Grammy® , fue el co-fundador del grupo Genesis en 1966, el cual produjo siete álbumes hasta la partida de Gabriel en 1975. El músico retomó la actividad musical al año siguiente y desde entonces ha lanzado como solista 11 álbumes, incluyendo los exitosos sencillos “Shock the Monkey,” “Sledgehammer,” “Big Time” and “In Your Eyes.” También ha compuesto música para el cine, en Birdy, The Last Temptation of Christ y Rabbit Proof Fence. Su video “Sledgehammer” fue votado el mejor de todos los tiempos y su trabajo interactivo “Eve,” obtuvo el Milia D’Or a los Multimedios.
Este músico, empresario y activista ha recibido también el premio Man of Peace, presentados por los laureados con el Premio Nobel, y es Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. También fue honrado con varios premios a la trayectoria y con el premio BT’s Digital Music Pioneer Award.

Gabriel fundó WOMAD (World of Music Arts and Dance) en 1980 y presentó más de 150 festivales en más de 40 países. Además, la Fundación WOMAD ha brindado educación y talleres en numerosas escuelas.
La labor de Gabriel en el área de los Derechos Humanos comprende la coordinación y participación en la gira 1988 de Human Rights Now Tour, con Amnesty International. En 1989 co-fundó Witness.org a fin de proveer cámaras y computadoras a los activistas de los Derechos Humanos; de hecho, Witness fue pionera en la adopción de video y de tecnologías online en campañas de Derechos Humanos. Ahora acaba de ser lanzado The Hub, el cual brinda una plataforma de video para Derechos Humanos en todo el mundo (un YouTube para Derechos Humanos). En 2000, Gabriel co-fundó junto a Richard Branson Elders.org, lanzado por Mandela en 2007. Los intereses comerciales de Gabriel han estado orientados hacia el campo de la música, los medios y la tecnología. En 1987 fundó el grupo de compañías Real World: Real World Studios, Real World Records, y luego Real World Multi Media y Real World Films. En 1999 co-fundó OD2 (On Demand Distribution), líder en Europa de plataformas de distribución de música online. En 2005 adquirió junto a David Engelke Solid State Logic, la fábrica líder en el mundo de consolas de mezclado para grabación musical, transmisión y post-producción. También fundó thefilter.com y We7.com.


EL REPARTO

JEFF GARLIN (Capitán) abarca con su talento tanto la escritura como la producción, dirección, la actuación e interpretación de comedia stand-up.

Co-protagoniza y es el productor ejecutivo de la serie de HBO "Curb Your Enthusiasm". Esta singular comedia tiene como protagonista al creador de "Seinfeld" Larry David, mientras que Garlin interpreta a su leal gerente. La serie fue elogiada por la crítica y recibió numerosos premios, entre ellos el Globo de Oro® a la Mejor Comedia, el premio Danny Thomas al Productor del Año del Producers Guild of America, y el premio AFI a la Mejor Serie de Comedia del Año.

Nacido y criado en Chicago y en South Florida, Garlin estudió realización cinematográfica y comenzó a interpretar comedia stand-up mientras estaba en le Universidad de Miami. Realizó giras por el país como comediante stand-up, es ex alumno del Second City Theatre de Chicago y escribió y protagonizó tres aclamados espectáculos unipersonales: I Want Someone to Eat Cheese With, Uncomplicated y Concentrated. Recientemente, Garlin estrenó su primer film, I Want Someone to Eat Cheese With, elogiado por la crítica. También dirigió "Curb Your Enthusiasm" y a Jon Stewart (Unleavened) y Denis Leary (Lock-n-Load) en sus especiales de HBO.

Garlin posee numerosos créditos como actor en el cine, entre ellos un papel protagónico junto a Eddie Murphy en la comedia Daddy Day Care. Recientemente finalizó la comeida Fox Atomic “The Rocker”, junto a Rainn Wilson y Christina Applegate.


FRED WILLARD (Shelby Forthright) dio comienzo a su carrera como integrante del reconocido The Second City de Chicago. Su improvisación en el film Best in Show le valió el premio de la Boston Society of Film Critics al Mejor Actor de Reparto, el premio American Comedy a las Interpretaciones Más Cómicas de un Actor de Reparto, nominaciones al Mejor Actor de Reparto del New York Film Critics y del National Film Critics Society y el premio Official Selection de la AFI.

