HACIÉNDOLO REALIDAD
El equipo técnico de Pixar vuela más alto


El equipo de ‘magos técnicos’ de Pixar debió enfrentar numerosos desafíos para lograr el aspecto y amplio rango de acciones que necesitaban los realizadores para contar la historia en el estilo y la escala requeridos.
“Una de las tareas más difíciles de la película fue crear la cubierta de globos que transporta la casa de Carl”, cuenta Steve May, el supervisor de dirección técnica de la película. “Era importante dotar de realismo a la simulación. Los globos se comportan de un modo realista, aunque la idea de hacer volar una casa con globos es bastante absurda. No somos físicos, pero uno de nuestros directores técnicos calculó que serían necesarios entre unos 20 y 30 millones de globos para poder elevar la casa de Carl. Acabamos utilizando 10.297 globos para las escenas en las que la casa va volando en el aire, y 20.622 para el momento en que remonta vuelo. El número de globos varía de toma en toma según el ángulo, la distancia y el ajuste de tamaño para lograr un aspecto interesante, verosímil y simple.
“Pero el número de globos no fue más que el comienzo”, agrega May. “Estos miles de globos responden a fuerzas físicas, como la flotabilidad y el viento. Uno de los factores claves de los globos es que reaccionan entre sí. Un globo debe poder responder a los otros 10.000 globos. Además, cada globo está atado a la casa con un hilo, y los hilos se entremezclan entre sí y con los demás globos. Y toda esta colisión de objetos planteaba un problema de simulación todavía más complicado. Ésta quizás sea la simulación de interacción entre objetos más compleja que hayamos debido enfrentar en Pixar, y nuestro equipo de efectos debió realizar un arduo trabajo”.
Sumado a la complejidad de animar una casa sostenida por miles de globos se hallaba el hecho de que, durante un período, los personajes también están atados a la casa. “Esto fue quizás lo que más me asombró al ver las pruebas por primera vez”, cuenta May. “El vestuario de estos dos personajes debe de ser uno de los más complejos que realizamos hasta la fecha. Así que, ya desde el comienzo los personajes planteaban un reto difícil, pero además, están conectados con estas sogas a la casa, suspendida a su vez por globos que interactúan entre sí. Es todo un sistema que debe trabajar en forma conjunta. Cada cosa que mueves, altera las demás”.
Otro desafío para May y su equipo técnico fue la creación de escenas con un grupo numeroso de personajes (la jauría de perros), la simulación del vestuario y la creación de una cascada tres veces más alta que la cascada más alta del mundo (el Salto del Ángel, en Sudamérica).
Sólo en Pixar, y en el mundo de la animación por ordenador, el trabajo del director de fotografía se divide en dos. Patrick Lin se desempeñó como director de fotografía de cámara: que implica supervisar los movimientos y ángulos de cámara. Jean-Claude Kalache, el veterano de Pixar que lleva 13 años trabajando allí, estuvo a cargo de la dirección de fotografía en iluminación. Trabajando codo a codo con los directores y demás miembros del equipo creativo, estos dos realizadores ayudaron a dar a Up: Una aventura de altura su imponente sentido de amplitud, escala y aventura.
“Pete poseía una visión determinada para esta película, y deseaba lograr un enfoque muy teatral y controlado de la iluminación”, explica Kalache. “Esto significaba realzar la acción, enfocándose en los personajes y opacar un poco los objetos sobre los cuales no se deseaba que el público centrara su atención. Cuando uno realiza una película con un amplio desplazamiento de cámara, esto presenta un gran desafío porque cada toma se debe visualizar como si el público la estuviera viendo desde ese ángulo”.
Patrick Lin y su equipo debieron resolver ciertos problemas relacionados con la composición de los planos como las escenas donde aparecían personajes de grandes cabezas, escenas que incluían un ave extremadamente alta junto con perros mucho más pequeños, y escenas épicas que reunían grandes dirigibles y perros en biplanos. Lin, un devoto admirador del cine japonés clásico, también se inspiró en legendarios cineastas de la talla de Kurosawa (en especial en su película, Ikuru) y de Ozu, quien por lo general empleaba un enfoque minimalista y rodaba con una lente de 50mm.
“Nuestro objetivo era lograr que la cámara siguiera las emociones de los personajes”, expone Lin. “Todo el comienzo de la película conduce al momento en el que Carl acaba por encerrase en sí mismo. Utilizamos la fotografía para subliminalmente aislar a Carl en su mundo. Como su vida realmente está detenida, rodamos las escenas con una lente de 50mm. E incluso cuando Russell aparece por primera vez, el marco de la puerta establece una división visible en la pantalla, que grafica esta separación de Carl del resto de lo personajes. Recién en el momento en que aparece la sombra de los globos y la casa se eleva, se introduce realmente movimiento de cámara; intentando así rematar la emoción de la acción”.
Lin y su equipo disfrutaron especialmente de trabajar en la escena del clímax de la película: la lucha con el dirigible que se produce cerca del final de la película. “Creo que es la mejor pelea de ancianos en la historia del cine; dirigible contra casa. Carl posee su bastón y Muntz una gran espada. Rodamos muchas secuencias cámara en mano y logramos un movimiento muy dinámico”.



