“DRAGONBALL: EVOLUCIÓN” es la sumamente esperada película de acción en vivo basada en el popular manga japonés, creado por Akira Toriyama. El trabajo de Toriyama abarca novelas gráficas —que se han convertido en best-sellers—, videojuegos y una serie de televisión tremendamente exitosa.
El manga, la serie y los juegos le aportan a la nueva película una mitología fastuosa y emocionante, así como personajes complejos —elementos que han cautivado a millones de aficionados de todas las edades, en todo el mundo. Una de las franquicias manga más grandes jamás creadas, ¡Dragonball tiene una enorme grupo de seguidores en línea y es uno de los términos más buscados en Google y Yahoo!
Dragonball se ha convertido en un fenómeno global que ha generado más de cuatro billones de dólares en ventas de mercancía. Es considerado el estándar de oro de los videojuegos basados en anime, con más de 25 juegos distintos y más de diez millones de unidades vendidas desde mayo de 2002. La serie —500 episodios y contando— alcanzó los ratings más altos en Europa, Asia y los EEUU.
La película “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN” presenta un reparto con prometedoras estrellas jóvenes y aclamados actores veteranos. Justin Chatwin, quien interpretó al hijo de Tom Cruise en “War of the Worlds”, de Steven Spielberg, interpreta el papel del heroico Goku, un poderoso guerrero que protege a la Tierra de un interminable torrente de bribones determinados a dominar el universo y a controlar los objetos místicos, de donde el filme toma su nombre. Emmy Rossum (“The Day After Tomorrow”) es Bulma, una bella mujer que, impulsada por sus propias razones, está decidida a recuperar las místicas Dragonballs; Jamie Chung (“Samurai Girl”) es Chi Chi, una joven dedicada a las artes marciales, quien llama la atención de Goku; y la leyenda de la pantalla Chow Yun-Fat (“Crouching Tiger, Hidden Dragon”) es Roshi, el Maestro quien guía a Goku en su misión épica por salvar a la Tierra de las fuerzas del mal.
James Marsters (“Buffy the Vampire Slayer”) es Lord Piccolo, cuyo regreso podría significar la destrucción de la Tierra; la sensación internacional Joon Park es Yamcha, un carismático “chico malo” cuyos esquemas podrían arruinar la travesía de los héroes; la popular actriz japonesa Eriko (“Heroes”) es Mai, una asesina que trabaja con Piccolo; Ernie Hudson (“Ghostbusters”) es Sifu Norris, un Maestro y contemporáneo de Roshi; y Randall Duk Kim (“The Matrix Revolutions”) es el abuelo de Goku, Gohan, quien comienza a preparar y aleccionar a Goku para las tareas monumentales que le esperan.
Muchos de estos actores pasaron por un régimen de entrenamiento riguroso bajo los auspicios de la mejor compañía de acrobacias, 87Eleven, que ha ejecutado o diseñado algunas de las secuencias de acción más grandes que se hayan visto en el cine, en películas tales como
“The Matrix” (Matrix), “The Bourne Supremacy” (La Supremacía Bourne), “Mr. & Mrs. Smith” (El Sr. y la Sra. Smith) y “300”.
“DRAGONBALL: EVOLUTION” es producida por el legendario realizador Stephen Chow, cuyas películas más conocidas como actor, director y guionista —“Shaolin Soccer” y “Kung Fu Hustle”— se han distinguido por tener una mezcla única de acción con artes marciales, imágenes generadas por computadora y comedia. El director es James Wong, ex productor ejecutivo/escritor de la afamadas series de televisión “The X-Files”, “Millennium” y “Space: Above and Beyond”, y co-escritor/director de los éxitos cinematográficos “Final Destination” y “Final Destination 3”. Ben Ramsey (“Love and a Bullet”) escribió el guión basado en la serie de novelas gráficas Dragonball, de Akira Toriyama. La división de comics de The Shonen Jump, de la casa editorial Shueisha, ubicada en Tokio, es la encargada de la publicación del manga Dragonball.