Sus créditos en la pantalla televisiva incluyen su papel más reciente junto a Kelsey Grammer y Patricia Heaton en la comedia de FOX “Back to You.” Recibió tres nominaciones al premio Emmy® por su papel recurrente en “Everybody Loves Raymond,”y también recibió una nominación al premio Daytime Emmy al Mejor Conductor de Talk Show Diurno por "What's Hot What's Not." Co-protagonizó la sátira de talk-show, el innovador clásico de culto de Norman Lear “Fernwood 2Night” y desempeñó papeles recurrentes en “Ally McBeal,” “The Simpsons” y “Mad About You.” Además, cuenta con más de 90 participaciones en “The Tonight Show with Jay Leno.”

Por su trabajo en el cine, Willard ganó una nominación al premio American Comedy y otra al Screen Actors Guild® al Actor Más Cómico por su labor en Waiting for Guffman. Sus créditos en el cine incluyen también This Is Spinal Tap, Roxanne, The Wedding Planner, How High, American Wedding, A Mighty Wind y Anchorman: The Legend of Ron Burgundy.

Willard también posee créditos en la escena teatral, entre ellos, actuaciones en el off-Broadway en Little Murders, dirigida por Alan Arkin, y en Arf, dirigida por Richard Benjamin. Entre sus papeles en el teatro regional se incluyen Call Me Madam en Chicago y los musicales Promises, Promises, con Jason Alexander, y Anything Goes”con Rachel York, ambos en Los Angeles. Protagonizó Isn't It Romantic, de Wendy Wasserstein y Elvis and Juliet, en el off Broadway, escrita por su esposa Mary Willard. Fred Willard: Alone at Last!, un espectáculo unipersonal con 12 personajes, recibió los premios de Los Angeles Artistic Director al a Mejor Comedia y a la Mejor Dirección.


JOHN RATZENBERGER (John) es un consumado director, productor y actor varias veces nominado al premio Emmy®, con notables credenciales como empresario y filántropo. Si bien es reconocido por el público internacional por su papel del cartero Cliff Calvin en “Cheers,” el cual lo hizo merecedor de dos nominaciones al premio Emmy, es el único actor que ha prestado su voz en todos los filmes de Disney•Pixar. En verdad, sus personajes han sido memorables: el encantador e ingenioso cerdito Hamm en Toy Story (también en Toy Story 2 y en la próxima Toy Story 3), P.T. Flea en Bichos, Yeti el monstruo de nieve en Monsters, Inc., el cardumen de lampris en Buscando a Nemo, Underminer, el personaje filosófico en Los Increíbles, el camión Mac en Cars y Mustafa, el jefe de camareros en Ratatouille.

Ex-carpintero, instructor de arquería, artista de carnaval y pescador de ostras, Ratzenberger creció en Bridgeport, Connecticut. Especializado en Literatura Inglesa en la Universidad de Sacred Heart, luego de su graduación protagonizó sus propios unipersonales mientras dirigía otros. Pasó diez años en Inglaterra como co-fundador del dúo de improvisación Sal’s Meat Market, obtuvo elogios en Europa y una beca del British Arts Council. A comienzos de su carrera, participó en más de 22 películas, entre ellas, A Bridge Too Far, Superman, Gandhi y Star Wars: The Empire Strikes Back. También protagonizó la serie de Granada TV “Small World,” y se forjó como productor y autor de la BBC, Granada TV y otras prestigiosas compañías teatrales.

En 1982 John realizó una audición para un papel en “Cheers” y les hizo una sugerencia a los escritores: la inclusión de un parroquiano de bar que todo lo sabe. Así nació el personaje de Cliff Clavin y el equipo de “Cheers” inmediatamente re-escribió el piloto para incluirlo. Durante once temporadas de “Cheers”, John continuó improvisando muchos de sus parlamentos, lo que contribuyó a la frescura y popularidad de un programa que ganaría 28 premios Emmy®. Con el programa ahora sindicalizado en todo el país, Cliff Clavin sigue siendo uno de los personajes más amados de la televisión.

Ratzenberger ha repetido su papel de Cliff Clavin in “Frasier,” “The Simpsons,” “Blossom,” “Wings,” “St. Elsewhere” y en ocho especiales de NBC. Como consumado actor de carácter, ha actuado en “8 Simple rules,” “That ‘70s Show,” “Sabrina the Teenage Witch,” “Murphy Brown,” “The Love Boat,” “Magnum P.I.”y “Hill Street Blues.” Entre sus numerosas pelícuals televisivas, ha desempeñado papeles protagónicos en “The Pennsylvania Miners Story” de ABC, “A Fare To Remember,” “Remember Wenn,” “The Good Soldier," de PBS Masterpiece Theater y en “Song of a Sourdough” y “Detectives” de la BBC. Sus éxitos en la animación cinematográfica llegaron a la pantalla de televisión en la prolongada serie de TBS “Captain Planet and the Planeteers” y en “The New Adventures of Captain Planet.” Recientemente fue favorito de sus seguidores en el exitoso programa de ABC “Dancing With The Stars.”