3D: EL PRIMER ESTRENO DE PIXAR
Llevando la animación por ordenador a una nueva dimensión

Up: Una aventura de altura aporta una nueva dimensión a la experiencia de una película de Pixar, al ser el primer largometraje del estudio que se estrenará con tecnología Disney Digital 3D™. Inaugura así una nueva era de asombrosas posibilidades para el estudio de animación que produjo su primera película animada por ordenador 14 años atrás y es reconocido en la industria por esa maravillosa capacidad de contar historias, su virtuosismo técnico y atención a los detalles.

“Para nosotros la tecnología 3D es un crayón más de nuestra caja de colores”.
~ Pete Docter, Director/Guionista


Según el director Pete Docter, fue John Lasseter quien sugirió realizar Up: Una aventura de altura en formato 3D. “Entonces establecimos una división independiente”, cuenta Docter. “Este nuevo departamento tomaba muchos de los elementos narrativos que estábamos utilizando y trabajaba con la profundidad como otra manera de contar la historia”.
“Por ejemplo, al principio de la película, Carl vive del pasado, encerrado en su pequeña casa”, continúa Docter. “Deseábamos dotar al ambiente de una sensación opresiva, de modo que intentamos que la imagen fuera más plana, le quitamos deliberadamente profundidad; lo cual luego ejerce un mayor contraste cuando él llega a Sudamérica. Allí deseábamos generar una sensación de amplitud; que el espectador sintiera el viento en el rostro, y allí sí añadimos profundidad. Para nosotros, la tecnología 3D es un crayón más de nuestra caja de colores”, señala Docter.
A cargo de la realización del formato de Up: Una aventura de altura, la primera película de Pixar en ser presentada en Disney Digital 3D™, estuvo Bob Whitehill, un veterano diseñador que se incorporó al estudio cinco años atrás, y que en la película se desempeñó como supervisor estereoscópico.
“Creo que Up: Una aventura de altura debe de ser una de las películas en formato 3D más maravillosas. Posee un diseño y una composición sólidos y logrados”, señala Whitehill. “En las junglas de Sudamérica se realizaron estas secuencias maravillosas con un decorado de hojas, arbustos y parras en primer plano que aparecen fuera de foco, lo cual recrea una suerte de ventana maravillosa a través de la cual puedes asomarte y observar a estos personajes tan divertidos”.
Junto con los realizadores, Whitehill y su equipo desarrollaron un “presupuesto de profundidad” para determinar el uso optimizado y más eficiente de la tecnología 3D a lo largo de toda la película. El formato 3D se convirtió en un estímulo visual para ayudar a los realizadores a contar la historia e involucrar al público con los personajes.
“Cuando Carl pierde a su esposa, se encierra en sí mismo; la composición de la película entonces se vuelve plana”, explica Whitehill. “Los lentes son un poquito más largos y a Carl se lo encuadra en el extremo superior del cuadro para que parezca encerrado y cree una sensación de claustrofobia. En dichas secuencias, disminuimos la profundidad. Es algo asombroso pasar de una secuencia en la que Carl está atrapado en su casa, por decirlo de algún modo, a una que nos lleva al corazón de la jungla y de esta gran aventura”.




QUE COMIENCE LA MÚSICA
La banda sonora temática del aclamado compositor Michael Giacchino añade emoción a Up: Una aventura de altura


Una película que incorpora elementos de gran aventura, comedia y emoción requería de una banda sonora que estuviera a la altura. Por ello, los realizadores recurrieron a Michael Giacchino. Uno de los compositores más talentosos y versátiles de la actualidad, Giacchino ya había dotado de su magia musical a las populares películas de Disney•Pixar The Incredibles y Ratatouille. Más recientemente, Giacchino dirigió la orquesta durante la ceremonia de la 81ª entrega anual de los Premios de la Academia® y compuso la banda sonora de los próximos largometrajes: Star Trek y Land of the Lost.

“Aquellas maravillosas bandas sonoras de las películas animadas de Disney me enseñaron a no tener miedo de ser emotivo con la música”.
~ Michael Giacchino, Compositor

Uno de los mayores desafíos en la creación de la banda musical de Up: Una aventura de altura fue mantener vivo el espíritu de la esposa de Carl, Ellie. Giacchino compuso un tema especial asociado al personaje.
“Ellie es la motivación oculta que inspira a Carl durante toda la película”, señala Docter. “Nosotros intentamos mantenerla viva visualmente a través de la casa, que siempre está presente. Michael compuso una música extraordinaria que acompaña la película introduciendo emoción, comedia y acción. Y así ha logrado también hacer que Ellie esté presente durante toda la película”.
Giacchino agrega: “El tema de Ellie comienza como un vals lírico. Espero que, al oírlo, la gente piense en sus días de juventud y recuerde esas cosas que hacían de jóvenes, como la sensación de enamorarse por primera vez. El tema se va desarrollando a lo largo de la película. E introduce los cambios y giros necesarios hasta que hacia el final se convierte en un tema de acción y aventura”.
El talento de Giacchino alcanza su máxima expresión en una secuencia de montaje hermosamente emotiva —sin la intervención de una sola palabra— que nos sumerge en un torbellino de emociones mientras se nos revelan imágenes de Carl y Ellie, viviendo y soñando juntos. El montaje nos transporta desde la alegría de los primeros años de su vida, hasta la tristeza del conmovedor ocaso de la vida de Ellie.
En cuanto a la música de la película, Giacchino deseaba rendir homenaje a algunas de sus bandas sonoras favoritas del pasado, de películas de aventuras como Around the World in 80 Days, o en clásicos de Disney como Peter Pan.
“Aquellas maravillosas bandas sonoras de las películas animadas de Disney me enseñaron a no tener miedo de ser emotivo con la música”, cuenta Giacchino. “Compositores legendarios, como Ollie Wallace y Frank Churchill, no tenían miedo a conmover cuando la historia era conmovedora. Además, me mostraron que la música temática puede ajustarse bien e incluso dejarnos una melodía que nos acompañará al finalizar la película. Eran compositores sencillamente extraordinarios. Escuchar su música te vuelve más humilde y te hace querer trabajar más duro y ser mejor”.