La misión de Goku —con nada menos que el destino de nuestro mundo en peligro—comienza de manera inocente en el jardín trasero del hogar de su abuelo, donde Gohan le está enseñando al joven algunos movimientos exóticos de artes marciales. Es el cumpleaños 18 de Goku, y el regalo que Gohan le da a su nieto es un Dragonball, una pelota pequeña y esférica, cuya superficie es suave y perlada, pero con una traslucidez lechosa que le da profundidad. Cuatro estrellas flotan en su interior. Solamente hay otras seis iguales en el mundo, y se dice que aquel quien logre juntar las siete Dragonballs se le concederá un deseo perfecto.
El pasado misterioso de Goku —quien nunca conoció a sus padres— está ligado a la leyenda de las Dragonballs, así como al venidero eclipse solar, cuyas supersticiones representan un símbolo de un apocalipsis venidero. Gohan promete revelarle todo a Goku en la cena especial que su abuelo le está preparando para celebrar su cumpleaños.
Pero Goku decide no asistir al festín de Gohan, y, en cambio, decide irse a una fiesta cuya anfitriona va a ser Chi Chi, una compañera estudiante por la que se siente atraído. Una vez que los dos adolescentes llegan a conocerse mejor, la llegada de una fuerza maligna provoca una tragedia en el hogar —lo que lleva a Goku, Roshi, Bulma, Yamcha y Chi Chi a una carrera para recuperar los siete Dragonballs. Los riesgos no podrían ser más altos. Goku se enfrentará a los enemigos más mortíferos de la Tierra, dominará una fuerza poderosa llamada Ki —que se encarga de ordenar la energía del universo— y se enterará de la verdad de su increíble pasado…y la de un futuro potencialmente inimaginable.
Convertir una propiedad global tan apreciada en un evento cinematográfico no es tarea fácil, y pasaron años después de que Twentieth Century Fox adquiriera los derechos de la serie de novelas gráficas Dragonball para hacer que eso sucediera. Una adaptación para la pantalla grande comenzó finalmente a cobrar forma cuando el realizador James Wong, quien ha trabajado extensamente en el género de ciencia ficción y fantasía, se interesó por el proyecto. Wong recuerda: “Leía los mangas, que realmente avivaron mi interés por la propiedad. Las novelas gráficas nos llevan a un mundo fantástico con grandes personajes —y son muy divertidas”.
Inspirados en el manga, Wong y el guionista Ben Ramsey trabajaron hasta lograr una mezcla de acción, humor y relaciones de personaje para la nueva película. “Nos esforzamos por lograr la correcta combinación de lo fantástico y lo narrable”, comenta Wong. Grandes escenarios para la acción, efectos visuales con tecnología de punta e intrincadas secuencias de artes marciales fueron elementos clave de “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”, pero todavía había mucho más que explorar con los personajes, sus fascinantes historias y sus relaciones progresivas.
“Creo que el atractivo de Dragonball, más allá de su acción, es el mundo inmensamente creativo que Akira Toriyama inventó”, comenta Ramsey. “Existe una complejidad y humanismo en los personajes súper humanos que habitan ese mundo, así como un sentido abrumador de optimismo que su personaje principal se encarga de enaltecer”.
Los retos en adaptar Dragonball para la pantalla grande fueron intimidantes, que se iniciaron con crear una historia que satisficiera a sus aficionados a ultranza y, asimismo, introducir este mundo a los no aficionados. “Así que el concepto era comenzar en un mundo que se sintiera familiar, y después introducir gradualmente los elementos fantásticos de Dragonball, por lo que para la mitad de la película ya estábamos en una modalidad Dragonball absoluta”, indica Ramsey.
“El reto más grande en adaptar un manga o serie animada en un película de acción en vivo es el peso de la realidad”, continúa. “Una vez que le das vida a los personajes y los conviertes en humanos de carne y huesos, las reglas cambian, aunque sea mínimamente. Los personajes animados pueden salirse con la suya mucho más que los personajes de acción en vivo. Cuando se escribe para personajes de acción en vivo tienes que implementar matices en el diálogo, dinámica entre los personajes y acción”.
Ramsey y Wong tomaron nota del hecho de que los personajes y ambientes del manga son fundamentales para el gusto y empatía universal del que gozan. “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”, al igual que el manga, se desarrolla en un futuro cercano, en un ambiente multicultural. Es un mundo donde “el futuro y el pasado se vuelven uno”, comenta Wong, y donde “la raza no tiene ningún papel significante”. Para ello, el proceso de casting de la película fue, como Wong dice, “daltónico”. La producción estableció oficinas de casting en Los Ángeles, Nueva York, Vancouver, Londres, Hong Kong y Japón —“la red más amplia a la que jamás hayamos recurrido en un proceso de casting”, indica el director.
Justin Chatwin obtuvo el papel de Goku después de una exhaustiva búsqueda mundial. Goku es un estudiante de preparatoria cuya inocencia y honestidad son dejadas atrás cuando comienza su heroico viaje. “El personaje tiene un gran arco —desde nerd de la preparatoria hasta salvador del planeta”, comenta Wong. “Un minuto, Goku es un estudiante de preparatoria que no encaja con sus compañeros; al siguiente, está en una misión increíble”. Chatwin se entusiasmó con la idea del viaje que emprende el héroe, en vista de que ha admirado desde hace mucho tiempo el trabajo de especialistas en mitología, como Joseph Campbell, cuyos escritos lidiaban frecuentemente con el rol del héroe. “Goku comienza su viaje como un adolescente común y corriente que descubre que está destinado para algo más”, comenta Chatwin. “Se convierte en un símbolo del bien moral”.
El viaje transformador de Goku es muy bueno, así como sus habilidades en artes marciales, pero un tema de igual escrutinio fue el….cabello del personaje. Las legiones de aficionados de Dragonball se identifican con su distintivamente estilizado peinado de puntas. “Esa fue mi primer pregunta a Jimmy Wong”, comenta Chatwin entre risas. “¿Qué vas a hacer con el pelo? Es tan importante, ¡que incluso el cabello tiene un arco!” (El peinado de Goku cambia a lo largo del filme, hasta convertirse en su distintivo “peinado” puntiagudo).
Uno de los primeros pasos en el viaje de Goku es buscar a Roshi, un Maestro anciano que complementa su entrenamiento, le ayuda a develar el secreto de su pasado y se le une en una misión para salvar al mundo. Roshi es como ningún otro Maestro Oriental que hayas visto antes; le gustan las mujeres y es partidario de las camisas hawaianas. Según Wong, el papel requería nada menos que un actor icónico que pudiera transmitir las múltiples dimensiones e increíbles habilidades del personaje. “En realidad, tuvimos que ir muy alto para encontrar a nuestro Roshi”, comenta Wong, “y decidimos apostarlo todo y abordar a Chow Yun-Fat”, la legendaria superestrella internacional que ha encabezado algunas de las películas de acción más aclamadas en la historia del cine, incluyendo la ganadora del Oscar® “Crouching Tiger, Hidden Dragon”.
Para los aficionados de Roshi, que lo conocían del manga y anime, Chow no tenía una obvia compatibilidad física con el personaje. Wong explica: “En el manga, Roshi es una figura anciana y excéntrica, que es impredecible. No es definitivamente tu Maestro tradicional que ofrece consejos sabios”. Si bien no había cantidad de maquillaje y prótesis que pudieran transformar al fornido Chow —a quien la revista People nombró una de las 50 personas más bellas del mundo, y el Los Angeles Times lo consideró “el actor más cool del mundo”— en la diminuta y anciana figura que aparece en el manga, Chow trabajó arduamente para capturar el espíritu del personaje. “Nunca he tenido la clase de reto que tuve con el papel de Roshi”, comenta el actor. “Hay tantos elementos en él —humor, acción, romance, emoción. Tiene poderes extraordinarios, pero no deja de ser simpático, familiar y humano”.
Una de las múltiples ideas que el actor propuso para el personaje fue que usara lentes de contacto color gris, para insinuar la inminente aparición de cataratas. “Pensé que los lentes intensificarían el realismo y familiaridad de Roshi”, comenta Chow, quien también practicó regularmente Tai Chi y meditación, antes y durante el rodaje.
Fascinados por estar trabajando con un icono del cine, tanto el reparto como el equipo de producción estaban impresionados por igual con el trabajo fuera de cámara de Chow. Nunca fue a su tráiler a relajarse entre escenas, y con frecuencia ayudaba a la unidad de cámara —incluyendo mover equipo pesado (para convertirse en el tramoyista más prestigioso de la industria). “Chow nunca dejó el set”, dice maravillado el director de fotografía Robert McLachlan, ASC/CSC. “Era como parte del equipo de producción”. Pero, para Chow, su trabajo detrás-de-cámaras no era la gran cosa. “Es la manera en como hemos estado haciendo las cosas en Hong Kong desde que comencé mi carrera en la televisión”, indica. “Los equipo de producción eran pequeños y siempre había ayuda mutua”.
Chow fue una inspiración para todos, especialmente para los actores más jóvenes, como Justin Chatwin y Jamie Chung. Esta última tiene el papel protagónico en la popular serie de televisión “Samurai Girl”, cuyo personaje del título posee habilidades de pelea que le resultaron útiles para “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”. Una de las estrellas jóvenes más brillantes y atractivas del momento, Chung le aportó mucho más a Chi Chi que habilidades marciales. Tiene la energía radiante necesaria para hacer totalmente suyas ambas facetas del personaje. “Chi Chi es la ‘Chica del Momento’ —la chica más popular de la preparatoria”, comenta Chung. “Proviene de una familia adinerada, y todo mundo espera ciertas cosas de ella. Pero ella tiene una segunda vida —una vida secreta— marcada por su pasión para pelear. Aparenta ser un chica común y corriente, pero cuando se prende, ¡puede golpear a cualquiera!”.
La relación cada vez más intensa entre Chi Chi y Goku se da, en parte, a raíz de que son almas gemelas. “A Chi Chi le atrae la habilidad secreta que Goku tiene para pelear”, comenta Chung. “Siente que Goku tiene algo realmente especial, y ella es capaz de hacer que eso resalte en él”.
Otra joven y bella mujer que se une a Goku en su misión es Bulma, un científica descrita en el manga como la “chica más inteligente del mundo”. La película conserva la confianza en sí misma, intensidad e inteligencia del personaje del manga —y el hecho de que ella sabe exactamente qué es lo que quiere. Y lo que Bulma quiere es el Dragonball que robaron de la compañía de su padre. Bulma, quien porta una vanguardista pistola magnum guiada por rayo láser, hará cualquier cosa por recuperar el Dragonball de cinco estrellas, que, piensa, proporcionará una ilimitada fuente de energía —e inmensas recompensas financieras.
Emmy Rossum apreció los retos de interpretar a un personaje tan multifacético, cuya actitud inflexible y determinada comienza a cambiar después de que se une a Goku y Roshi en su búsqueda por los Dragonballs. “Bulma llega a darse cuenta que la vida tiene que ver con mucho más que su misión personal”, comenta Rossum. “El personaje en el manga, y ahora en nuestra película, es tan vivo, divertido y valiente. Es todo menos ordinaria”. Un bono para la actriz fue aprender a manejar el vehículo de Bulma, que la producción creó a partir de una motocicleta Harley.
En el manga, Bulma usa una melena color azul, que se convirtió en su aspecto insignia. Rossum recuerda que los realizadores intentaron diversas maneras de capturar ese colorido y estilo, incluyendo tintes, extensiones de pelos y pelucas, pero finalmente tomaron una dirección más realista. No obstante, existen rastros de azul y morado mezclados a lo largo del vestuario del personaje.
En su búsqueda por los Dragonballs, Goku, Roshi y Bulma se enfrentan a su adversario, Lord Piccolo. Piccolo, como es representado en el manga, es una figura compleja e intrigante cuya travesía lo ve encarnar tanto al bien como el mal. En vista de que en la mitología de Dragonball cualquier personaje puede pasar del bien al mal, y viceversa. James Marsters, amado por millones de aficionados de todo el mundo gracias a su prolongada presencia como el vampiro Spike en las exitosas series de televisión “Buffy the Vampire Slayer” y “Angel”, interpreta a Piccolo en el filme. Su Piccolo es el antagonista de la historia —“En la película, Piccolo es una figura decrépita, y sus objetivos están centrados en la venganza”, comenta Marsters—, pero hay indicios de que su viaje es en gran medida un proceso evolutivo.
Mai, una belleza exótica teñida de malevolencia, trabaja con Piccolo. Su ataque predilecto es lanzar navajas conocidas como shiruken. La actriz oriunda de Japón, Eriko, quien llegó a “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN” después de haber interpretado un papel recurrente en “Heroes”, dice que disfrutó haber interpretado una “mujer fuerte y tenaz”. James Wong añade que Eriko le aporta al papel una “cualidad especial y reciedumbre”.
El reparto protagónico lo completa Joon Park como Yamcha. Éste, quien busca hacerse rico rápidamente, atrapa a Goku, Roshi y Bulma en el desierto. Pero eventualmente se les une en su travesía. Park, una estrella de rock en su natal Corea, ha actuado frente a 100,000 aficionados histéricos —una experiencia que le ayudó a capturar la esencia del personaje. “Joon tiene todas las virtudes necesarias para Yamcha, incluyendo carisma y un sentido de malicia”, comenta Wong. “Yamcha es recio por fuera, pero de corazón suave por dentro”, añade Park. “Algo en su pasado lo ha dejado marcado, y le gusta abordar por encimita los detalles de la vida, para ir en busca de dinero”.