Actualmente, Ratzenberger está cumpliendo con la gira por los festivales de cine, promocionando The Village Barbershop, un film que ganó el Premio del Público en el Festival Cinequest. Recientemente comenzó la quinta temporada de su popular serie de Travel Channel “John Ratzenberger’s Made in America”, creada en 2004 para exhibir productos fabricados en los Estados Unidos; una causa que lo mantiene sumamente activo. Su organización sin fines de lucro, llamada Nuts, Bolts, and Thingamajigs Foundation, se propone restaurar la estima y la dignidad de las actividades manuales e industriales, así como inspirar a las próximas generaciones de artesanos, ingenieros, reparadores y operarios especializados de los Estados Unidos.


KATHY NAJIMY (Mary), votada por Ms Magazine “La Mujer del Año 2005”, es una consumada estrella de cine, televisión y teatro, con créditos que abarcan desde el papel de la Hermana Mary Patrick en Sister Act y Sister Act 2: Back in the Habit hasta sus 12 temporadas como la voz de Peggy Hill en la serie de FOX premiada con el Emmy® “King of the Hill”.

Recientemente la vimos en el drama de CBS “Numb3rs.” Sus créditos en la televisión comprenden tres temporadas junto a Kirstie Alley como Olive en “Veronica’s Closet,” de NBC, como también apariciones en “The Scream Team” de Disney y el especial de TV de FOX “CinderElmo.” Recibió el elogio de la crítica por su labor en “Chicago Hope” y también interpretó el número musical de apertura de la ceremonia de entrega de los Premios Oscar® 1995. Protagonizó “In Search of Dr. Seuss” y actuó en series de televisión como “She TV,” “Fool For Love,” “Early Edition,” y en varios episodios de “Ellen.”

Ganadora del premio de la American Comedy como la Mejor Actriz Cómica de Reparto por su papel en Sister Act, la carrera de Najimy cuenta con numerosos papeles en el cine, en Hocus Pocus, RatRace, Hope Floats, Nevada, Cats Don’t Dance, Zack and Reba, This is My Life, The Fisher King, Say Uncle, Soapdish y The Hard Way. También actuó en The Wedding Planner, It’s Pat, Jeffrey, The Big K y en Bam Bam and Celeste y 2 Sisters de Margaret Cho.


En el teatro, Najimy fue elogiada por la crítica por su retrato de Mae West en Dirty Blonde en Broadway, donde también actuó en The Vagina Monologues. Sus originales y exitosas piezas del off-Broadway The Kathy and Mo Show: Parallel Lives y The Dark Side, que se convirtieron en especiales de HBO, ganaron premios Obie y CableACE.

También ha dirigido varios proyectos, entre ellos el musical Back to Bacharach en el off-Broadway y varios espectáculos unipersonales femeninos.

Tras más de 20 años como activista en la lucha contra el SIDA, Najimy fue honrada con el premio L.A. Shanti’s Founder y con el del Logro Distinguido del L.A. Gay Center. Ha posado dos veces para la campaña de PETA “Antes desnuda que vestir pieles” y en 2000 recibió el premio Humanitario del Año de PETA otorgado por Paul McCartney. También ha sido oradora principal de más de 50 organizaciones de mujeres en todo el país.

Najimy contribuyó en el libro de Random House The Choices We Made y prestó su voz a la novela de Wally Lamb She's Come Undone.

Próximamente escucharemos la voz de esta premiada actriz en el largometraje animado de Walt Disney Studios Home Entertainment Tinker Bell, donde interpretará a Minister of Summer.


SIGOURNEY WEAVER (Computadora) ha creado un conjunto de memorables personajes en filmes como Alien y Gorillas in the Mist, en un repertorio que abarca desde lo dramático hasta lo cómico, tanto en el cine como en el teatro.

Nacida y educada en la ciudad de Nueva York, Weaver se graduó en la Universidad de Stanford y obtuvo un master en la Yale School of Drama. Su primer trabajo profesional fue un reemplazo en la producción de Sir John Gielguds de The Constant Wife, protagonizada por Ingrid Bergman.