ACERCA DEL REPARTO VOCAL
DE LA VERSIÓN ORIGINAL EN INGLÉS


Versátil, comprometido, elocuente y talentoso son todos adjetivos que describen al actor/activista ED ASNER (Carl Fredricksen). Quizás más conocido por su traspaso de la comedia al drama con su personaje Lou Grant, el gruñón aunque tierno periodista de la televisión que encarnó en la mítica serie cómica “The Mary Tyler Moore Show”, y que luego retomó en la serie dramática, “Lou Grant”, que le valió cinco premios Emmy® y tres premios Globo de Oro®. Asner además fue galardonado con otro premio Emmy y un Globo de Oro por las miniseries Rich Man, Poor Man y Roots. Su prolífica y aclamada carrera actoral da cuenta de su consumado talento para traspasar la frontera entre el drama y la comedia.
Uno de los actores más reconocidos en la historia de la televisión, Asner obtuvo siete premios Emmy® y 16 nominaciones, así como también cinco Globos de Oro® y fue presidente de la Screen Actors Guild [la asociación profesional de actores norteamericanos] durante dos mandatos. En 1996 fue incorporado al TV Academy Hall of Fame. En 2000, Asner fue honrado con el prestigioso premio Ralph Morgan, otorgado por la Screen Actors Guild en reconocimiento a su distinguido servicio a la asociación. En marzo de 2002, fue nuevamente reconocido por la Screen Actors Guild que le concedió el 38º Premio a la Trayectoria Artística por su carrera y labor humanitaria, otorgado anualmente a un miembro que fomenta los máximos ideales de la profesión.
Además de su versatilidad profesional, Asner ha servido y peleado por los derechos de los actores, así como también ha sido un férreo defensor de los derechos humanos, la paz mundial, el cuidado del medio ambiente y la libertad política. Un apasionado e informado portavoz de las causas que defiende, Asner es un orador frecuente en cuestiones laborales y un aliado especial de los artistas de más edad de la industria. Entre los numerosos honores que recibió a lo largo de su carrera se incluyen: el premio Ana Frank a la defensa de los Derechos Humanos, el premio Eugene Debs, el premio Organized Labor Publications Humanitarian, el premio Worker's Right's Committee otorgado por ACLU y el premio National Emergency Civil Liberties.
Entre sus más de 100 títulos en la televisión se incluyen sus papeles protagónicos en las series “Off the Rack”, “The Bronx Zoo” y “Thunder Alley”; sus numerosas apariciones como actor invitado en las series “Curb Your Enthusiasm”, “ER”, “Arliss”, “The Practice” y un rol regular en “Studio 60 On The Sunset Strip”. Además de prestar su voz en numerosos anuncios publicitarios y libros grabados en casete, Asner interpretó la voz de conocidos dibujos animados como “The Simpsons”, “Spiderman” y “Boondocks”. Entre sus numerosísimos títulos cinematográficos se encuentran: They Call Me Mister Tibbs!, Fort Apache the Bronx, JFK y la producción europea de Giovanni XXIII: la miniserie televisiva más aclamada en la historia de la televisión italiana; así como también la taquillera Elf, que protagonizó junto con Will Farrell y James Caan. Asner ha realizado varias películas de Hallmark y fue nominado a otro premio Emmy® por The Christmas Card.
Recientemente finalizó el rodaje de Gigantic, junto con John Goodman y Jane Alexander; Generation Gap para Hallmark; y un episodio de la serie “CSI/ NY”.