ACCIÓN – “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”- ESTILO
“¿Cómo hacer para que las secuencias de acción se vean y sientan diferentes con respecto a lo que las audiencias han experimentado antes?” Esa fue la primera pregunta que Wong le planteó a su equipo cuando comenzó a pensar en lo que los aficionados de acción esperarían de una película basada en Dragonball. Las respuestas del aclamado equipo de acróbatas, 87Eleven, así como del director de fotografía Robert McLachlan y del supervisor de efectos visuales Ariel Velasco Shaw, ciertamente satisficieron a Wong —y promete no solamente complacer a los aficionados del cómic sino también a los entusiastas de las películas de acción.
El supervisor de efectos visuales Velasco Shaw empleó lo que Wong llama “cámaras-puño” —de la renombrada compañía Iconix—, que son tan pequeñas que pueden ser montadas en el puño de un actor, permitiendo que el golpe de un personaje llegué directamente al público. “Es como un tipo de ‘punto de vista del puño’”, explica Wong. McLachlan sugirió utilizar las nuevas cámaras digitales Phantom de alta-velocidad para generar en secuencias de acción clave un movimiento súper lento. “Hicimos mucha investigación y desarrollo con las cámaras Phantom”, comenta McLachlan, quien había descubierto la en aquel entonces experimental fotografía en YouTube. En el video de YouTube un globo lleno con agua es reventado con la “acción” captada a 1,000 cuadros por segundo. McLachlan y Wong quedaron impactados con el resultado. “La cosa más espectacular del video fue ver cómo el agua conservaba la forma del globo antes de caer”, Wong recuerda.
De “menor-tecnología”, pero de igual relevancia para intensificar la acción, fueron las acrobacias y entrenamiento supervisados por 87Eleven, y los coordinadores de acrobacias Jonathan Eusebio, Julian Bucio Montemayor y Jared Eddo. La primera cosa en su agenda fue poner en forma al reparto, seguido de un intensivo programa de acción coreográfica, y, finalmente, hacer que los actores se sintieran cómodos con el considerable trabajo de cables y acrobacias que tenían que desempeñar. Fue un programa increíblemente riguroso —“Cuando [los actores] no estaban trabajando, estaban entrenando”, comenta Eusebio.
Los miembros jóvenes del reparto pasaron por regímenes de entrenamiento diseñados de manera individual —no hay dos personajes que tengan idénticos estilos de pelea—, así como dietas especiales para mantener su fuerza y resistencia durante la producción. En la tradición de Dragonball, Goku es el más grande guerrero del planeta. Y Justin Chatwin asumió la responsabilidad de capturar las habilidades del personaje, muy seriamente. Antes de que diera inicio la fotografía principal, estuvo seis semanas bajo orientación nutricional y entrenando acrobacias y artes marciales con 87Eleven; un severo régimen que continuó durante el rodaje de la película. “Todo esto provocó que mi adrenalina comenzara a correr”, comenta el actor, quien también señala que dejó el azúcar, el trigo y la pasta durante su trabajo en la película. Chatwin pasó mínimo cinco horas de entrenamiento al día, estudiando karate, kung fu y un método brasileño conocido como capoeira, que hace del movimiento de artes marciales, los juegos y la danza un ritual. Para las maniobras acrobáticas más extremas, Jackson Spidell dobló al actor. El movimiento insignia de Spidell: pegar un brinco y, en el aire, hacer medio giro, para, al momento de caer, golpear a un contrincante.
A Chow Yun-Fat, en el papel Roshi, le dieron estilos marciales “más suaves”, como el Tai Chi, para adecuarse a la edad y experiencia del personaje. A Jamie Chung, como la joven y siempre entusiasta artista marcial Chi Chi, le dieron estilos de pelea “duros”, incluyendo kickboxing, karate y boxeo Thai. Chung estaba especialmente encantada con una vital escena de pelea en la que Chi Chi pelea contra…Chi Chi. (Mai, un personaje que cambia de forma, se transforma en Chi Chi para robar un Dragonball). “Tuve que interpretar ambos lados de la pelea y aprender la coreografía tanto para Chi Chi como para Mai”, esta última practicante del kung fu, Chung recuerda. Los efectos visuales, incluyendo control de movimiento y composiciones separadas, realzaron la compleja batalla.
Y, ¿qué tipo de entrenamiento requiere el actor para interpretar a una de las figuras más poderosas del universo —Lord Piccolo? Según James Marsters, fueron sesiones en las que hubo golpes/patadas/combinaciones de bloqueo. “Creía que mi cuerpo se me iba a romper”, comenta el actor entre risas. “Pero [el equipo de acrobacias y entrenadores] sabían exactamente qué tanto podía soportar mi cuerpo”.
Una de las primeras escenas en la que vemos a Goku y a su abuelo Gohan entrenar en un tendedero, que se encuentra varios metros arriba del suelo, fue una de las favoritas del equipo de acrobacias. “Gohan y Goku están peleando, pero de una manera juguetona”, explica el coordinador de efectos Jared Eddo. “Cinco tramoyistas y un equipo de acróbatas de once personas, incluyendo dobles y expertos en seguridad, estuvieron involucrados en la escena. Poleas y máquinas —junto con mano de obra convencional— nos permitieron crear la ilusión de que los personajes estaban parados sobre el tendedero, y [una tramoya especial] nos permitió maniobrar a los acróbatas y a los actores”.
Una batalla decisiva entre Goku y Piccolo, que se lleva a cabo en el “Templo del Dragón”, fue realizada y fotografiada como una pelea extrema, que les llevó no menos de diez días para completar. Aquí, Goku ejecuta su emblemático movimiento de arte marcial, “Kame-Hame-Ha”, donde toma energías, tanto extraterrestres como terrenales, para lanzar una intensa ráfaga cegadora hacia su adversario. Para la escena, Justin Chatwin y James Marsters tuvieron que saltar 6 metros arriba del piso del Tempo, y parecer que “volaban” hacia unas salientes rocosas — todo con la ayuda de cables y alambres, desde luego. Más tarde libran una batalla “en el aire”, suspendidos frente a una pantalla verde.