Debutó en el cine en el taquillero éxito Alien, y volvió a interpretar el papel de la Oficial Ripley en Aliens, una labor que la hizo merecedora de nominaciones al Premio Oscar® y al Globo de Oro®, en ambos casos a la Mejor Actriz. Volvió a hacer el papel en Aliens 3 y en Alien Resurrection, film que también co-produjo. Después interpretó a la primatóloga Dian Fossey en Gorillas in the Mist, en una interpretación que volvió a hacerla merecedora de una nominación al Premio Oscar® y un Globo de Oro®. Su papel en Working Girl le valió otra nominación al Premio Oscar® y un segundo Golden Globe®. Entre sus restantes filmes pueden mencionarse Ghostbusters, Year of Living Dangerously de Peter Weir, Death and the Maiden de Roman Polanski, Galaxy Quest, Heartbreakers, Holes, The Guys de Jim Simpson, Imaginary Heroes y el film de acción en vivo de Showtime Snow White, que le significó a Weaver una nominación al Premio Emmy® y otra al Screen Actors Guild®. Su actuación en The Ice Storm de Ang Lee le valió el premio BAFTA y también fue nominada al Globo de Oro a la Mejor Actriz por su interpretación en A Map of the World. Entre sus filmes más recientes se incluyen Baby Mama, Infamous, The TV Set, The Girl in the Park, Vantage Point y Snow Cake; en este último Weaver interpretó a una mujer autista y esta actuación la hizo merecedora de una Proclama de la Ciudad de Nueva York.

En el teatro, Weaver recibió una nominación al premio Tony® por el papel protagónico en la pieza Hurlyburly, dirigida en Broadway por Mike Nichols. Entre las obras en las que actuó pueden también citarse The Mercy Seat de Neil Labute, The Merchant of Venice, Sex and Longing de Christopher Durang, y varias piezas en el Flea Theater, como Mrs. Farnsworth de A.R. Gurney y The Guys. Weaver comenzó su carrera enel teatro en el off-off Broadway en The Nature and Purpose of the Universe y en Titanic de Durang. La pieza que escribió con Durang, Das Lusitania Songspiel, hizo a ambos merecedores de nominaciones al premio Drama Desk.

Recientemente, Weaver finalizó las producciones de la película en 3D Avatar (su primera colaboración con James Cameron desde Aliens), de Crazy on the Outside de Tim Allen, y de Prayers for Bobby de Lifetime.

Weaver integra el directorio de The Flea Theater en el downtown Manhattan, “dedicado a levantar un gozoso infierno en un espacio pequeño” y de Human Rights First, donde trabajó el tema de los asilados. Es también Presidenta Honoraria de la Dian Fossey Gorilla Fund Internacional y trabaja para otras organizaciones cuando le es posible, como Conservation International, amFAR, Trickle Up, Natural Resources Defense Council y GRASP.


BEN BURTT (WALL•E/M-O/ Diseñador de Sonido y Voces de Personajes) recibió el Premio Oscar® en numerosas oportunidades y se unió a Pixar Animation Studios en mayo de 2005. Con 30 años de experiencia, este consumado realizador ha escrito, dirigido y editado una vasta sucesión de proyectos.

Burtt comenzó a trabajar con el director George Lucas en 1977, como diseñador de sonido de la Star Wars original, lo que le valió su primero Premio de la Academia® al Logro Especial. Veinte años más tarde volvió a unirse a Lucas para supervisar los trabajos de sonido de Star Wars Trilogy (Edición Especial).

Además de los filmes de Star Wars, Burtt ha trabajado en numerosos filmes y proyectos televisivos. Obtuvo Premios Oscar® a la Mejor Edición de Sonido por Raiders of the Lost Ark y a la Mejor Edición de Efectos de Sonido por E.T. the Extra-Terrestrial e Indiana Jones and the Last Crusade. También su trabajo fue reconocido con un número de nominaciones al Premio Oscar®, incluido el de Mejor Sonido por Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, Mejor Sonido y Mejor Edición de Efectos de Sonido por Willow, Mejor Edición de Efectos de Sonido por Stars Wars: Episode I - The Phantom Menace, y como director de Special Effects, Anything Can Happen, al Mejor Cortometraje Documental Temático.

Además de sus logros y nominaciones al Premio Oscar®, Burtt fue honrado con el premio British Academy al Mejor Sonido por Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back, con el premio Golden Reel a la Mejor Edición de Efectos de Sonido por Raiders of the Lost Ark y con una nominación al premio British Academy al Mejor Sonido por Star Wars: Episode I - The Phantom Menace.