CHRISTOPHER PLUMMER (Charles Muntz) lleva más de 60 años de reconocimiento como uno de los actores teatrales más respetados y como veterano actor cinematográfico que ha intervenido en más de cien largometrajes. Comenzó su carrera profesional en Montreal, su ciudad natal, desempeñando producciones de teatro y de radio, tanto en francés como en inglés. Tras debutar en Nueva York, en 1954, de la mano de Eva Le Gallienne, participó en numerosas piezas galardonadas en los teatros de Broadway y el West End londinense, que le valieron numerosos premios a ambos lados del Atlántico. Plummer obtuvo dos premios Tony® por el musical “Cyrano” y por su interpretación del personaje principal en Barrymore, además de siete nominaciones a los premios Tony, la última por su papel en el Rey Lear (2004) y su protagónico como Clarence Darrow en Inherit the Wind (2007); además de ganar tres premios Drama Desk y la National Arts Club Medal.
Fue también miembro principal del Royal National Theatre bajo Sir Laurence Olivier y de la Royal Shakespeare Company bajo Sir Peter Hall, donde obtuvo el premio Evening Standard de Londres al Mejor Actor por su actuación en Beckett. Asimismo, en sus años de formación, fue miembro destacado del Stratford Festival de Canadá bajo Sir Tyrone Gutherie y Michael Langham. Plummer es considerado uno de los actores de teatro clásico más distinguidos de su época.
Desde que Sydney Lumet le ofreciera su primer papel en la gran pantalla en 1958, en la película Stage Struck, su lista de importantes títulos cinematográficos incluye: The Man Who Would Be King, Battle of Britain, Waterloo, Fall of the Roman Empire, Star Trek VI, Twelve Monkeys y la película de 1965 ganadora de un Oscar® The Sound of Music. Más recientemente, protagonizó la nominada a un Oscar The Insider (que le valió el premio National Film Critics por su papel como Mike Wallace), la galardonada con un Oscar A Beautiful Mind, Man in the Chair, Must Love Dogs, National Treasure, Syriana e Inside Man. Entre sus apariciones en la televisión, que suman cerca de 100 títulos, se incluyen: la película de la BBC, ganadora de un premio Emmy®, Hamlet at Elsinore, en la cual interpretó el rol principal que da nombre a la película; las producciones galardonadas con un premio Emmy, The Thornbirds, Nuremberg, y Little Moon of Alban; entre muchas otras. Sus interpretaciones le valieron dos premios y seis nominaciones a los premios Emmy. Además ha escrito obras de teatro, televisión y conciertos.
Además de los múltiples reconocimientos recibidos en el Reino Unido, Estados Unidos, Austria y Canadá, Plummer fue el primer actor en recibir el premio Jason Robards, en memoria de su gran amigo, y los premios Edwin Booth y Sir John Gielgud Quill. En 1968, bajo sanción de Isabel II, fue investido Compañero de la Orden de Canadá (un título de caballería honorario). Asimismo, fue nombrado Doctor Honoris Causa en Bellas Artes por la Julliard School de Nueva York, además de recibir en 2000, el premio Governor General a la Trayectoria de toda una vida. En 1986, ingresó en el Hall of Fame del Teatro, y en 2000 en el Walk of Fame de Canadá. Su libro reciente de memorias, In Spite of Myself (ed. Afred A. Knopf Publishers) ha sido celebrado tanto por la crítica como por el público.
Entre sus próximos proyectos se encuentran los largometrajes animados 9 y My Dog Tulip; su interpretación del papel principal de la película The Imaginarium of Doctor Parnassus, dirigida por Terry Gilliam; y la película escrita y dirigida por Michael Hoffman, The Last Station, donde encarnará al gran novelista León Tolstoi junto con Helen Mirren.


JOHN RATZENBERGER (Tom, el capataz de construcción) es un reconocido director, productor y actor, nominado en numerosas ocasiones a los premios Emmy®, con notables credenciales como empresario y filántropo. Si bien internacionalmente es más conocido como el cartero Cliff Clavin de la serie “Cheers”, papel que le valió dos nominaciones a los premios Emmy, Ratzenberger es el único actor que ha prestado su voz en todas las películas de Disney•Pixar. De hecho, ha interpretado personajes que han sido memorables: el encantador e ingenioso cerdito Ham en Toy Story (personaje que retomó en Toy Story 2, al igual que en el próximo estreno Toy Story 3); P.T. Flea en A Bug’s Life; Yeti, el abominable hombre de las nieves en Monsters, Inc.; el cardumen de lampris en Finding Nemo; el personaje filosófico del Socavador en The Incredibles; el camión Mac en Cars; Mustafa, el jefe de camareros en Ratatouille, y John, el ser humano a bordo de la nave espacial Axiom en Wall•E.
Ratzenberger creció en la ciudad de Bridgeport, Connecticut; y trabajó como carpintero, instructor de tiro con arco, artista en carnavales y pescador de ostras. Se especializó en Literatura Inglesa en la Universidad de Sacred Heart, y tras su graduación, protagonizó algunas obras unipersonales mientras dirigía otras. Ratzenberger pasó una década en Inglaterra como co-fundador del dúo de improvisación ‘Sal’s Meat Market’, que fue aclamado en toda Europa y le valió una beca del British Arts Council. Ya en los comienzos de su carrera, participó en numerosas películas, entre las que se encuentran: A Bridge Too Far, Superman, Gandhi y Star Wars: The Empire Strikes Back. Ratzenberger también protagonizó la serie de Granada TV “Small World”, y se formó como productor y escritor en la BBC, la televisión de Granada y varias compañías teatrales.
En 1982, Ratzenberger realizó una audición para un papel en la serie “Cheers”, sugiriendo a los creadores que añadieran un personaje sabelotodo que fuera un asiduo cliente del bar. Así surgió el personaje de Cliff Clavin, y el equipo de “Cheers” reescribió el piloto para incluirlo en la serie. Durante sus 11 temporadas en “Cheers”, Ratzenberger improvisó mucho de sus parlamentos, dotando así de una frescura y una sostenida popularidad al programa que obtuvo 28 premios Emmy®. “Cheers” aún se emite en todo el mundo, lo que hace que Cliff Clavin siga siendo uno de los personajes más queridos de la televisión.
Ratzenberger volvió a encarnar a Cliff Clavin en series como “Frasier”, “The Simpsons”, “Blossom”, “Wings”, “St. Elsewhere”, y en ocho programas especiales de la NBC. El consumado actor característico también participó en las series televisivas “8 Simple Rules”, “That ’70s Show”, “Sabrina the Teenage Witch”, “Murphy Brown”, “The Love Boat”, “Magnum P.I.” y “Hill Street Blues”. Entre sus numerosos títulos en televisión se incluyen sus protagónicos en The Pennsylvania Miners Story, para la ABC; A Fare To Remember; Remember Wenn; The Good Soldier, para PBS Masterpiece Theater; y Song of a Sourdough y Detectives, para la BBC. Sus éxitos en la animación cinematográfica se han extendido a la pantalla chica en las consagradas series de TBS “Captain Planet and the Planeteers” y “The New Adventures of Captain Planet”. Recientemente, también fue aclamado por sus seguidores en el exitoso programa de ABC “Dancing With the Stars”.
Entre sus títulos más recientes se incluyen la película The Village Barbershop, ganadora del premio Audience Choice en el Festival Cinequest; y el telefilme Our First Christmas, para Hallmark. Ratzenberger acaba de iniciar su quinta temporada de la popular serie de Travel Channel “John Ratzenberger’s Made in America”, creada por él en 2004 para exhibir productos fabricados en los Estados Unidos, una causa a la que se ha dedicado activamente. Su organización sin fines de lucro denominada ‘Nuts, Bolts, and Thingamajigs Foundation’ se propone recuperar la estima y la dignidad de las artes manuales e industriales, así como también, alentar a las siguientes generaciones de artesanos, inventores, ingenieros, técnicos y operarios especializados.