DISEÑANDO “DRAGONBALL: EVOLUCIÓN”
El singular aspecto de las escenas de acción de la película complementa su dirección de arte y fotografía. El diseñador de producción Bruton Jones, junto con los asesores visuales Richard Holland y Bruce Crone, apelaron al manga y anime de Dragonball, así como a un crisol de estilos que reflejaran los punto de referencia pasados/futuros y multiculturales de la película. El Templo del Dragón, por ejemplo, tiene influencias arquitectónicas rusas, japonesas y chinas.
Antes de que diera inicio la producción, el director de fotografía Robert McLachlan probó varios tipos de película antes de decidirse por Fuji, ya que ésta le ayudó a darle una apariencia muy saturada en colores, que era la que estaba buscando. La saturación del color aumenta la intensidad del eclipse solar en el filme, que en la historia indica un evento potencialmente catastrófico. “Queríamos que nuestro eclipse fuera mucho más surrealista [que un típico eclipse solar], con colores extraños, intensos y rojizos”, comenta McLachlan.
Ariel Velasco Shaw supervisó los múltiples y variados efectos visuales de la película, incluyendo la fuerza de energía conocida como Ki. Uno de los ocupantes principales de la filosofía oriental es aquel quien aprovecha el poder del Ki —y vincula las increíbles maquinaciones de Dragonball con nuestro mundo real. En la técnica “doblarse en el aire” del Ki, el practicante saca el poder de su pecho, provocando que el aire a su alrededor genere ondas de distorsión —y la fuerza de energía resultante impacte a su oponente. El Ki es tan fuerte que obtiene poder del universo, una vez que es canalizado a través de la habilidad del practicante en esta técnica. Su manifestación máxima es el movimiento “Kame-Hame-Ha”, de Goku.
Velasco Shaw y su equipo crearon varias formas de Ki apropiadas para el personaje. Por ejemplo, un personaje humano poseería un Ki diferente al de un extraterrestre o un híbrido extraterrestre-humano. Además, existe un Ki “más joven” para los personajes más adolescentes, y un Ki “más viejo”, más desarrollado, para Roshi.
Las icónicas y místicas Dragonballs fueron en gran medida obra del equipo de efectos visuales. “Todos tenían una idea de cómo deberían verse y cuál era su función”, comenta Velasco Shaw. Las Dragonballs, cortesía de la magia de las imágenes generadas por computadora, tienen una luminiscencia etérea, que se adaptan a propiedades sobrenaturales.
Velasco Shaw también supervisó dos creaciones hechas totalmente por computadora: la monstruosa criatura Oozaru, así como el Fu Lamm —demonios asesinos— que se regeneran cuando son desmembrados.
Alec Gillis y Tom Woodruff, Jr., directores de una de las principales compañías de maquillaje y prótesis de la industria, Amalgamated Dynamics Inc. (ADI), diseñaron y crearon el maquillaje prostético de Lord Piccolo. Las sofisticadas prótesis de Lord Piccolo, diseñadas por Gillis y Woodruff, fueron aplicadas por el maquillador de prótesis Edward French.

ACERCA DE LAS LOCACIONES
“DRAGONBALL: EVOLUTION” comenzó su producción en la Cuidad de México, donde una escuela privada y ultramoderna hizo las veces de la preparatoria de Goku. Más de cien estudiantes fueron utilizados como extras para rellenar los salones de clases, los estacionamientos y los pasillos. Una inmensa mansión privada en una exclusiva zona residencial, con elementos arquitectónicos asiáticos y estilo Tudor, fue utilizada para una escena de una fiesta de la preparatoria. Un área dentro de los límites de la ciudad se convirtió en la Ciudad Paozu, donde Roshi vive en una choza en medio de inmensos rascacielos.
Después de seis días de rodaje en la Ciudad de México, la producción se mudó a Durango, México, donde el resto del rodaje se llevó a cabo. “Necesitábamos locaciones exteriores espectaculares, y Durango las tenía, incluyendo alta montaña, formaciones rocosas y desierto”, comenta el productor ejecutivo Tim Van Rellim, quien había trabajado en una producción cinematográfica en Durango, diez años atrás. La producción transformó una fábrica de pantalones de mezclilla abandonada, de 90 mil metros cuadrados, en un estudio de producción con espacios para oficinas, almacenaje y talleres, así como una bodega para el vestuario, foros prácticos y un área exterior de cuatro hectáreas que fue convertida en un lote trasero para sets exteriores.
Formaciones rocosas desoladas en la alta montaña de Mexiquillo se convirtieron en el lugar secreto de entrenamiento de Toi San. Más de 200 artistas marciales de Durango y sus instructores fueron reclutados y transportados a la remota locación para una gran escena de entrenamiento de artes marciales. El reparto y el equipo de producción se enfrentaron diariamente a temperaturas extremas, que iban desde frías mañanas que alcanzaban un mínimo de -1° C hasta tardes de 27° C, así como ocasionales tormentas de arena provocadas por condiciones de viento extremo. Más tarde durante el rodaje, los realizadores utilizaron una gran instalación recreativa en Durango como locación para que fungiera como la arena de competencia del Torneo Toi San. Mil extras llenaron la estructura, para ovacionar la acción.
El Parque Estatal Los Órganos, con sus espectaculares formaciones rocosas que se asemejan a cañones de órgano de iglesia, se convirtió en la locación e inspiración para el Templo del Dragón de la historia, donde importantes secuencias de acción fueron filmadas. Inmensas dunas de arena, llamadas “Las Dunas de Bilbao”, al norte de Durango, fueron utilizadas para escenas del viaje y como exterior de una caverna desértica en el hábitat de Yamcha.
El mercado Toi San fue construido en el interior de un almacén de granos del siglo XIX, que fue encontrado ahí mismo a las afueras de Durango. Nuevos elementos arquitectónicos fueron agregados y después realzados con el decorado de sets, mezclando elementos del Medio Oriente con una atmósfera de mercado de pulgas.
Los sets interiores construidos y alojados en la fábrica de pantalones de mezclilla, incluyeron el interior de dos pisos de la choza de Roshi, una caverna interior de 6 metros de altura, el patio del Templo de Toi San (y sus interiores correspondientes), la Cámara Génesis y el dirigible de Lord Piccolo, así como los sets con las pantallas verdes.


ACERCA DEL REPARTO
JUSTIN CHATWIN (Goku) aparece en la comedia romántica venidera “Middle of Nowhere”, de John Stockwell, junto con Susan Sarandon y Eva Amurri, que se exhibió en el Festival Internacional de Cine de Toronto, en el 2008.
Los créditos cinematográficos de Chatwin incluyen “The Invisible” (El Invisible), donde actuó al lado de Marcia Gay Harden; la nueva versión de Steven Spielberg del clásico de H.G. Wells, “War of the Worlds” (La Guerra de los Mundos), donde Chatwin actuó al lado de Tom Cruise y Dakota Fanning; la película independiente “The Chumscrubber”, también protagonizada por Ralph Fiennes, Glenn Close, Rita Wilson y Allison Janney; y “Taking Lives” (Robando Vidas), con Angelina Jolie y Ethan Hawke.
Chatwin obtuvo por primera vez reconocimiento gracias a su papel protagónico en la miniserie “Traffic”, dirigida por Stephen Hopkins, para USA. Basado en su actuación en el programa, Newsweek lo catalogó como un “actor a seguir”. Créditos televisivos adicionales incluyen “Lost” y “Weeds”.
Hijo de un ingeniero y de una artista, Chatwin nació y fue criado en la Isla de Vancouver (Nanaimo), Columbia Británica.