JORDAN NAGAI (Russell) nació el 5 de febrero de 2000, en la ciudad de Los Ángeles. A los 2 años y medio, el pequeñito Jordan inició su carrera como actor realizando un papel en un anuncio de un servicio público. Dos años más tarde, Nagai apareció en anuncios de publicidad escrita de las tiendas JC Penney y Pacific Care.
Un sábado en que el joven Nagai se encontraba en clase de japonés, el director envió un e-mail a todos los alumnos informando que Pixar realizaría una audición para niños entre nueve y diez años de edad para su película Up: Una aventura de altura. “Nagai, con sólo siete años de edad, acompañó a su hermano mayor a la audición, pero acabó por obtener el papel.
Mientras trabajaba en Up: Una aventura de altura, Nagai realizó un anuncio publicitario en la radio para una franquicia de restaurantes. Además será el invitado especial de un capítulo estreno de la serie "The Simpsons".


A los siete años de edad, ELIZABETH “ELLIE” DOCTER (la pequeña Ellie), acudió a Pixar Animation Studios para grabar la voz de “la pequeña Ellie”. Había otros actores que habían sido considerados para el papel, pero la voz de Docter definitivamente era la que mejor encarnaba a “la pequeña Ellie” y quedó seleccionada para el papel.
Ahora, con diez años de edad y siempre en busca de aventuras (al igual que su personaje), Docter es una fan de los musicales y se ha autoproclamado ‘la apasionada de los perros número uno del mundo’. Le gusta leer las historietas de Archie® y nadar. Docter también es una devota admiradora de Annette Funicello, Hayley Mills y otros actores de los clásicos de Disney. Actualmente reside en Piedmont, California, con sus padres y su hermano mayor.


DELROY LINDO (Beta) ha interpretado roles memorables en las películas Heist, de David Mamet, y como Mr. Rose en The Cider House Rules. Lindo fue aclamado por la crítica por su interpretación de Rodney en la película dramática de Spike Lee Clockers. También trabajó junto con Lee en Crooklyn, y en Malcom X (que le valió una nominación a los premios NAACP Image por su interpretación de West Indian Archie). Recientemente también intervino en la taquillera This Christmas, donde también estuvo a cargo de la producción ejecutiva.
Entre sus memorables papeles cinematográficos se incluyen: Wondrous Oblivion, The Core, The Last Castle, Domino, The One, Gone in 60 Seconds, Ransom (que obtuvo una nominación a los premios NAACP Image como Mejor Actor de Reparto), A Life Less Ordinary, Get Shorty, Feeling Minnesota, Romeo Must Die, Mr. Jones, L’Exil du Roi Behanzin, Devil’s Advocate, Bright Angel y Mountains of the Moon.
Lindo además protagonizó la serie de la NBC “Kidnapped”. Participó en los telefilmes de HBO Lackawanna Blues, y de Court TV The Exonerated. Fue aclamado por la crítica por su interpretación en el telefilme dramático de CBS Profoundly Normal; encarnó al juez de la Corte Suprema de los Estados Unidos, Clarence Thomas en la galardonada con un premio Peabody, Strange Justice, de Showtime; y recibió el elogio de la crítica por su interpretación de la leyenda del béisbol Satchel Paige, en la película dramática de HBO Soul of the Game. Además protagonizó Glory and Honor de TNT, donde encarnó al explorador del Ártico Matthew Henson, e intervino en First Time Felon en HBO. También para la televisión, Lindo creó, produjo, condujo, dirigió y co-editó el documental de entrevistas a Spike Lee, Charles Burnett y Joan Chen.
En teatro, Lindo recientemente interpretó el rol principal en Agamenón en el Museo Getty de la ciudad de Los Ángeles. Anteriormente, intervino en la escena londinense, en The Exonerated. En Broadway, encarnó a Herald Loomis en la obra de August Wilson, Joe Turner’s Come and Gone, por el que obtuvo nominaciones a los premios Tony® y Drama Desk; intervino en Master Harold and the Boys (Broadway y gira nacional); y encarnó a Walter Lee en las producciones del Kennedy Center y Los Ángeles de la obra A Raisin in the Sun (que le valió una nominación a los premios Helen Hayes y un premio NAACP Image al Mejor Actor). Lindo también ha interpretado numerosas obras off-Broadway, y en teatros regionales de Estados Unidos y Canadá.
Entre sus créditos como director de teatro se incluyen las aclamadas por la crítica y exitosas producciones de Joe Turner’s Come and Gone (otoño de 2008), y una obra nueva: Blue Door, ambas para el teatro Berkeley Repertory. Además, Lindo recibió el premio Los Angeles Theater Weekly de 2006 por la dirección de la obra centrada en la época de la guerra de Vietnam, Medal of Honor Rag.
ACERCA DE LOS REALIZADORES


PETE DOCTER (Director/Guión/Historia) se ha consagrado como uno de los talentos más prodigiosos del estudio Pixar Animation Studios. Tras su incorporación en Pixar en 1990, Docter comenzó con la animación y dirección de anuncios publicitarios.
Junto con John Lasseter y Andrew Stanton, Docter desarrolló la historia y los personajes de Toy Story, el primer largometraje animado de los estudios Pixar, en el que también se desempeñó como supervisor de animación. Además participó como guionista gráfico en A Bug’s Life, y desarrolló el concepto de la historia original de Toy Story 2.
Docter debutó como director con la película Monsters, Inc., que fue nominada al Premio de la Academia® a la Mejor Película de Animación. Una de las fuerzas creadoras más importantes de Pixar Animation Studios, Docter fue nominado al Mejor Guión Original por el desarrollo de la historia de la película de Disney•Pixar acreedora de un OscarÒ, WALL•E.
Antes de incorporarse a Pixar, Docter trabajó como animador en The Walt Disney Company, Bob Rogers and Company, Bajus-Jones Film Corporation y Reelworks, en Mineápolis. Su interés por la animación se despertó ya a los ochos años de edad cuando creó su primer folioscopio [pequeño libro que, al pasar sus páginas rápidamente, generan la ilusión de la animación]. Posteriormente, estudió animación de personajes en el California Institute of the Arts (CalArts) en Valencia, California, donde produjo numerosas películas estudiantiles, entre las que se incluyen: Winter, Palm Springs y Next Door, ganadora del premio Student Academy AwardÒ.
Docter actualmente reside en Piedmont, California, con su esposa y sus dos hijos.


Desde 1994, BOB PETERSON (Co-Director/Guión/Historia/Voz de Dug y Alpha en la versión en inglés) es un miembro fundamental de Pixar Animation Studios. Participó como artista de diseño y animador de la película Toy Story. Posteriormente se desempeñó como artista de la historia de A Bug’s Life y Toy Story 2, como supervisor de historia de Monsters, Inc. y además fue uno de los guionistas de Finding Nemo, que fue galardonada con un premio de la AcademiaÒ.
Además de trabajar como artista de historia, Peterson prestó su voz a varios de los personajes animados más memorables del estudio: el anciano jugador de ajedrez de Geri’s Game; Roz, la babosa obsesionada con el papeleo de Monsters, Inc., y el melodioso profesor Mr. Ray de Finding Nemo. En Up: Una aventura de altura interpretó al perro Dug.
Mientras cursaba una maestría en Ingeniería Mecánica en la Universidad Purdue de Indiana, Peterson realizó su primer trabajo en un laboratorio de gráficos generados por ordenador. Allí también adquirió su primera experiencia como historietista, ya que escribió y dibujó la tira cómica “Loco-Motives”, una historieta de cuatro viñetas que se publicaba a diario en el periódico Exponent de la Universidad Purdue.
Tras graduarse, Peterson se trasladó a Santa Bárbara, California, para trabajar con los creadores de Maya, Wavefront Technologies, y posteriormente ingresó en Rezn8 Productions, una compañía con sede en Hollywood; hasta que en 1994 se incorporó a Pixar.
Peterson nació en Wooster, Ohio; y se crió en Brooklyn, Nueva York y Dover, Ohio. Peterson se licenció en la Universidad Ohio Northern. Actualmente reside en San Francisco con su esposa, tres hijos y dos perros, que no hablan.