EMMY ROSSUM (Bulma) es una talentosa y joven actriz , así como una música consumada. Nominada para un Globo de Oro® en el 2004 por su actuación protagónica en el papel de Christine en la película “The Phantom of the Opera” (El Fantasma de la Ópera), por ésta, además, obtuvo el Premio de la National Board of Review a Mejor Actuación Femenina Promesa y, en el 2005, el Premio de la Broadcast Film Critics Association a la Mejor Actriz Joven. Protagonizó la película de acción “Poseidon” (Poseidón), el exitazo taquillero “The Day After Tomorrow” (El Día Después de Mañana), el drama “Mystic River” (Río Místico), de Clint Eastwood, y la película independiente “Songcatcher”, ganando esta última el Gran Premio Especial del Jurado a Ensamble Sobresaliente en el Festival de Cine de Sundance, en el 2001. La actuación de Rossum en “Songcatcher” le valió una nominación al Premio Independent Spirit en la categoría de Mejor Actuación Debut.
Sus créditos en televisión incluyen apariciones como actriz invitada en “Law and Order”, y “The Practice”.
En el 2007, Rossum grabó su primer álbum para Geffen Records, “Inside Out”. Con tan sólo su voz —entrenada clásicamente— como su instrumento principal, escribió y grabó todas sus canciones. Rossum está trabajando en su segundo álbum entre roles cinematográficos.
Rossum comenzó su carrera en el teatro a la edad de siete años, cuando cantó los papeles infantiles en el Metropolitan Opera, en el Lincoln Center. Hasta los 12 años, estudió técnica escénica y técnica vocal clásica, además de haber interpretado en cinco idiomas veinte óperas distintas.
Rossum es la Embajadora Juvenil de la organización internacional Youth AIDS, que trabaja para educar a gente joven en sesenta países en prevención y tratamiento del SIDA. Viaja por todo el mundo hablando en escuelas, universidades y foros gubernamentales, para crear conciencia de la epidemia.
Rossum nación en la ciudad de Nueva York y estudió en la Escuela Spence. Obtuvo su título de preparatoria a través del Programa de Educación para Jóvenes Dotados (EPGY, por sus siglas en inglés) de la Universidad de Stanford y del Centro para el Desarrollo de Talento (CTD, por sus siglas en inglés) de la Universidad Northwestern.

JAMIE CHUNG (Chi Chi) interpretó el papel protagónico en la exitosa miniserie “Samurai Girl”, original de ABC Family. El programa giraba en torno a Heaven (Chung), una niña adoptada de padres adinerados, que lucha por balancear una vida normal con las tradiciones samurái de sus ancestros.
Recientemente terminó la producción de la película independiente “Burning Palms”, dirigida por Christopher Landen. Situada en Los Ángeles, la película entrelaza cinco historias en donde cada personaje es llevado hacia un destino cómicamente sombrío.
Chung terminó la producción de la nueva versión de la película de terror “The House on Sorority Row”, original de 1983. La película también es protagonizada por Carrie Fisher, y su estreno se tiene programado para octubre de 2009. Además, Chung terminó recientemente la película televisiva “The Princess Protection Program”, junto a Selena Gomez y Demi Lovato, para Disney. La comedia narra las tribulaciones de una joven princesa que es puesta bajo custodia en un programa especial de protección, cuando su pequeño país es invadido y reubicado en la zona rural de Wisconsin. En el corazón del medio oeste, deberá aprender a comportarse como una adolescente estadounidense normal.
Chung apareció en la exitosa comedia “I Now Pronounce You Chuck and Larry” (Yo los Declaro Marido…y Larry). Sus otros créditos en televisión incluyen un papel protagónico en “ER”, una aparición como actriz invitada en “CSI: NY”, y apariciones recurrentes en “Greek”.

CHOW YUN-FAT (Roshi) creció en la Isla de Lama, un pequeño pueblo pesquero a las afueras de Hong Kong. Su familia se mudó a una ciudad de la gran isla cuando tenía diez años. A la edad de 17 renunció a la escuela para perseguir una carrera en la actuación, y, ante la sugerencia de un amigo, solicitó su admisión y fue aceptado en el programa de aprendiz de actor en la estación de televisión local de Hong Kong. Después de estar en el programa durante un año, la estación lo contrató rápidamente como actor exclusivo, donde estuvo 14 años.
Después de haber realizado más de 128 episodios de la popular serie de televisión “Hotel”, Chow fue considerado un símbolo sexual y un famoso actor protagónico en Hong Kong. La inmensa popularidad de su siguiente serie, “The Bund”, provocó que su nombre se volviera popular a lo largo del sudeste de Asia.
La primera gran oportunidad de Chow en el cine se presentó cuando la directora Ann Hui lo abordó para que protagonizara “The Story of Woo Viet”. Su actuación, así como el filme —que se rodó cuando Hong Kong todavía producía en masa películas de acción de kung fu—, fueron aclamados por la crítica. La carrera de Chow se catapultó. Recibió una serie de premios y realizó 12 películas en 1986, un record para un actor ubicado en Hong Kong.
A la postre, el director John Woo le dio a Chow el papel de Mark para la película aclamada internacionalmente “A Better Tomorrow”. Chow alcanzó un estatus de superestrella en Asia, y la gabardina, lentes oscuros y candentes pistolas Beretta de su personaje se volvieron icónicas. Después de una serie de comedias románticas y dramas, Chow se reunió con Woo en “The Killer” y “Hard Boiled”, que incrementaron el número de aficionados a escala internacional de Chow.
Un nuevo género cinematográfico emergió en Hong Kong, con Chow a la cabeza. Las historias eran reminiscentes de las películas de gánsteres, protagonizadas por Humphrey Bogart y James Cagney, ahora con Chow interpretando al héroe trágico. “City of Fire”, del director hongkonés Ringo Lam, por la que Chow obtuvo un Premio de Cine de Hong Kong a Mejor Actor, fue la inspiración de Quentin Tarantino para “Reservoir Dogs” (Perros de Reserva).
Después de haber conquistado Asia con más de 68 largometrajes, Chow se embarcó a Hollywood en 1996 para su primer papel en habla inglesa, en la película “The Replacement Killers” (Asesinos Sustitutos), dirigida por Antoine Fuqua. Después protagonizó el drama policiaco “The Corruptor” (El Corruptor), dirigido por James Foley. En la épica de Twentieth Century Fox “Anna and the King” (Ana y El Rey), también protagonizada por Jodie Foster, Chow interpretó el papel del Rey. Pero no fue sino hasta el exitazo taquillero y entre la crítica “Crouching Tiger, Hidden Dragon” (El Tigre y el Dragón), que Chow se convirtió en un rostro familiar en los Estados Unidos.
Después de haber hecho “Bulletproof Monk” (El Guardián), Chow trabajó en “Pirates of the Caribbean: At World’s End” (Piratas del Caribe 3: en el Fin del Mundo), para Disney, y se reunión con Ann Hui en “The Postmodern Life of My Aunt”. Chow después protagonizó “Curse of the Golden Flower” (La Maldición de la Flor Dorada), y regresó a trabajar con John Woo en el videojuego “Stranglehold”. Su siguiente proyecto cinematográfico es el imponente thriller dramático “Shanghai”, también protagonizado por John Cusack.
Chow, nombrado por Los Angeles Times como “el actor más cool del mundo”, y a quien la revista People consideró una de las cincuenta personas más bellas del mundo, continúa viviendo en Hong Kong, donde es conocido entres sus aficionados como “Big Brother”. Chow pasa su tiempo libre fotografiando paisajes y planea venderlos para recabar dinero y donarlo a una serie de obras de caridad locales e internacionales, con las que se encuentra involucrado.