JONAS RIVERA (Productor) se incorporó a Pixar Animation Studios en 1994 y se desempeñó como asistente de producción en el primer largometraje del estudio, Toy Story. Desde entonces, Rivera ha trabajado en prácticamente todas las películas de Pixar; donde su habilidad y experiencia le valieron roles cada vez más avanzados en las producciones siguientes.
Tras progresar como coordinador del departamento de arte en la película A Bug’s Life, Rivera luego se desempeñó como coordinador de marketing y recursos creativos en la película Toy Story 2. Sin embargo, con su corazón siempre ligado al arte y la creatividad de la producción cinematográfica, Rivera regresó al departamento de arte con la película Monsters, Inc.; pero esta vez como jefe del departamento. Más recientemente, Rivera se desempeñó como jefe de producción en la película de Disney•Pixar Cars, galardonada con el Globo de OroÒ.
Desde que tiene memoria, a Jonas Rivera le fascinan las películas, en especial las cintas animadas. Los primeros recuerdos de su infancia están teñidos por el Tiki Room de Disneyland y las tardes en el cine viendo Snow White and the Seven Dwarfs y Star Wars. Inspirado ya desde temprana edad, Rivera quedó cautivado con el mundo del cine y soñó con algún día poder él mismo realizar películas.
Antes de incorporarse a Pixar, Rivera cultivó una carrera profesional sumamente variada —trabajó en tiendas de música, en tiendas de juguetes, tocó en grupos de rock duro—, la cual Rivera jocosamente definió como el “entrenamiento perfecto para trabajar en Pixar”.
Oriundo del Área de la Bahía de San Francisco, Rivera creció en Castro Valley y se licenció en Producción Cinematográfica en la Universidad Estatal de San Francisco. Actualmente reside en Oakland, con su esposa y sus hijos.


JOHN LASSETER (Productor Ejecutivo) es el director creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios y primer asesor creativo de Walt Disney Imagineering. Sus trabajos como director le valieron dos premios de la Academia®. Además, se encarga de la supervisión de todas las películas de Walt Disney y Pixar Animation Studios y los proyectos asociados. Lasseter dirigió las innovadoras y aclamadas películas Toy Story, A Bug’s Life y Toy Story 2. Además, se encargó de la producción ejecutiva de Monsters, Inc., Finding Nemo y The Incredibles. En 2006, Lasseter volvió a ocupar su puesto de director con el estreno de la película de Disney•Pixar Cars.
En 2004, recibió el prestigioso premio Outstanding Contribution to Cinematic Imagery que concede la Art Directors Guild (Asociación de Directores Artísticos), y recibió un título honorario del American Film Institute. En 2008 fue galardonado con el premio Winsor McCay otorgado por ASIFA-Hollywood en reconocimiento a su trayectoria y contribución al arte de la animación.
Bajo su supervisión, los largometrajes y cortometrajes animados de Pixar han recibido infinidad de galardones por parte de la crítica y de la industria cinematográfica. En 1995, obtuvo un Oscar® Especial por su capacidad de liderazgo en el equipo que realizó Toy Story. Su trabajo en Toy Story también le valió una nominación a los premios de la Academia® al Mejor Guión Original, y fue la primera vez que se reconoció un largometraje animado en dicha categoría. Finding Nemo, estrenada en 2003, se convirtió en la película animada con mayor recaudación de taquilla de todos los tiempos y ganó un premio Oscar® a la Mejor Película Animada.
Como director creativo de Pixar, Lasseter fue aclamado por la crítica por su película éxito de taquilla The Incredibles, estrenada en 2004. La película fue galardonada con un record de 16 nominaciones a los premios Annie y varios premios “al Mejor de” que conceden el The Wall Street Journal, el American Film Institute, la National Board of Review y muchos otros.
Lasseter también escribió, dirigió y animó varios celebrados cortometrajes y anuncios publicitarios de televisión para Pixar, entre los que se incluyen: Luxo Jr. (1986, nominado a los premios de la Academia®); Red’s Dream (1987); Tin Toy (1988, ganador de un premio de la Academia®); y Knickknack (1989), que fue producida como una película estereoscópica en 3D. Tin Toy, de Pixar, fue la primera cinta animada generada por ordenador que ganó un premio Oscar®, galardonada por la Academia en 1988 como Mejor Cortometraje Animado.
Antes de fundar Pixar en 1986, Lasseter fue miembro de la División Informática de Lucasfilm Ltd., donde estuvo a cargo del diseño y la animación del personaje generado por ordenador ‘el Caballero de Cristal’, de la película de 1985 producida por Steven Spielberg Young Sherlock Holmes.
Lasseter asistió al año inaugural del programa de Animación de Personajes del California Institute of the Arts, de donde se graduó en 1979 con título en Bellas Artes especializado en Cinematografía. Mientras estudiaba en el California Institute of the Arts, Lasseter produjo dos películas animadas, ambas ganadoras del Premio Estudiantil de la Academia® a la Mejor Animación: Lady and the Lamp, en 1979 y Nitemare, en 1980. Lasseter logró su primer premio, a los cinco años de edad, cuando el Model Grocery Market en Whittier, California, le otorgó 15 dólares por su dibujo en lápices de colores del Jinete sin Cabeza.


ANDREW STANTON (Productor Ejecutivo) ha sido una de las fuerzas creadoras más destacadas de Pixar Animation Studios desde 1990, cuando se convirtió en segundo animador y noveno empleado en unirse al grupo de élite de pioneros de la animación por ordenador. Como vicepresidente creativo, actualmente dirige las iniciativas y supervisa el desarrollo de todas las películas y cortometrajes del estudio.
Stanton recientemente dirigió y co-escribió el guión para WALL•E, que fue galardonada con un premio de la Academia® y un Globo de Oro ® a la Mejor Película Animada de 2008. Y además obtuvo una nominación a los premios Oscar® al mejor guión.
Stanton hizo su debut como director en la película que batió récords, Finding Nemo, una historia original suya que también co-escribió. La película le valió dos nominaciones a los premios de la Academia® (al Mejor Guión Original y Mejor Película Animada), y Finding Nemo ganó un Oscar® a la Mejor Película Animada de 2003; que fue el primer Oscar que recibió Pixar Animation Studios por un largometraje.
Stanton fue uno de los cuatro guionistas en recibir una nominación al Oscar® en 1996 por su contribución a Toy Story y luego recibió créditos como guionista en las películas de Pixar que siguieron: A Bug’s Life, Toy Story 2, Monsters, Inc., Finding Nemo y WALL•E. Además, se desempeñó como co-director en A Bug’s Life, y como productor ejecutivo en Monsters, Inc. y en la ganadora de un Premio de la Academia en 2006, Ratatouille.
Oriundo de Rockport, Massachusetts, Stanton obtuvo su título en Bellas Artes, con especialización en animación de personajes en el California Institute of the Arts (Cal Arts), donde realizó dos películas estudiantiles. En la década de 1980 lanzó su carrera profesional en la ciudad de Los Ángeles, donde trabajó como animador para el estudio Kroyer Films de Bill Kroyer, y como guionista de Mighty Mouse, The New Adventures, una producción de Ralph Bakshi.


Las melodías de MICHAEL GIACCHINO (Compositor) han realzado el entretenimiento de todos los géneros, incluyendo series de televisión, cortometrajes de animación, videojuegos y sinfonías independientes, y recorren la gama completa de inspiraciones, desde las más impetuosas, melancólicas o de suspenso, hasta las más serenas. Los seguidores de las series de televisión “Lost” y “Alias” conocen bien su obra, y han disfrutado de sus composiciones durante varias temporadas.
Pero Giacchino atrajo la máxima atención como compositor de películas con la aclamada banda sonora de The Incredibles (galardonada con un premio Annie a la Mejor Música de una Película Animada; y nominada a los premios Grammy al Mejor Álbum de Banda Sonora) tras la cual compuso la música de la película de Disney Sky High; el drama-comedia The Family Stone; la película de Albert Brooks Looking For Comedy In The Muslim World, el filme de acción, Mission: Impossible III y el largometraje de Disney•Pixar Ratatouille (que le valió un Grammy® al Mejor Álbum de Banda Sonora, un premio Annie a la Mejor Música de una Película Animada, y una nominación a los Oscar® como Mejor Banda Sonora Original). Además, este año fue el director de la orquesta en la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia®.
A comienzos de 1997, el recién formado DreamWorks Studios propuso a Giacchino componer la música para su videojuego insignia de PlayStation, basado en el éxito de taquilla de Steven Spielberg estrenado ese verano, The Lost World. “The Lost World” fue el primer videojuego que presentó música orquestal en vivo escrita para un juego de videoconsola de Play Station y grabada por los miembros de la Sinfónica de Seattle.
A partir de “The Lost World”, Giacchino compuso numerosas piezas de orquesta para DreamWorks Interactive, incluyendo la exitosa serie “Medal of Honor”, un juego de simulación de la Segunda Guerra Mundial creado por Steven Spielberg. Su trabajo en dichos juegos le abrió las puertas a la composición de la serie de ABC “Alias”, creada por el guionista/director, J.J. Abrams. Los productores del programa lo contactaron porque eran fanáticos de los juegos en los que él había participado. “Alias”, a su vez, le abrió la posibilidad de trabajar con Pixar en The Incredibles.
Su fascinación desde chico por las películas lo llevó a ingresar en la escuela de cine School of Visual Arts de la ciudad de Nueva York, donde se especializó primero en Producción Cinematográfica, y luego en Historia. Tras graduarse, Giacchino inició sus estudios de composición en la Juilliard School en el Lincoln Center mientras de día trabajaba en las oficinas de prensa de Universal y Disney en la ciudad de Nueva York. Dos años más tarde, fue transferido a Disney Studios, en Burbank, para trabajar en el departamento de Publicidad de largometrajes. Durante ese tiempo, el aspirante a compositor aceptó un puesto en Disney Interactive como asistente de producción, administrando y produciendo títulos para la división. Sus tardes y fines de semana los dedicaba a practicar y estudiar música.
El 13 de mayo de 2000, la Sinfónica de Haddonfield estrenó la primera sinfonía de Giacchino: “Camden 2000”. Los fondos recaudados fueron a beneficio de ‘Heart of Camden’, una organización dedicada a reconstruir viviendas en esa ciudad de Nueva Jersey. La sinfonía, para cuya presentación se agotaron las entradas, celebró el nacimiento, la grandeza pasada y el futuro de Camdem.


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