JAMES MARSTERS (Lord Piccolo) se convirtió en un actor favorito entre los aficionados de todo el mundo cuando interpretó al personaje de Spike, un vampiro punk-gótico, en la aclamada serie de televisión “Buffy the Vampire Slayer” (Buffy, La Cazavampiros). Después de seis temporadas en “Buffy”, continuó su papel en la igualmente popular “Angel”, que se derivó de “Buffy”. Marsters ha recibido numerosas nominaciones y premios, incluyendo un premio Spacey, el Premio Saturn, el premio Cinescape Rostro del Futuro, el Premio Golden Satellite y el Premio Teen Choice.
Coprotagonizó la película “P.S. I Love You” (P.D. Te Amo), una historia de amor también protagonizada por Hilary Swank, Gerard Butler y Kathy Bates. Sus otros créditos cinematográficos incluyen “The House on Haunted Hill” (La Residencia del Mal), “Winding Roads” y el thriller independiente “Chance and Shadow Puppets”. El trabajo adicional de Marsters en la televisión incluye un papel protagónico en la película original para televisión “Cool Money”, un papel como Braniac, el infatigable villano de Kryptonian, en la popular serie “Smallville”, y papeles como actor invitado en “The Mountain”, “Saving Grace”, “Strange Frequency”, “Millennium”, “Andromeda” y “Without a Trace”. Fue visto más recientemente en la película original de Lifetime “The Capture of the Green River Killer”, que constó de dos partes.
Nacido en el remoto pueblo maderero de Greenville, al norte de California, y criado en Modesto, Marsters sabía que quería ser actor después de haber hecho su debut como Eeyore en una producción del cuarto año de primaria de “Winnie the Pooh”. Después de haber pulido sus habilidades a través del departamento de teatro de su preparatoria, estudió en la prestigiosa Escuela Julliard, en Nueva York. Marsters comenzó su carrera profesional en teatro en Chicago, donde actuó en producciones teatrales tales como “The Tempest” y “Red Noses”, en el afamado Teatro Goodman. Fundó y dirigió exitosas compañías teatrales tanto en Chicago como en Seattle.
Fue durante su estancia en Seattle que Marsters obtuvo un papel como actor invitado en la serie de televisión “Northern Exposure”. Esto lo llevó a mudarse a Los Ángeles. A los pocos meses ya tenía en sus manos el papel de Spike en “Buffy the Vampire Slayer”.
Marsters también es un exitoso cantautor, quien durante dos años fue líder de la banda Ghost of the Robot, un grupo que disfrutó de giras por todo el mundo ante localidades agotadas, antes de haberse disuelto en el 2004. Ese mismo año, los intereses musicales de Marsters tomaron otro derrotero emocionante, cuando realizó conciertos acústicos como solista de su propio material. Junto con el lanzamiento de su primer álbum como solista en el 2005, “Civilized Man”, Marsters disfrutó de una triunfante gira como solista en el Reino Unido y Australia, donde se presentó ante localidades agotadas y multitudes entusiastas en cada una de sus presentaciones. Continúa cantando tanto en giras internacionales como en centros nocturnos de los Estados Unidos, cuando su agenda se lo permite.

JOON PARK (Yamcha) es un actor, cantante y conductor. Ha aparecido en cientos de programas de televisión en su natal Corea. Park nació en Seúl y creció en California. Hizo su debut cinematográfico en Hollywood en “Speed Racer” (Meteoro: La Película), como un villano conductor Yakuza. Park apareció en el video musical de Janet Jackson “If”, y en Corea fue conductor de su propio programa de televisión, “Non Stop”. De 1999 al 2005, Park fue el cantante principal y rapero del grupo coreano de hip-hop G.O.D. (Gross Over Dose). El grupo se presentó ante localidades agotadas en arenas y generó ventas de álbumes de más de seis millones de ejemplares por todo Corea y el Lejano Oriente. Park se graduó de la Universidad Estatal de California, Long Beach.

ERIKO (Mai) es mejor conocida entre el público estadounidense gracias a sus apariciones como actriz invitada en las series de televisión “Heroes”, en el papel de Hiro, interés amoroso del personaje de Masi Oka. Hizo su debut cinematográfico en los Estados Unidos con uno de los papeles protagónicos en “Surf School”.
En Japón, Eriko es una afamada actriz que ha tenido papeles protagónicos en más de 15 películas y series de televisión. Hizo su debut cinematográfico a la edad de 13 años en la película “Flowery Afternoon”, dirigida por Kazuki Omori, mejor conocido en los Estados Unidos por su serie de películas de “Godzilla”.
Eriko fue contratada para interpretar un papel periódico en la serie “Go with the Wild”, un programa de televisión en horario estelar en Fuji Television. Después protagonizó la miniserie “My Beloved Ultra Seven”, un docudrama que describía la vida de la afamada actriz japonesa Yuriki Hishimi.
Más tarde, Eriko obtuvo un papel en el drama de época “Hideyoshi”, para la NHK, donde interpretó el papel de una mujer desdichada de renombre histórico, que soportó una severa persecución por haber sido la primera mujer japonesa en convertirse al cristianismo.
Además de sus logros en la actuación, Eriko ha disfrutado de un notable éxito como cantante, que la ha llevado a lanzar 10 álbumes originales y 15 sencillos, para Toshiba EMI. Ha sido la portavoz para una variedad de compañías internacionales y ha aparecido en la portada de la mayoría de las principales revistas japonesas.

RANDALL DUK KIM (Gohan) es un respetado y veterano actor de teatro que nació en Honolulu, Hawái, pero de descendencia coreana/china. Sus créditos cinematográficos incluyen “The Matrix: Reloaded” (como The Keymaker), “Memoirs of a Geisha” (Memorias de una Geisha), “Anna and the King”, “The Replacement Killers” y “Kung Fu Panda” (Ídem). Apareció en la película para televisión “The Lost Empire” y apareció como actor invitado en las series “100 Centre St.”, “Cashmere Mafia” y “New Amsterdam”.
Kim prestó su voz a James Wong (junto a Chow Yun-Fat) en el primer videojuego de John Woo, “Stranglehold”, así como a Shingen en el videojuego “Red Ninja”. Interpretó a The Keymaker en los videojuegos “Enter the Matrix” y “The Matrix: Path of Neo”.
Los créditos teatrales de Kim en Broadway incluyen “Flower Drum Song”, “Golden Child” y la nueva versión de “The King and I”. También fue visto como Omar Khayyam en “Kismet” en el New York City Center Encores. Kim recibió un premio Obie® fuera-de-Broadway por una “consolidada excelencia en sus actuaciones”, en el teatro oficial.
Interpretó a Balarius en “Cymbeline”, en el Festival Shakespeare de Nueva York, a Marc en ART, de Yaasinia Reza, en el Teatro de Repertorio de Singapur y a Kochi Asano en “A Majority of One”, de Leonard Spigellgass.
Kim fue cofundador del Teatro American Players en Spring Green, Wisconsin y fungió como director artístico, además de haber actuado en múltiples de las producciones shakesperianas. Ahora hace de Newark, New Jersey, su hogar.

ERNIE HUDSON (Sifu Norris) es mejor conocido por su papel de Winston Zeddmore, uno de los cazafantasmas en la película clásica “Ghostbusters” (Los Cazafantasmas) y su secuela “Ghostbusters 2”. Interpretó al crédulo factótum en el éxito taquillero “The Hand That Rocks the Cradle” (La Mano que Mece la Cuna), y coprotagonizó con el ya finado Brandon Lee “The Crow” (El Cuervo). Sus otros créditos cinematográficos incluyen “Miss Congeniality” (Miss Simpatía), “Spacehunter: Adventures in the Forbidden Zone” (Cazador del Espacio) y “Basketball Diaries”. Sus cientos de apariciones como actor invitado en televisión incluyen los programas “Desperate Housewives”, “Las Vegas”, “ER” y la aclamada serie de HBO “Oz”, donde interpretó a Warden Glynis.
Hudson nació en Benton Harbor, Michigan, y estudió teatro en la Universidad Estatal de Wayne, en la Escuela de Teatro de Yale y en la Universidad de Michigan. Prestó servicio en la Marina de los Estados Unidos antes de haberse mudado a Los Ángeles, donde apareció en varias producciones teatrales, incluyendo “The Great White Hope”. Hizo su debut cinematográfico en “Leadbelly”, del director Gordon Parks, acerca del legendario cantante de blues.
ACERCA DE LOS REALIZADORES
JAMES WONG (Director) nació en Hong Kong y se mudó con su familia a San Diego, California, cuando tenía diez años. En la Preparatoria El Cajon Valley conoció a su futuro socio de escritura, Glen Morgan. Ambos estudiaron en la Universidad Loyola Marymount, donde Wong tenía las intenciones de obtener un título en ingeniería, antes de haberse cambiado a estudios de cine.
Después de la graduación, Wong obtuvo un trabajo como asistente de la productora Sandy Howard. Durante este tiempo, Wong y Morgan escribieron guiones por si acaso, y eventualmente les produjeron uno, el implacable largometraje “The Boys Next Door”. A la postre, los dos fueron contratados como escritores de Stephen J. Cannell Productions, en las series “21 Jump Street”, “Booker” y “The Commish”.
Wong y Morgan llamaron la atención de Chris Carter, quien estaba montando la producción en Vancouver para una nueva serie titulada “The X-Files” (Los Expedientes X), acerca de dos agentes del FBI que se dedican a investigar lo paranormal. Wong y Morgan ayudaron a definir la dirección del programa durante sus primeras dos temporadas y fueron pieza fundamental en el desarrollo de los personajes. Su trabajo en “The X-Files” los llevó a más trabajos como escritores y productores de las series “Space: Above and Beyond”, “Millennium” y “The Others”.
En el 2000, Wong hizo su debut cinematográfico como director en el thriller “Final Destination” (Destino Final), que coescribió con Morgan. La película se convirtió en un éxito taquillero. A ésta, le siguió “The One” (El Único), protagonizada por Jet Li, y “Final Destination 3”, la tercera parte en lo que se ha convertido en una perdurable franquicia cinematográfica. Coescribió y produjo con Morgan las nuevas versiones de “Willard” (La Revolución de las Ratas) y “Black Christmas” (Gritos en la Oscuridad).

BEN RAMSEY (Guión) escribió “The Big Hit” (El Gran Golpe), protagonizada por Mark Wahlberg, para Sony Pictures. Escribió y dirigió “Blood and Bone” y “Love and a Bullet”, también para Sony. Más recientemente, ha estado escribiendo una película de Kung-Fu en 3D, aún sin título, para MTV y Paramount. Los otros guiones de Ramsey con temas de artes marciales incluyen prestigiosas adaptaciones de “Luke Cage”, de Marvel Comics, para el productor Neal Moritz, en Sony, y “Roses are Red”, basada en la novela de James Patterson, para Morgan Freeman, en Paramount.

STEPHEN CHOW (Productor) es la estrella cómica número uno en Asia y uno de los artistas más queridos de la región. Ha protagonizado más de cincuenta filmes, pero fue el éxito de “Shaolin Soccer” (Ídem), en el 2001, y de “Kung Fu Hustle” (Kung Fusión), en el 2005, que lo lanzaron a un nivel de estrellato mundial, que solamente ocupan un puñado de artistas en la región, quienes, al igual que Chow, escriben, dirigen y protagonizan sus propias películas. Ambas películas rompieron records en taquilla a lo largo de Asia, Japón y Corea del Sur, además de haber llamado la atención entre la crítica de los EEUU por sus estilos innovadores.
Oriundo de Hong Kong, Chow fue uno de tres hijos en lo que él describe como una familia muy pobre. Chow comenzó su carrera en el entretenimiento como conductor de un programa infantil de televisión, “430 Space Shuttle”. Rápidamente se hizo de un nombre con su estilo ocurrente y en 1989 comenzó a actuar en películas. En 1996, hizo su debut como director de cine con “God of Cookery”, que también escribió y produjo, además de haberla protagonizado. Después del gran éxito de “God of Cookery”, dirigió, escribió y protagonizó la aclamada “King of Comedy”, una historia encantadora acerca de un extra de cine que conoce a la estrella de sus sueños.

AKIRA TORIYAMA (Productor Ejecutivo) hizo su debut como artista de manga en 1979 con Dr. Slump, que apareció en la revista Weekly Shonen Jump. El título se convirtió rápidamente en un gran éxito, vendiendo más de 35 millones de copias, solamente en Japón. Causó tal influencia que los niños en Japón comenzaron a saludarse entre ellos con “¡N-cha!” —el diálogo insignia de la heroína robot del título, Arale.
En 1985, Dragon Ball, de Toriyama, empezó su corrida en Weekly Shonen Jump. El título se convirtió en la historia manga más exitosa de la historia, vendiendo más de 150 millones de copias en Japón. La serie de Dragon Ball fue un gran éxito no solamente en Japón, sino en todo el mundo, y la manga original ha sido publicada en 27 países. Toriyama es también conocido como diseñador de personajes en la sumamente exitosa serie de juegos Dragon Quest.

TIM VAN RELLIM (Productor Ejecutivo) es productor ejecutivo, productor, asistente de director y ejecutivo de producción en la industria cinematográfica. Van Rellim fue productor asociado de “Eureka”, para el director Nicolas Roeg, y produjo “K-2” y “Ravenous” (Voraz). Otros créditos cinematográficos incluyen “Highwaymen”, “The Order” (El Orden de la Muerte), “A Knight’s Tale” (Corazón de Caballero), “The Deceivers”, “Eat The Rich”, “Invisible Circus” (Secretos) y “Snow White: a Tale of Terror”.
A principios de su carrera, se involucró con Apple Films, produciendo “Born to Boogie”, con Ringo Starr, y “Countdown”, con Harry Neilsen. Van Rellim produjo los primeros promocionales pop (precursores de los videos musicales) en las instalaciones de edición de John Lennon, para Los Beatles y Los Rolling Stones.

ROBERT McLACHLAN, ASC/CSC (Director de Fotografía) tiene una prolongada asociación con el director James Wong, después de haber fotografiado “Final Destination”, “Final Destination 3” y “The One”, todas dirigidas por Wong. Conoció a Wong mientras fungía como director de fotografía de 25 episodios de la segunda temporada de la serie de televisión “Millennium”, producida por Chris Carter (“The X-Files”), James Wong y el ex socio de Wong, Glen Morgan.
McLachlan ha recibido ocho premios por sus logros sobresalientes de la Canadian Society of Cinematographers (CSC), junto con tres nominaciones consecutivas de la American Society of Cinematographers (ASC) por su trabajo en la serie “Millennium”. Sus créditos incluyen las películas para televisión “Adrift”, “A Venus of Murder”, “Other Women’s Children” y la nueva versión del western clásico “High Noon”, recibiendo por esta última una nominación al Premio ASC.
Nacido en San Francisco, pero criado en Vancouver, McLachlan estudió en la Universidad de Vancouver, donde filmó un documental corto que lo llevó a fundar, junto con un compañero estudiante, una pequeña compañía para producir películas industriales, comerciales de televisión y documentales.
A finales de la década de los 80, McLachlan se dio cuenta que estaba pasando muy poco tiempo haciendo lo que amaba —la fotografía. Dejó gran parte del negocio a su socio y se independizó. McLachlan recibió su primera oportunidad como fotógrafo de una serie de aventuras, “Beachbombers”, antes de haber filmado “Adrift”. Esto, a cambio, lo llevó a fotografiar “The Commish”, para Stephen J. Cannell/ABC-TV, y después la serie “Strange Luck”, para Fox. Fue esta última la que llamó la atención de Chris Carter. McLachlan estableció una relación muy estrecha con Wong y Morgan, quienes los invitaron a fotografiar la primera película de estudio de Wong, “Final Destination”.
McLachlan fue fotógrafo de la segunda unidad del largometraje “The Golden Compass” (La Brújula Dorada) y fotografió episodios de la efímera serie “The Bionic Woman”, en su versión más reciente. Entre sus otros créditos cinematográficos se encuentran “Cursed” (La Marca de la Bestia), para el director Wes Craven, “Black Christmas”, para el director Glen Morgan y el productor James Wong, y “Willard”, también para el director Morgan y el productor Wong.

BRUTON JONES (Diseñador de Producción) comenzó su carrera como diseñador de sets en la película para televisión “By Dawn’s Early Light” (Operación: Destino..La Última Guerra) y el largometraje “He Said, She Said” (Él Dijo, Ella Dijo). Fue asistente del diseñador de producción en “Jungle Fever” (Fiebre de Jungla), de Spike Lee, y continuó su trabajo como diseñador de sets en “Super Mario Bros”.
Jones fue asistente del director de arte en “The Rock” (La Roca) y fue ilustrador de producción de “Blade” (Blade, Cazador de Vampiros). Sus otros créditos como director de arte incluyen “Armageddon” (Ídem), “Inspector Gadget”, “Bicentennial Man” (Hombre Bicentenario) y “The Jackal” (El Chacal). Jones se convirtió en diseñador de producción en “Underworld” (Inframundo) y sus créditos adicionales desempeñando esta función incluyen “Solstice” (Miedo al Amanecer), “Lakeview Terrace” (Vecinos en la Mira), “Next Day Air”, “Stay Alive” (Sobrevivir) y “Graduation”.
Jones nació en Fort Sill, Oklahoma, y fue criado en Killeen, Texas. Estudió en el Centro para el Diseño Creativo en Detroit, Michigan, y se graduó de la Escuela de Diseño Otis Parsons, en Los Ángeles, con un título en estudios ambientales.

MATTHEW FRIEDMAN (Editor) editó las películas “What Happens in Vegas” (Locura de Amor en Las Vegas), “I Spy” (Soy Espía), “John Tucker Must Die” (Todas contra John) y “Over Her Dead Body”. Sus múltiples créditos en el cine independiente incluyen “Certain Guys”, “We Married Margo”, “Cold Heart”, “The Last Run”, “The Truth About Miranda”, “English as a Second Language”, “Novel Romance” y “The Deal”.
Friedman editó los programas piloto de televisión de las series “The Loop”, para Fox, y “Pepper Dennis”, para WB. Sostuvo una variedad de puestos en el departamento de edición en películas tales como “Tollbooth” (Entre dos Amores), “The Crew” (Conflicto a Bordo), “Doctor Dolittle” (Ídem), “How to Make an American Quilt” (Recuerdos de Amores Pasados), “Private Parts” (Partes Privadas), “The Muse” (La Musa), “28 Days” (28 Días) y “Road Trip” (Viaje Censurado).

CHRIS WILLINGHAM, A.C.E. (Editor) es un editor que ha ganado en tres ocasiones el Premio Emmy por su trabajo en la aclamada serie de Fox “24”. Su carrera abarca tres décadas. La primera asociación de Willingham con James Wong se presentó en la serie de televisión “21 Jump Street”, “The X- Files”, “Millennium” y “Space: Above and Beyond”. Willingham fue editor de “Final Destination 3”, de Wong.

ALEC GILLIS y TOM WOODRUFF, JR. (Diseñadores y Creadores de Efectos Especiales de Maquillaje) son los directores de Amalgamated Dynamics, Inc. (ADI), una de las casas productoras de efectos de criaturas más importantes de la industria.
A principios de su carrera, Gillis trabajó para muchos de los mejores artistas de efectos de maquillaje y criaturas de Hollywood, incluyendo Stan Winston. Gillis también fue uno de los principales diseñadores de Winston en películas tales como “Aliens” (Aliens, El Regreso), “Alien Nation” (Misión Alien) y “Leviathan”. Fue también durante esta época que conoció a Tom Woodruff, Jr., con quien fundaría más tarde un nuevo estudio de efectos de criaturas.
Woodruff se unió al equipo de Stan Winston en “Terminator”. Ese fue el principio de un periodo de cinco años que vio a Woodruff convertirse en un coordinador fundamental bajo la tutela de Winston, trabajando en películas tales como “Aliens” y “Predator” (Depredador), así como en el programa de televisión “Amazing Stories”. Durante esta época, comenzó a portar el intrincado maquillaje y vestuario de las criaturas que diseñaban en el estudio. Su físico y tolerancia, así como su habilidad para actuar, lo llevaron a interpretar los personajes del título en las películas “Monster Squad”, “Pumpkinhead” y “Leviathan”. Woodruff y Gillis después fundaron Amalgamated Dynamics, Inc. Woodruff y Gillis se convirtieron en dos de los principales diseñadores y creadores de efectos de maquillaje de la industria, y lo siguen siendo hasta la fecha. Ganaron un Premio de la Academia por “Death Becomes Her” (La Muerte le Sienta Bien) y recibieron nominaciones al Premio de la Academia por “Starship Troopers” (Invasión) y “Alien3”.
Woodruff continúa interpretando una variedad de papeles de criaturas y animales en películas tales como “AVP: Alien Vs. Predator” (Alien vs. Depredador), “AVP-R” (Alien vs. Depredador 2), “Scary Movie 3” (Una Película de Miedo 3), “Looney Tunes - Back in Action” (Looney Tunes: de Nuevo en Acción), “Evolution” (Evolución), “Bedazzled” (Al Diablo con el Diablo), “The Hollow Man” (El Hombre sin Sombra), “Alien Resurrection” (Alien La Resurrección), “Alien3”, “Jumanji” (Ídem), “The X-Files”, así como en las series de televisión “nip/tuck”, “Chicago Hope” y “Seven Days”. Sus películas venideras son “X-Men Origins: Wolverine”, “Race to Witch Mountain” y “Cirque du Freak”.


BRIAN TYLER (Música) recibió su título de licenciatura de la UCLA y su maestría de la Universidad de Harvard. Su amor por el cine fue inspirado en gran medida por su abuelo Walter Tyler, director de arte ganador del Premio de la Academia, quien además recibió diez nominaciones a la estatuilla.
Brian Tyler comenzó a componer música a una temprana edad, y para mediados de sus veinte ya estaba interpretando sus propias piezas de concierto alrededor de los Estados Unidos y de Rusia. Tyler tocó el piano, la percusión clásica, la guitarra, el bajo y la batería en varias orquestas, ensambles musicales, coros y bandas, antes de haber decidido ingresar en el mundo de la composición musical para cine.
Su proyectos más recientes incluyen “Bangkok Dangerous” (Peligro en Bangkok), “Eagle Eye” (Control Total), “The Lazarus Project”, “Fast & Furious” (Rápido y Furioso), “Final Destination: Death Trip 3D” y “The Expendables”.
Previo a ello, compuso la música de “AVP-R”, “Rambo” (Rambo, Regreso al Infierno), “Bug” (In-sectos), “The Fast and The Furious: Tokyo Drift” (Rápido y Furioso: Reto Tokio) y “Partition”.
En el 2005, Tyler se encargó de la música de tres filmes: “Constantine” (Ídem), protagonizado por Keanu Reeves, basado en el cómic Hellblazer, de DC/Vertigo; “The Greatest Game Ever Played” (El Juego que Hizo Historia), del director Bill Paxton, y “Annapolis” (Ídem), del director Justin Lin.
En el 2001, Cinemusic nombró a Tyler Mejor Compositor Novel de Cine del Año. En el 2002, recibió una nominación al Emmy por su banda sonora para “The Last Call”. En el 2006, recibió un Premio ASCAP por “Constantine”.
Otros créditos incluyen “Panic”, “Los Muertos”, “Jane Doe” (Código de Seguridad: Jane Doe), “Bubba Ho-Tep” (Ídem), “Timeline” (Rescate en el Tiempo), “Frailty” (Las Manos del Diablo), “The Hunted” (La Cacería), “The 4th Floor” (El Cuarto Piso), “A Piece of My Heart”, “Darkness Falls” (En la Oscuridad de la Noche), “Children Of Dune” (para la que Tyler produjo un soundtrack que se convirtió en un best-seller), “The Big Empty”, “Thought Crimes” y dos episodios de la segunda temporada de la serie “Star Trek: Enterprise”.